Fünfzehn amerikanische Studios, behandelt wie Instrumente mit Adresse
Musikgeschichte stellt gewöhnlich Künstler, Song oder Album ins Zentrum und lässt den Raum verschwinden. Jim Cogan und William Clark kehren diese Hierarchie in Temples of Sound: Inside the Great Recording Studios um. Das 2003 bei Chronicle Books erschienene illustrierte 224-Seiten-Buch porträtiert fünfzehn bedeutende amerikanische Recording-Einrichtungen durch eine Kombination aus Studiogeschichte, technischen Informationen, Interviews und Fotografie. Sun, Stax, Atlantic, Motown, Chess, Capitol, Columbias 30th Street Studio, Rudy Van Gelders Studios, Sigma Sound, Criteria, United Western, RCA in Nashville und Cosimo Matassas New-Orleans-Betrieb gehören zu den Orten, die Recording-Geschichte in Geografie verwandeln.
Der Titel klingt vielleicht ehrfürchtig, doch das stärkste Argument des Buches ist praktisch. Ein Recording Studio ist nicht leerer Raum, in den Genie vorübergehend eintritt. Architektur, Equipment, Engineers, Sessionmusiker, Labelbeziehungen und angesammelte Arbeitsweisen können ein erkennbares musikalisches Ökosystem formen. Platten entstehen irgendwo, und Cogan und Clark machen dieses „irgendwo“ historisch lesbar.
Sun zeigt, dass ein kleiner Raum eine Industrie neu ordnen kann
Sun Records und der Memphis Recording Service liefern eines der klarsten Beispiele dafür, wie lokale Kultur, Produzent und Raum einander verstärken. Sam Phillips nahm Blues- und R&B-Künstler auf, bevor Elvis Presley zum populärsten Namen wurde, der mit Sun verbunden ist, und die tiefere Memphis-Geschichte umfasst Künstler wie Howlin' Wolf und B.B. King. Als Presley, Scotty Moore und Bill Black ins Bild kamen, überquerte der daraus entstehende Hybrid-Sound Kategorien, die die Plattenindustrie lieber getrennt hielt.
Das berühmte Slapback Echo wurde Teil der Sun-Mythologie, doch der Raum war für mehr wichtig als für einen einzelnen Effekt. Phillips' Bereitschaft, regionale Black Music, Country-Musiker und unkonventionelle Performer aufzunehmen, schuf erst die Bedingungen, unter denen Technologie Bedeutung entwickeln konnte. Das Equipment diente kulturellen Entscheidungen und erzeugte sie nicht automatisch. Dieses Prinzip kehrt in Temples of Sound immer wieder: Ein Studio entwickelt Identität, wenn Menschen einen Raum und seine Werkzeuge wiederholt für bestimmte Arten von Arbeit verwenden.
Stax macht die Rhythmusgruppe zum Teil der Architektur
Stax Records in Memphis demonstriert ein anderes Modell. Der umgebaute Kinoraum, die Hausmusiker und ein ungewöhnlich integriertes Arbeitsumfeld trugen alle zur Identität von Southern Soul bei. Booker T. & the M.G.'s, die Memphis Horns und das größere Studionetzwerk prägten Aufnahmen mit Otis Redding, Sam & Dave und zahlreichen anderen und machten das menschliche Ensemble für den „Stax Sound“ ebenso wichtig wie Akustik oder Elektronik.
Diese Unterscheidung ist entscheidend, weil Studiomythologie klangliche Identität gern einem Raum zuschreibt, als wären Musiker austauschbare Eingänge. Das sind sie nicht. Musiker, die wiederholt zusammenarbeiten, entwickeln Timing, Erwartungen und gemeinsame Instinkte. Engineers lernen, wie ein Raum reagiert; Produzenten wissen, was sich schnell erreichen lässt; Arrangements entwickeln sich um die Menschen, die tatsächlich verfügbar sind. Mit der Zeit wird eine Arbeitskultur hörbar. Temples of Sound ist am stärksten, wenn Architektur und menschliche Wiederholung Teil derselben Erklärung bleiben.
Motown verwandelt die Fabrikmetapher in ein funktionierendes Produktionssystem
Hitsville U.S.A. in Detroit liefert einen weiteren aufschlussreichen Kontrast. Die physische Einrichtung war relativ bescheiden, doch die Produktionskultur aus Songwritern, Produzenten, Funk Brothers und Quality-Control-Prozessen erzeugte einen enormen Bestand kommerziell erfolgreicher Arbeit. Die Lektion ist beinahe das Gegenteil der Fantasie, kanonische Platten benötigten luxuriöse Räume. Motowns Stärke lag im System.
