Ken Russell *Tommy*'yi filme almaktan çok elindeki her yüzeyde patlatıyor
The Who'nun 1969 tarihli Tommy'si, rock albümünün dört LP yüzü boyunca genişletilmiş anlatıyı, tekrar eden karakterleri ve müzikal temaları taşıyabileceğini zaten kanıtlamıştı. Ken Russell'ın filmi plağı illüstrasyon bekleyen kutsal score gibi ele almaz. Rolleri yeniden cast eder, ayrıntıları yeniden düzenler, düzenlemeleri dönüştürür, dev yıldızları bağımsız sekansların içine yerleştirir ve hikâyeyi savaş hafızası, din, tüketim kültürü, televizyon, ünlülük ve kitlesel gösteriyi kapsayan görsel saldırıya çevirir.
AFI filmi yaklaşık 110-111 dakika olarak kaydederken BFI 108 dakika listeler. Modern 4K-restorasyon sunumları çoğunlukla 111 dakika kullanır. Film New York'ta 19 Mart 1975'te, Los Angeles'ta ertesi gün açıldı; Cannes ise 1975'te Yarışma Dışı gösterdi. Roger Daltrey Tommy'yi oynar. Ann-Margret ile Oliver Reed ebeveyn merkezine dönüşür. Tina Turner, Elton John, Eric Clapton, Jack Nicholson, Keith Moon ve başka sanatçılar tek tek bölümleri yıldız etkinliklerine çevirir. Uyarlama albümün resimlere çevrilmiş hâli değildir. Ken Russell albümü duyar ve son sesle cevap verir.
İkinci Dünya Savaşı çerçevesi Tommy'nin aile travmasını tek haneden büyük ulusal hafızanın parçasına dönüştürüyor
Russell hikâyeyi savaş ve savaş-sonrası imgelerinin içine açıkça yerleştirir. Captain Walker'ın yokluğu ve Tommy'nin ebeveynleri çevresindeki koşullar, kitlesel şiddetten sonra normal hayata dönmeye çalışan Britanya'yla ilişkilendirilir. Bu, orijinal hikâyeyi sinematik olarak genişletir. Aile sırrı, toplumun savaşın duygusal ve maddi sonuçlarıyla yaşamaya çalıştığı daha büyük ortamın parçasına dönüşür. Filmin sonraki gösterisi bu başlangıcın yanında neredeyse histerik görünebilir. Bu karşıtlık yararlıdır. Tommy'nin özel sessizliği, kamusal olarak toparlanmayı icra eden kültürün içinde büyür. Rock opera gençlik-kültürü hikâyesi olduğu kadar savaş-sonrası hikâyeye dönüşür.
Tommy'nin sağırlığı, körlüğü ve dilsizliği hikâye içinde sembolik durumlardır; tıbbi model değil
Hikâye Tommy'nin travmatik olaydan sonra göremediğini, duyamadığını ve konuşamadığını sunar. Sonraki sekanslar durumu psikolojik ve sembolik biçimde ele alır. Bu gerçekçi nöroloji diye tarif edilmemelidir. Rock opera duyusal izolasyonu metafor olarak kullanır. Tommy içine döner. Çevresindeki yetişkinler din, tıp, sömürü ve eğlenceyi olası cevaplar olarak dener. Filmin değeri bu durumun Russell'a neyi sahneleme izni verdiğinde yatar. Travmanın gerçek hayatta duyusal engel yaratmasına dair tıbbi iddia kurmak için kullanılmamalıdır. Kurgusal sembolizm ile tıbbi gerçeklik ayrı tutulmalıdır.
Roger Daltrey sesi kadar fiziksel varlığı için de seçiliyor
Daltrey yıllardır rock'ın en fiziksel canlı gruplarından birinin frontman'liğini yapıyordu. Russell bu bedeni kullanır. Tommy bazı sekanslarda pasif ve savunmasız, bazılarında coşkulu veya buyurgan hâle gelir. Daltrey karakterin normal konuşmayla ilişkisi sınırlıyken duruş ve hareket üzerinden iletişim kurabilir. Casting ayrıca tuhaf döngü yaratır. Plakta ve sahnede Tommy müziğini, birkaç bakış açısındaki şarkıları söylemiş vokalist şimdi şarkılarını daha önce farklı karakterler üzerinden söylediği başlık karakterinin kendisine dönüşür. Rock opera başlangıçta grubun roller arasında hareket etmesine izin vermişti. Sinema başlık karakterine tek yüz verir. Bu karar seyircinin hikâyeyi hatırlama biçimini kalıcı olarak değiştirir.
