Płyta
W skrócie
- Artysta
- Renaissance
- Wydany
- 1975
- Album
- Szósty album studyjny
- Oryginalne utwory
- Cztery
- Orkiestracja
- Tony Cox
- Producenci
- David Hitchcock i Renaissance
Dlaczego jest ważny
Grupa rockowa i orkiestra uczą się mówić jednym językiem
Na Scheherazade and Other Stories utrwalone składniki Renaissance przestają brzmieć jak sąsiadujące warstwy. Długie linie wokalne Annie Haslam, fortepian Johna Touta, gitara akustyczna Michaela Dunforda, melodyjny bas Jona Campa i perkusja Terence’a Sullivana już określały grupę. Tutaj orkiestrowe pisanie Tony’ego Coxa wchodzi w ten mechanizm, zamiast jedynie powiększać jego kulminacje.
Pierwotny LP rozwiązuje też trudne zagadnienie skali. Pierwsza strona zawiera trzy kompletne kompozycje o różnych światach dramatycznych: niesamowity lunapark, zwarte starcie z wrogim osądem i morską elegię. Druga strona poświęca następnie niemal dwadzieścia pięć minut jednej sekwencji. Krótkie i długie formy wzajemnie potwierdzają swoją wartość, zamiast ze sobą konkurować.
Song of Scheherazade jest szczególnie ważna, ponieważ jej dziewięć części rozdziela autorstwo między Dunforda, Touta, Campa i autorkę tekstów Betty Thatcher. Instrumentalna fanfara, męski głos prowadzący, temat miłosny, fuga, święto i finał tworzą dzieło złożone, którego ciągłość zależy od powracającego materiału i przekazywania ról w zespole.
Album często zalicza się do rocka symfonicznego, lecz jego osiągnięcie jest bardziej konkretne niż dodanie orkiestry do rockowych piosenek. Sekcja rytmiczna pozostaje aktywna, fortepian zachowuje perkusyjną tożsamość, gitara akustyczna wyznacza ataki, a Haslam śpiewa przez aranżacje, nie ponad nimi. Barwa symfoniczna staje się częścią gramatyki grającego zespołu.
Maj 1975
Klasyczna piątka dociera do Abbey Road
Renaissance weszło w rok 1975 z w pełni ukształtowanym składem Haslam, Dunford, Tout, Camp i Sullivan. Prologue przedstawił nową grupę, Ashes Are Burning dopełnił jej rdzeń, a Turn of the Cards poszerzył skalę aranżacji. Scheherazade and Other Stories następuje po tej sekwencji jako szósty album studyjny Renaissance ogółem.
Zespół nagrywał w Abbey Road w maju 1975 roku. Miejsce miało znaczenie, ponieważ projekt wymagał zarówno intymności sesji rockowej, jak i przestrzeni dla London Symphony Orchestra. John Kurlander odpowiadał za realizację dźwięku, a David Hitchcock i Renaissance wspólnie za produkcję.
Tony Cox stworzył aranżacje orkiestrowe oraz dyrygował London Symphony Orchestra i chórem. Jego rola była konstrukcyjna: długie brzmienia smyczków, ciężar blachy i masa chóru musiały wejść wokół zespołu, w którym bas i fortepian często niosły własną informację melodyczną.
BTM wydała album w Wielkiej Brytanii, Sire obsługiwała Amerykę Północną, a RCA inne terytoria. Czteroutworowy kształt płyty był wyjątkowo zależny od winylu: trzy kompozycje wypełniają pierwszą stronę, a suita zajmuje drugą bez przerwy.
Zespół wykonywał już nowy materiał na ważnych amerykańskich koncertach, zanim album dotarł do słuchaczy. Ta historia sceniczna miała później nabrać znaczenia, lecz płyta studyjna pozostaje świadomie kontrolowanym obiektem: detal Abbey Road, starannie rozmieszczona orkiestra i suita, której przejścia zostały zaprojektowane, a nie po prostu wydłużone podczas wykonania.
Klasyczny skład
Pięciu muzyków, aranżer i symfoniczne rozszerzenie
Skala Haslam służy dramaturgii, nie ciągłemu popisowi. Trip to the Fair wymaga odsłoniętej niepewności, Ocean Gypsy — długiego lamentu, a suita stawia ją wobec coraz bardziej publicznych sił orkiestry. Głos zmienia odległość narracyjną bez zmiany śpiewaczki.