Dieselben Musiker konnten subtile Kontinuität über unterschiedliche Sänger und Songs hinweg erzeugen, während Produzenten und Autoren innerhalb einer disziplinierten Struktur arbeiteten, die Platten hervorbringen sollte, die auf dem nationalen Markt konkurrieren konnten. Für RetroForge ist dieses Modell besonders nützlich, weil es Studiogeschichte mit Arbeit und Organisation verknüpft. Die Identität eines Labels kann teilweise deshalb hörbar werden, weil eine wiederkehrende Gruppe von Menschen lernt, unter einem Dach musikalische Probleme gemeinsam zu lösen.
Rudy Van Gelder zeigt, wie ein Engineer selbst zur Geografie werden kann
Jazzrecording liefert mit Rudy Van Gelder ein weiteres Modell. Seine Arbeit, zunächst in einem häuslichen Umfeld und später im eigens gebauten Englewood-Cliffs-Studio, wurde tief mit dem Klang von Blue Note verbunden und reichte zugleich weit über ein einzelnes Label hinaus. Van Gelders Name konnte beinahe wie eine Studiomarke funktionieren, weil seine Recording-Philosophie, Räume und Methoden für Musiker und Hörer erkennbar wurden.
Diese Geschichte unterscheidet sich deutlich von späterem Multitrack-Rockrecording, bei dem Tracks über Wochen zusammengesetzt werden konnten. Jazzsessions waren häufig darauf angewiesen, außergewöhnliche Musiker effizient einzufangen und Ensembleinteraktion zu bewahren, wodurch Raumakustik und Engineering-Entscheidungen eine andere Beziehung zur Performance erhielten. Die Vielfalt der Porträts von Cogan und Clark verhindert, dass das Buch aus fünfzehn Varianten derselben Studiogeschichte besteht. Unterschiedliche Genres erzeugen unterschiedliche Anforderungen, und die Bedeutung eines „großen Studios“ verändert sich mit ihnen.
Columbia 30th Street zeigt, weshalb verschwundene Räume geschriebene Geschichte brauchen
Columbias 30th Street Studio in New York, eine umgebaute Kirche, die für ihren akustischen Raum gefeiert wurde, gehört zu den bewegendsten Beispielen des Buches, weil der Raum nicht mehr existiert. Miles Davis' Kind of Blue gehört zu den vielen bedeutenden Aufnahmen, die mit der Einrichtung verbunden sind, doch das Studio wurde schließlich abgerissen. Sobald ein Raum verschwindet, kann kein Plugin und kein Restaurierungsprojekt sein physisches Verhalten, die historische Arbeit oder das soziale Umfeld buchstäblich zurückbringen.
Digitale Hallprozessoren können Aspekte der Akustik modellieren. Sie können nicht die Tatsache rekonstruieren, dass Musiker, Engineers und Produzenten einen bestimmten Raum durch wiederholte Nutzung erlernten. Genau deshalb gewinnen illustrierte Studiogeschichten mit jedem geschlossenen oder umgebauten Studio an Wert. Sie bewahren Umgebungen, von denen niemand ursprünglich annahm, dass sie Denkmalschutz benötigen würden, weil sie damals einfach normale Arbeitsinfrastruktur waren.
Capitol steht für zweckgebautes Prestige
Capitols Einrichtungen in Hollywood bieten das Gegenmodell eines Major-Label-Studios, das mit technischem Prestige und berühmten Echokammern gebaut wurde. Frank Sinatra und zahlreiche spätere Künstler arbeiteten dort, und der Komplex zeigt die zunehmende Professionalisierung des Recordings in der Mitte des 20. Jahrhunderts durch eigens für Musikproduktion entworfene Architektur.
Der Kontrast zu Sun ist nützlich, weil beide Orte kanonische Aufnahmen hervorbrachten und zugleich in radikal unterschiedlichen Maßstäben operierten. Es gibt kein universelles Idealstudio. Ein kleiner regionaler Raum und eine technisch ambitionierte Unternehmensanlage können beide historisch bedeutend werden, wenn Architektur, Personal, Equipment und lokale Kultur produktive Systeme bilden. Cogan und Clarks Entscheidung, solche Räume innerhalb eines Buches zu versammeln, hilft Lesern, Prestige nicht automatisch mit Größe gleichzusetzen.
Fünfzehn Porträts machen das Buch zu einem Atlas statt zu einer einzigen großen nationalen Theorie
Temples of Sound ist bewusst episodisch aufgebaut. Jede Einrichtung erhält ein eigenes Porträt, sodass Leser direkt nach Memphis, Detroit, New York, Los Angeles, Nashville oder in eine andere musikalische Geografie springen können. Das Format macht das Buch ausgesprochen gut durchsuchbar und besonders kompatibel mit künftigen RetroForge-Studioseiten, bedeutet aber zugleich, dass es eher wie ein Atlas als wie eine durchgehende nationale These funktioniert.