Ann-Margret başlık karakterinin arkasında kolayca kaybolabilecek duygusal ve görsel merkeze dönüşüyor
Ann-Margret'ın Tommy'nin annesi rolü filmin en büyük güçlerinden biridir. Karakteri yas, arzu, zenginlik, hayal kırıklığı, suçluluk ve Tommy çevresinde büyüyen ticari makineye giderek katılım arasında hareket eder. Russell ona olağanüstü görsel aşırılık sekansları verir. Televizyon, tüketim ürünleri, köpük benzeri malzeme ve yiyecek imgeleriyle ünlü sahne ev içi lüksü boğucu ve grotesk şeye dönüştürür. Sekans Ann-Margret absürtlüğe fiziksel olarak bütünüyle bağlandığı için işler. Tüketim bolluğu duygusal çöküşe dönüşür. Filmin materyalizm eleştirisi hiç incelikli değildir. Bu kadar televizyonun karşısında inceliğin zaten pek işi olmazdı.
Oliver Reed'in casting'i senaryo açıklama yapmadan önce üvey babayı tehlikeli kılıyor
Oliver Reed filmde Tommy'nin üvey babası Frank Hobbs'a ağır fiziksel varlık getirir. Casting anında gerilim yaratır. Reed geleneksel rock şarkıcısı değildi; bu da baştan sona söylenen formatı daha ilginç yapar. Sesi cilalı pop tekniğinden çok kaba teatral karakter taşır. Bu karşıtlık Russell'ın başlıca yöntemlerinden biridir. Film yalnız müzisyenlerle doldurulmaz. Oyuncular söyler. Müzisyenler oynar. Ünlü roller profesyonel sınırları geçer. Sonuçtaki dengesizlik film dokusunun parçasına dönüşür. Tommy tek kusursuz cast recording gibi duyulmaya çalışmaz. Farklı kişilikleri çarpıştırmaya çalışır.
"The Acid Queen" çevresindeki filmden kaçacak kadar büyük Tina Turner olayına dönüşüyor
Tina Turner'ın performansı filmin en ünlü sekanslarından biridir. Russell onun yoğunluğunu, sesini ve görsel varlığını Acid Queen'i eksiksiz audiovisual kâbusa dönüştürmek için kullanır. Karakter Tommy'yi "iyileştirmek" için başka sözde yol sunar. Sekans cinsellik, gösteri ve tehdidi birleştirir. Gücü büyük ölçüde Turner'dan gelir. Daha zayıf performansçı sahneyi camp dekoruna çevirebilirdi. Turner tehlike verir. Şarkı, casting'in seyircinin alttaki rock operayı hatırlama biçimini yeniden yazdığı anlardan birine dönüşür. Filmden sonra Acid Queen'in yüzü vardır. Onu kaldırmak zordur.
Elton John'un Pinball Wizard'ı yardımcı karakteri stadyum ölçekli pop tanrısına dönüştürüyor
Elton John, Russell'ın en coşkulu ünlü-casting parçalarından birinde Pinball Wizard olarak görünür. Dev botlar, performans sahnelemesi ve John'un gerçek dünya yıldız kimliği, Tommy onu yenmeden önce kurgusal şampiyonu pop idolü gibi gösterir. Hikâyenin sinematik olarak tam ihtiyacı budur. Film insanların neden önemsediğini göstermek zorunda kaldığında pinball soyut metafor olarak kalamaz. Russell oyunu performans gösterisine dönüştürür. Sekans ayrıca 1970'lerin ortası rock kültürünün ünlü tanınırlığını anlatısal kestirme olarak ne kadar güvenle kullanabildiğini gösterir. Elton sahneye zaten karizma taşıyarak gelir. Film onu anında harcar.