Tout jest jednocześnie akompaniatorem i architektem. Fortepian może ustanowić pustą przestrzeń, odpowiadać basowi szybkimi figurami albo uruchomić formalną część. Jego Fanfare i Fugue for the Sultan czynią myślenie kontrapunktyczne słyszalnym, nie zmieniając zespołu w akademicki pokaz.
Atak Campa w stylu Rickenbackera nadaje dolnemu rejestrowi niezwykłą niezależność. Wspiera akustyczny rytm Dunforda, kontruje figury klawiszowe Touta i sięga po pedały basowe, gdy potrzebna jest trwała podstawa. Jego wokal prowadzący w The Sultan tworzy też użyteczną zmianę punktu widzenia wewnątrz suity.
Gitarę akustyczną Dunforda łatwo niedocenić, ponieważ rzadko szuka elektrycznego widowiska. Jej bicie, powtarzany puls i harmoniczne rozmieszczenie utrzymują ruch gęstych fragmentów. Sullivan działa podobnie zza zestawu: kształt talerzy, ruch tomów i akcenty perkusyjne artykułują wielkie przejścia bez spłaszczania ich do stałego backbeatu.
Cox nie zastępuje tych funkcji. Jego orkiestra rozszerza melodię, dostarcza kontrlinii, zmienia ciężar harmoniczny i czasem tworzy środowisko, do którego wchodzi zespół. Ten podział pracy pozwala płycie brzmieć szeroko, a zarazem zachować pięć odrębnych osobowości instrumentalnych.
Brzmienie i konstrukcja
Kameralny detal, fizyczny rytm i skala orkiestrowa
Album wielokrotnie wychodzi od małych, namacalnych dźwięków. Figury fortepianu, ataki gitary akustycznej i pojedyncze frazy wokalne ustanawiają ludzką skalę, zanim smyczki lub chór powiększą pole. Ponieważ ekspansja jest stopniowa, wejście orkiestry brzmi jak konsekwencja kompozycji, a nie ozdobny sygnał.
Trip to the Fair używa gwałtownych zmian pulsu i barwy, aby uczynić znajomą przestrzeń publiczną niesamowitą. Skojarzenia z pozytywką, toczący się fortepian, aktywny bas i lunaparkowy ruch odmawiają stabilnego komfortu. Aranżacja zachowuje się jak wspomnienie tracące wiarygodność.
The Vultures Fly High ściska zespół w bezpośredniej formie piosenkowej. Szybki rytm, ostry refren i warstwy wokalne pokazują, że ten skład nie potrzebował dziesięciu minut, by brzmieć złożenie. Kontrast oczyszcza też słuch między dwiema większymi narracjami pierwszej strony.
Ocean Gypsy rozciąga melodię przez fortepian, gitarę akustyczną, orkiestrę i chór. Centralny wzrost instrumentalny nie porzuca piosenki; ujawnia emocjonalną skalę już zawartą w linii wokalnej. Powrót do Haslam po tym rozszerzeniu sprawia, że finałowy fragment brzmi inaczej.
Druga strona bardziej metodycznie wykorzystuje nawroty. Fanfare zapowiada publiczną opowieść; The Betrayal przyciemnia harmonię; The Sultan wprowadza niższy męski głos Campa; Love Theme rozluźnia napięcie narracyjne; ostatnie części gromadzą wcześniejszy materiał w święcie i rozwiązaniu.
Rytm jest ukrytym źródłem ciągłości. Camp i Sullivan mogą przejść od dostojnego pulsu do szybszego ruchu zespołu, podczas gdy Tout zmienia rolę klawiszy, a Cox gęstość orkiestry. Słuchacz doświadcza jednej suity, ponieważ przejścia zachowują siłę napędową nawet wtedy, gdy powierzchnia się przeobraża.
Nagranie utrzymuje słyszalność gitary akustycznej, ataków fortepianu i definicji basu w masywnych fragmentach. Ta klarowność zapobiega zmianie suity w zalew smyczków. Uwiarygodnia też ciche powroty: zespół może wycofać się ze skali symfonicznej, nie brzmiąc na pomniejszony.
Przewodnik po utworach
Trzy inne opowieści i dziewięcioczęściowa suita
Trip to the Fair
Utwór otwierający przez niemal jedenaście minut zmienia wycieczkę w teatr psychologiczny. Oszczędny początek pozostawia Haslam odsłoniętą, a pozorna niewinność miejsca zostaje zachwiana pustą przestrzenią i niepewnym ruchem.
Partia klawiszowa Touta porusza się między fortepianem, barwą pozytywki i szybkimi figurami dekoracyjnymi. Bas Campa odmawia roli biernej, odpowiadając i popychając muzykę, podczas gdy Sullivan zmienia podłoże pod sceną.