Zeitgenössische Rezensionen lobten die Verbindung aus Wirtschaftsgeschichte, Technik, Musik und sozialem Kontext und wünschten sich naturgemäß noch mehr Räume. Diese Kritik steckt fast schon im Konzept. Wählt man fünfzehn Studios aus, wird irgendjemandes Lieblingsstudio automatisch Nummer sechzehn. Die sinnvollere Frage lautet, ob die gewählten Einrichtungen genügend unterschiedliche Modelle zeigen, um die Begrenzung zu rechtfertigen. Das tun sie, von regionalen Independents und Jazz-Spezialisten bis zu Major-Label-Komplexen und Räumen, deren Identität stark von Hausmusikern abhing.
Das Erscheinungsjahr 2003 gibt dem Buch unbeabsichtigt eine elegische Schicht
Temples of Sound erschien genau in jener Phase, als Digital Recording und erschwingliche Home-Systeme die Ökonomie professioneller Studioarbeit radikal veränderten. Große kommerzielle Räume schlossen oder gerieten unter neuen Druck, während Equipment und Processing, die zuvor nur in teuren Einrichtungen verfügbar gewesen waren, zunehmend durch Software ersetzt oder modelliert werden konnten. Mehr als zwei Jahrzehnte später ist diese Transformation noch sehr viel weiter fortgeschritten.
Das Buch liest sich deshalb heute teilweise als Bewahrung, selbst dort, wo der ursprüngliche Text lediglich zeitgenössische Geschichte dokumentierte. Klassische Studios waren einst keine Monumente; sie waren Orte, die Künstler buchten, weil dort die benötigten Räume, Menschen und Maschinen vorhanden waren. Der Laptop machte diese Geschichte nicht irrelevant. Er machte die frühere Beziehung zwischen Geografie und Recording-Technologie leichter erkennbar.
Was das Buch besonders gut macht
Ort ist die prägende Stärke. Cogan und Clark machen Recording Studios für Nicht-Engineers verständlich, ohne sie auf Listen von Prominenten zu reduzieren, die einmal durch die Tür kamen. Fotografie vermittelt physisches Verständnis, während Jazz, Soul, Rock, Pop und Country verhindern, dass die Geschichte wieder zu einem Beatles-zentrierten Bericht über Studioinnovation wird. Quincy Jones' Vorwort passt besonders gut zu einem Buch, das sich für die Schnittstelle von Musikalität, Produktion und technischer Umgebung interessiert.
Für RetroForge ist die Struktur aus fünfzehn Porträts fast direkt fürs Cross-Linking gebaut. Ein Leser kann von einem Studio zu einem Künstler springen, von dort zu einem Label, weiter zu einem regionalen Klang und anschließend zu Engineers, Akustik und Recording-Technologie. Dadurch wird Temples of Sound zu einem grundlegenden Buch für die Behandlung von Räumen als Teil von Musikgeschichte und nicht als neutrale Behälter um sie herum.
Einschränkungen
Das Buch konzentriert sich auf die Vereinigten Staaten. Leser, die Abbey Road, Olympic, Trident oder das breitere britische Studiosystem suchen, sollten direkt zu Howard Masseys The Great British Recording Studios wechseln. Mit 224 Seiten kann keine einzelne Einrichtung die Tiefe eines eigenen Monografienbands erhalten, und das Erscheinungsjahr 2003 bedeutet, dass weitere zwei Jahrzehnte aus Schließungen, Restaurierungen und digitalem Wandel außerhalb des Textes liegen.
Das visuelle Format erzeugt außerdem eine wichtige Rechte-Grenze. Innenfotografien der Studios bleiben urheberrechtlich geschützt. RetroForge kann sie besprechen und ein autorisiertes Produktcover verwenden, darf das Buch aber nicht als bequeme Bibliothek wiederverwendbarer Innenbilder behandeln, nur weil diese Fotografien perfekt neben einen Studioartikel passen würden.
Wer sollte es lesen?
Wer gerade zu verstehen beginnt, dass aufgezeichnete Musik Geografie besitzt, sollte dieses Buch zugänglich und lohnend finden. Allgemeine Musikleser erhalten eine Karte berühmter amerikanischer Räume; Studio-Enthusiasten genug technischen Kontext, um die Unterschiede zwischen den Einrichtungen zu verstehen; RetroForge-Leser sehen, wie Künstler, Label, Engineer und Ort in ein historisches System passen.
Zusammen mit Masseys britischem Buch entsteht im Reading Room plötzlich ein überzeugendes transatlantisches Studio-Regal, in dem die physische Infrastruktur hinter amerikanischen und britischen Platten ebenso auffindbar wird wie die Performer selbst.
Ausgabenhinweis
Chronicle Books veröffentlichte das illustrierte 224-seitige Softcover 2003, ISBN 9780811833943.
Ein Teil der Fachpresse berichtete bereits Ende 2002/Anfang 2003 darüber, doch das bibliografische Standard-Erscheinungsjahr ist 2003.
Exemplar finden
Heute häufig ein Gebrauchtbuchkauf. AbeBooks kann bei diesem illustrierten Titel eine bessere Auswahl nach physischem Zustand bieten.