Eric Clapton'ın vaiz sekansı müzisyenden kendisini oynamasını istemeden rock ünlülüğünü dini gösteriye bağlıyor
Clapton "Eyesight to the Blind" sekansında Preacher olarak görünür. Ortam dini ritüeli Marilyn Monroe ikonografisiyle birleştirir. Filmin inanç hicvi ünlü tapıncından ayrılmaz hâle gelir. Cemaat bir imge üzerinden aşkınlık arar. Vaizin rock'ın en ünlü gitaristlerinden biri tarafından oynanması başka katman ekler. Seyirci, ünlülüğü inanç gibi eleştiren sahneyi izlerken ünlü tanıma eylemine katılır. Russell izleyiciyi şakanın içine çekmekten mutludur.
Jack Nicholson'ın Specialist'i komik, çünkü tıbbi otorite başka ünlü yüzü takarak geliyor
Nicholson Specialist olarak görünür. Varlığı tasarım gereği neredeyse dikkat dağıtır. Sözde rasyonel tıbbi müdahale, seyircinin karizmasını anında tanıdığı oyuncu tarafından sunulur. Film tekrar tekrar kurumları performanstan ayırt edilemez yapar. Din performans yapar. Tıp performans yapar. Rock performans yapar. Aile normalliği performans yapar. Tommy'nin dünyasında aynı zamanda gösteri yapmayan çok az otorite vardır. Nicholson'ın casting'i fikri güçlendirir.
Keith Moon'un Uncle Ernie'si bilinçli biçimde rahatsız edici, çünkü komik casting istismarı zararsız yapmıyor
Keith Moon Uncle Ernie'yi oynar. Karakter, Tommy savunmasız durumdayken ona yönelik istismarla ilişkilidir. Russell'ın yaklaşımı grotesk mizah ile tehdidi karıştırır. Bu malzeme tarihsel yazıda ölçülülük gerektirir. Sekans, etkili biçimde iletişim kuramayan çocuğu yetişkinlerin sömürmesini anlatan hikâyenin parçasıdır. Moon'un komik kamusal personası casting'i daha az ciddi değil, daha rahatsız edici yapar. Filmin geniş camp tarzı sonraki izleyiciyi her bölümü taşkın eğlence gibi görmeye teşvik edebilir. Tarz içindeki her konu oyuncu değildir. Performansçı komediyle ünlü olsa bile istismar istismardır.
Cousin Kevin zorbalığı, yetişkinler ve daha yaşlı gençlerin geleneksel biçimde direnemeyen kişi üzerinde güç denemesinin başka örneğine dönüştürüyor
Cousin Kevin materyali benzer biçimde Tommy'ye yönelik zulmü gösterir. Hikâye çocuğun çevresinde sömürücüleri biriktirir. Her yetişkin veya daha yaşlı figür ona başka gündem yansıtır. Tekrar anlatısal olarak önemlidir. Tommy'nin sonraki ruhsal liderliği, başka insanların sürekli sessizliğinin ne anlama geldiğini ve onun üzerinde ne yapılabileceğini tanımladığı çocukluktan büyür. Russell bunu aşırı stilize sekanslarla dışa vurur. Stil güç dengesizliğini silmez.
Ayna kusursuz rock-opera sembolüne dönüşüyor, çünkü içe kapanmayı seyircinin gerçekten görebileceği nesneye çeviriyor
"See Me, Feel Me" ve tekrar eden ayna imgeleri filmin Tommy'nin izolasyonunu ve sonraki dönüşümünü görselleştirmesine izin verir. Plak müzikal temaları, dinleyici duygusal anlamını öğrenene kadar tekrar edebilir. Sinema nesne ister. Ayna Russell'ın tekrar dönebileceği şeyi verir. Yansıma benlik, bariyer ve sonunda kırılma noktası olur. Görüntü filmin dev görsel gürültüsünden sağ çıkacak kadar basittir. Bu basitlik önemlidir. Birkaç sabit sembol olmadan maksimalizm rastgeleliğe dönüşür.