Gdy aranżacja staje się bardziej ruchliwa, lunapark sugeruje ruch muzyczny, nie dosłowne efekty dźwiękowe. Walcowy tok, nagłe wejścia zespołu i wymiany instrumentalne pozwalają atrakcji i zagrożeniu współistnieć.
Utwór jest jedną z pozostałych opowieści albumu, nie prologiem do fabuły Scheherazade. Jego znaczenie polega na ustanowieniu opowiadania jako metody aranżacyjnej: punkt widzenia zmienia się wraz z instrumentacją i stabilnością rytmiczną.
The Vultures Fly High
Najkrótsza piosenka zaczyna się natychmiastowym pędem. Gitara akustyczna, bas i perkusja tworzą zdecydowaną drogę dla refrenu, którego powracający obraz zmienia osąd w coś krążącego i drapieżnego.
Wokal Haslam jest bardziej wyrazisty niż w otaczających utworach, a głosy wspierające czynią hook zbiorowym. Zwarta konstrukcja nie pozwala, by krytyka zawarta w słowach Thatcher rozrosła się w użalanie nad sobą.
Umieszczony między dwoma długimi utworami działa jako kompresja, nie wypełniacz. Renaissance dowodzi, że kontrlinie i zmiany harmoniczne mogą przetrwać w nieco ponad trzech minutach.
Zakończenie oczyszcza scenę dramatyczną dla Ocean Gypsy. Przejście od zewnętrznego sprzeciwu do wewnętrznej elegii jest jedną z najmocniejszych decyzji sekwencyjnych pierwszej strony.
Ocean Gypsy
Fortepian i głos ustanawiają miarowy lament, zanim otworzy się pole orkiestrowe. Haslam utrzymuje frazy ponad kreskami taktowymi, nadając morskim i nocnym obrazom Thatcher płynny, lecz kontrolowany kształt.
Gitara akustyczna Dunforda i powściągliwy puls Sullivana utrzymują piosenkę przy ziemi. Camp umieszcza pod wokalem melodyjny ruch basu, zamiast jedynie podwajać podstawy harmoniczne.
Instrumentalne centrum rozszerza się przez fortepian, orkiestrę i chór, zwiększając skalę bez wprowadzania osobnego epizodu. Brzmi to tak, jakby prywatny obraz stał się otoczeniem.
Końcowy powrót wokalu niesie pamięć tego rozszerzenia. Jako ostatnia piosenka pierwszej strony Ocean Gypsy zamyka sekwencję niezależnych narracji, przygotowując ucho na większą rolę orkiestry po odwróceniu płyty.
Song of Scheherazade
Fanfare otwiera suitę jako publiczna ceremonia. Zwięzłe stwierdzenie Touta i skala orkiestry Coxa ustanawiają dworską przestrzeń, zanim niebezpieczeństwo narracji zostanie w pełni określone.
The Betrayal wprowadza zespół i orkiestrę w ciemniejszy, pilniejszy ruch. Zmienny ciężar przygotowuje Sułtana jako aktywną obecność dramatyczną, nie odległe imię.
W The Sultan główny wokal obejmuje Camp. Jego niższy rejestr oddziela perspektywę władcy od późniejszej narracji Haslam i zapobiega uzależnieniu dwudziestopięciominutowego dzieła od jednej barwy głosu.
Love Theme zmniejsza napięcie poprzez kompozycję Campa, która daje melodii przestrzeń do rozwinięcia. Działa jako instrumentalny zawias emocjonalny, nie przerwa w fabule.
The Young Prince and Princess as told by Scheherazade przywraca Haslam w roli narratorki. Sam tytuł wyjaśnia warstwę opowiadania: ta historia służy wewnątrz większego aktu utrzymywania uwagi Sułtana.
Festival Preparations przywraca ruch przez nakładające się figury zespołu i orkiestry. Camp, Dunford i Tout dzielą kredyt kompozytorski, a muzyka brzmi odpowiednio rozdzielona, zamiast skupiać się wokół jednego solisty.
Fugue for the Sultan stosuje kontrapunktyczne myślenie Touta do ruchu naprzód. Wejścia odpowiadają sobie w całym zespole, dając formalnej technice dramatyczne zadanie wewnątrz zbliżającej się uroczystości.
The Festival gromadzi głosy, perkusję i orkiestrę w najbardziej publicznej scenie suity. Wcześniejsza powściągliwość pozwala odczytać gęstość; to kulminacja przez nagromadzenie, nie trwale maksymalne brzmienie.