Pinball çalışıyor, çünkü hikâye modern kültür bunu her hafta yapmadan önce keyfî beceriyi ünlülüğe çeviriyor
Tommy pinball sayesinde ünlü olur. Absürtlük bilinçlidir. Bir kişi belirli faaliyette olağanüstü beceri kazanır ve kitlesel kültür bu beceriyi ünlülüğe dönüştürür. Etkinliğin ne olduğu çevresindeki makineden daha az önemlidir. Seyirci toplanır. Ürünler belirir. Kimlik markaya dönüşür. Film, medya gösteriye çevirebilirse ünlülüğün neredeyse her ölçülebilir ayrıcalık çevresinde büyüyebileceğini anlar. Bu nedenle pinball şimdi 1969'da göründüğünden daha az gülünçtür. Modern eğlence endüstrileri oyunlar, platformlar ve son derece uzman beceriler çevresinde sürekli yıldız üretir. Tommy'nin şöhreti fantaziden çok format gibi görünür.
Dini hareket ruhsal kıyafet giymiş plak-endüstrisi hareketine dönüşüyor
Tommy'nin kırılmasından sonra takipçiler çevresinde toplanır. Hikâye kişisel dönüşümden örgütlü inanca geçer. Merchandise, öğreti ve ünlülük birbirine yaklaşır. Russell'ın uyarlamasının rock kültürü konusunda özellikle keskinleştiği yer burasıdır. Gerçek vahiy sunuyor gibi görünen performansçı, vahyi paketleyen sistemlerle çevrilebilir. Hayranlar aşkınlık arar. Menajerler seyirci görür. Ruhsal topluluk ile ticari franchise arasındaki ayrımı sürdürmek imkânsızlaşır. Bu yalnız hayranlar hakkında sinizm değildir. Film kitlesel müzik deneyiminin gerçek duygusal gücünü kabul eder. Sorusu, güç kârlı hâle geldiğinde kurumların ne yaptığıdır.
Takipçilerin isyanı önemli, çünkü hiçbir pop mesihi seyircinin kurtuluşun nasıl hissettirmesi gerektiğine dair beklentisini kontrol edemez
Tommy'nin hareketi sonunda çöker. Takipçiler onlardan istediği disiplin ve sınırlamaları reddeder. Bu ters dönüş rock-opera yapısının merkezindedir. Yıldız muazzam otoriteye sahipmiş gibi görünür. Otorite seyirci rızasına bağlıdır. Hayranlar deneyimin artık geldikleri şeyi vermediğine karar verdiğinde bağlılık hızla dönebilir. Bu, filmin ruhsal diline rağmen müzik-endüstrisi hicvi gibi çalışmasının başka nedenidir. Fandom pasif değildir. Seyirci yıldızı yaratabilir. Rolü de yok edebilir.
Ken Russell'ın görsel aşırılığı Who'nun üzerine eklenmiş dekor değil, çeviri yöntemi
Orijinal albüm kelimesi kelimesine filme alınamaz; çünkü en önemli eylemlerin çoğu anlatım, müzikal tekrar ve iç deneyim üzerinden gerçekleşir. Russell bu nitelikleri abartıyla görüntüye çevirir. Televizyon ekranları, dini ikonografi, tüketim ürünleri, dev kalabalıklar, grotesk iç mekânlar ve ünlü cameo'ları plağın kavramsal ölçeğinin sinematik karşılıklarına dönüşür. 1969 albümünü seven seyircinin filmi yine de sevmemesinin nedeni budur. Uyarlama ortam değiştirir. Russell plağı korumak yerine cevaplamayı seçer. Film yorum olarak yargılanmalıdır. LP'nin müze sergisi olarak değil.
Quintaphonic ses modern çok kanallı sinema normal olmadan rock operayı fiziksel olarak seyircinin çevresine yerleştirmeye çalıştı
Orijinal sinema gösterimi özel geliştirilmiş Quintaphonic ses sunumu kullandı. AFI John Mosely'yi sistem geliştirmesinde kredilendirir. Sistem müziği standart stereo sunumdan daha sürükleyici biçimde sinemaya dağıtmak için çok kanallı düzen kullandı. Gelişigüzel "ilk 5.1" diye adlandırılmamalıdır. Kanal mimarisi ve teknolojisi modern dijital 5.1'den farklıdır; modern subwoofer/LFE modeli yoktu. Tarihsel önemi daha basittir. Russell, Townshend ve yapım müziğin fiziksel sinema alanını kaplamasını istiyordu. Rock opera görüntü kadar ses etkinliği olarak ele alınıyordu.