Finale przywraca i rozwiązuje materiał z całej suity. Opowiadanie odroczyło przemoc i zmieniło relację między narratorką a słuchaczem. Muzyka zamyka całość, czyniąc sam powrót materiału dowodem, że opowieść zachowała spójność.
Suitę zainspirowały Szeherezada oraz Księga tysiąca i jednej nocy, lecz nie jest ona aranżacją dzieła orkiestrowego Rimskiego-Korsakowa. Krótki powracający motyw nawiązuje do znanej kompozycji; większa konstrukcja muzyczna należy do Renaissance.
Cztery przestrzenie narracyjne
Izolacja, osąd, pamięć i przetrwanie dzięki sztuce
Tylko druga strona przedstawia jedną ciągłą opowieść. Trip to the Fair, The Vultures Fly High i Ocean Gypsy są innymi historiami wskazanymi przez tytuł, każda z własnym mówcą, miejscem i logiką emocjonalną.
Izolacja łączy pierwszą stronę, nie zmieniając jej w jedną fabułę. Gość lunaparku spotyka nieobecność, głos w Vultures mierzy się z wrogim osądem, a postać oceaniczna jest określona przez dystans i stratę. Każda piosenka zmienia społeczną skalę wokół jednego głosu.
Song of Scheherazade traktuje narrację jako przetrwanie. Przemoc władcy zostaje przerwana, ponieważ opowiadająca potrafi utrzymać uwagę, tworzyć zagnieżdżone światy i odraczać oczekiwane zakończenie. Suita czyni więc powrót muzyczny częścią swego argumentu: temat wraca, bo słuchacz pozostał wewnątrz opowieści.
Epizod o księciu i księżniczce jest historią wewnątrz historii. Haslam nie gra po prostu jednej stałej postaci przez całą stronę; perspektywa wokalna przesuwa się między narracją, opowieścią wbudowaną i komentarzem zespołu.
Obrazy święta przenoszą sztukę z prywatnego pocieszenia do wydarzenia publicznego. Suita rośnie ku zbiorowym głosom i masie orkiestry, lecz jej najgłębsza siła pozostaje w kontrolowanym akcie opowiedzenia jeszcze jednego epizodu. Skala służy narratorce, zamiast ją zastępować.
Dworskie miniatury
Świat perskiej miniatury narysowany przez Colina Elgiego
Hipgnosis zaprojektowało okładkę, a Colinowi Elgiemu przypisano ilustrację. Front przedstawia szczegółową scenę dworską w stylu perskiej miniatury, otoczoną jasną przestrzenią i ozdobnym fioletowym liternictwem.
Postacie zbierają się pośród drzew, naczyń, jedzenia, muzyków i wielbłąda. Scena nagradza uważne oglądanie tak, jak suita nagradza uwagę dla ruchu wewnętrznego, ale nie próbuje tworzyć dosłownego panelu dla każdego epizodu muzycznego.
Rękopiśmienna skala projektu stanowi użyteczną przeciwwagę dla orkiestry. Zamiast ukazywać symfoniczny monumentalizm, okładka ujmuje wiele małych ludzkich gestów w jednym uporządkowanym polu.
Brzmienie tytułu ma znaczenie wizualne i muzyczne. Scheherazade otrzymuje główne skojarzenie narracyjne, podczas gdy and Other Stories zachowuje niezależność trzech utworów z pierwszej strony. Cyfrowe prezentacje, które pomniejszają obraz lub dzielą suitę, tracą część tej pierwotnej mapy.
1975
Szczyt z 1975 roku zbudowany dla strony albumu
Wydany w 1975 roku album ukazał się nakładem BTM w Wielkiej Brytanii, Sire w Ameryce Północnej oraz RCA na kilku innych terytoriach. Tożsamość pierwotnego LP opiera się na czterech tytułach, choć ostatni zawiera dziewięć nazwanych części.
Płyta pojawiła się, gdy Renaissance budowało szczególnie silną publiczność amerykańską. Wielka skala kompozycji pasowała do sal koncertowych, lecz Trip to the Fair, Ocean Gypsy i zwarty Vultures sprawiły, że album studyjny nie został zdefiniowany wyłącznie przez jedną suitę.
Współczesne i późniejsze reakcje często dzieliła ta sama cecha: nieskrywana skala orkiestrowa. Słuchacze ceniący zwięzły rockowy atak mogą preferować pierwszą stronę, a wielbiciele symfonicznej metody zespołu słyszą w drugiej jej najpełniejszą wypowiedź studyjną.