Film soundtrack'i görüntülerin altına yapıştırılmış 1969 Who albümü değil, yeni kayıt projesi
Bu ayrım zorunludur. Film genişletilmiş cast'le yeniden düzenlenmiş ve yeniden kaydedilmiş müzik içerir. Daltrey, Ann-Margret, Reed, Turner, Elton John, Clapton, Nicholson ve başkaları orijinal Who albümünde olmayan performans kimlikleri yaratır. Film soundtrack'i bu nedenle kendi eser ve personel metadata'sını hak eder. 1969 Tommy'sini isteyen kişiye otomatik olarak film soundtrack'i verilmemelidir. Filmi izleyen kişi orijinal LP'yi sırayla dinlemiyor. Şarkılar hikâyeyle birlikte uyarlanmıştır. Müzik yönetimi senaryo yazımının parçasına dönüşür.
Russell görsel yazar olurken Pete Townshend başlıca müzikal yazar olarak kalıyor
Cannes Townshend ile Who müziğini belirgin biçimde kredilendirirken AFI, uygun yerlerde John Entwistle ve Keith Moon materyali dâhil ayrıntılı şarkı-yazarlığı atıflarını korur. Filmin güçlü yönetmen kişiliği seyirciyi eseri yalnız "Ken Russell'ın Tommy'si" diye tarif etmeye itebilir. Görsel açıdan adildir, müzikal açıdan eksiktir. Townshend'ın mimarisi temel kalır. Who'nun orijinal eseri karakterleri ve tematik sistemi sağlar. Russell sistemin sinemada nasıl davrandığını değiştirir. Uyarlama zamanlar arası işbirliğine dönüşür.
108 ile 111 dakika tarihi sürüm metadata'sının neden önemli olduğunu yine gösteriyor
BFI 108 dakika listeler. AFI yaklaşık 110-111 dakika verir. AFI Silver ve Eye'ın güncel 4K-restorasyon gösterimleri 111 dakika kullanır. Bu farklar görünür kalmalıdır. Güncel restore sunum, tarihsel BFI eser kaydının üzerine yazmak yerine özel olarak tanımlanabilir. Filmin müzik ve sekansı varyasyonun kavramsal kriz olmaması kadar istikrarlıdır. Yine de gerçek metadata'dır.
2025 4K restorasyonu filme Russell'ın sinemasal aşırı yük için tasarladığı ölçeğe daha yakın boyut geri veriyor
Son repertuvar sunumları yeni 4K restorasyonu tanımlar. Renk, yapım tasarımı ve büyük görsel tablolar üzerine kurulmuş film için bu önemlidir. Ev-video kopyaları filmi camp televizyona küçültebilir. Yüksek kaliteli sinema sunumu fiziksel saldırganlığın bir bölümünü geri verir. Bu, müziğin tasarlanan ölçeğine saygı gösterebilen çok kanallı sesle birleştiğinde özellikle uygundur. Film zarif biçimde küçülecek kadar ince değildir. Odayı ister.
*Tommy*, rock opera olduğu için özür dilemeyi reddettiği için rock-opera sinemasına şablon oldu
Sonraki müzik filmleri kavramsal hırsı sık sık gerçekçilik altında saklar. Russell saklamaz. Karakterler söyler. Semboller tekrar eder. Ünlüler arketiplere dönüşür. Film dev olmak ister. Bu özgüven, sonraki yönetmenler Russell'ın tam stilini reddetse bile rock operaları, sahne uyarlamaları ve müzik-video kültürü çevresindeki görsel dili etkiledi. Ders "fasulyeleri ve dev botları kopyalayın" değildi. Ders, plağın kelimesi kelimesine resimlenmek yerine dönüşüm yoluyla sinemaya çevrilebileceğiydi.
İzleme ve koleksiyon notu
Mevcut olduğunda güncel yaklaşık 111 dakikalık 4K restorasyonu tercih edin. BFI'nin 108 dakikalık kaydını ve AFI'nin 110-111 dakikalık tarihini ayrı koruyun. Film soundtrack'ini 1969 Who albümü değil yeni uyarlama kaydı olarak ele alın; Quintaphonic'i modern 5.1 değil tarihsel çok kanallı sinema sistemi diye tarif edin.