To napięcie jest twórcze. Scheherazade and Other Stories nie ukrywa ambicji, lecz najlepsze fragmenty zależą od precyzyjnego detalu zespołu. Album pyta, czy dwudziestopięciominutowa forma może pozostać melodyjna, rytmiczna i narracyjnie czytelna.
Z Abbey Road na scenę
Projekt studyjny staje się wydarzeniem koncertowym
Album stał się jedną z centralnych płyt katalogu Renaissance, ponieważ utrwala klasyczną piątkę w stabilnym punkcie twórczym i dokumentuje jej najściślejszą studyjną integrację z orkiestrą i chórem.
Song of Scheherazade szybko dowiodła, że projekt może żyć poza Abbey Road. Weszła do repertuaru koncertowego i rozrastała się na scenie, gdzie zespół mógł uczynić przejścia bardziej fizycznymi i nadać suicie inny rozmach dramatyczny.
Występy w Carnegie Hall połączyły ten język studyjny z ważnym symfonicznym otoczeniem koncertowym. Późniejszy dokument na żywo nie powinien zastępować albumu: wersja studyjna jest ciaśniejsza, klarowniejsza i zbudowana wokół pierwotnej strony LP, podczas gdy odczyt koncertowy ujawnia elastyczność.
Ocean Gypsy zyskała też życie niezależne od suity, a Trip to the Fair pozostał pokazem mroczniejszej sztuki narracyjnej zespołu. Dziedzictwo płyty jest więc szersze niż jeden epicki utwór.
Umieszczony między Turn of the Cards a Novella album wyznacza kulminację, nie punkt końcowy. Późniejsze płyty zmieniały równowagę orkiestry, ciężar elektryczny i długość piosenek, lecz żadna nie powtarza dokładnie tej czteroczęściowej architektury.
Które wydanie?
Zachowaj czteroutworową architekturę
Zacznij od czterech pierwotnych tytułów i zachowaj przerwę między stronami. Cisza przed Song of Scheherazade jest częścią zaprojektowanej zmiany z antologii w ciągłą suitę.
Zachowaj widoczne nazwy dziewięciu części nawet wtedy, gdy serwis cyfrowy przedstawia suitę jako jeden plik. Wskazują zmiany kompozytora, punktu widzenia i funkcji, których nie da się zrozumieć z samego numeru utworu.
Zestaw Esoteric remasteruje album z taśm pierwszej generacji i umieszcza występ z Nottingham ze stycznia 1976 roku na osobnej płycie. Taka organizacja jest cenna, bo utrzymuje projekt studyjny i koncertowe rozszerzenie jako odrębne obiekty.
Prezentację surround opisano jako upmix, a nie nowo utworzony remiks wielośladowy. Słuchacze powinni oczekiwać przestrzennej interpretacji nagrania stereo, nie całkowicie przebudowanej sesji.
Sięgnij po singlową i wczesną wersję Ocean Gypsy dopiero po LP. Wyjaśniają montaż i rozwój, lecz wstawienie ich między pierwszą stronę a suitę niszczy pierwotną architekturę.
Ścieżka słuchania
Śledź zmieniającą się relację między zespołem a orkiestrą
- Pierwsze przejście: Posłuchaj czteroutworowego LP po kolei i zrób pierwotną przerwę między stronami przed suitą.
- Śledź sekcję rytmiczną: Zwróć uwagę, jak Camp i Sullivan zachowują ruch, gdy fortepian, głos i orkiestra zmieniają skalę.
- Rozpoznaj narratorów: Odróżnij opowiadanie Haslam od Sułtana Campa oraz od wbudowanego epizodu o księciu i księżniczce.
- Obserwuj wejścia orkiestry: Sprawdź, czy każde rozszerzenie kontynuuje istniejącą melodię, dodaje kontrlinię czy zmienia przestrzeń dramatyczną.
- Porównaj koncert na końcu: Użyj Nottingham lub Carnegie Hall, by usłyszeć, jak dziewięcioczęściowa konstrukcja studyjna rozszerza się w wykonaniu.
Ścieżka badawcza
Źródła i dalsza lektura
- Oficjalna dyskografia Renaissance — Renaissance
- Dokument wydania i kredytów Scheherazade and Other Stories — MusicBrainz
- Kredyty Scheherazade and Other Stories — AllMusic
- Annie Haslam o Scheherazade and Other Stories — Louder
- Zremasterowane i rozszerzone wydanie trzypłytowe — Cherry Red Records
- Dokument pierwotnego LP i oprawy — Strawberry Bricks