13th Floor Elevators
Eine der ersten Bands, die ihre Musik Psychedelic Rock nannten – mit einem elektrischen Jug im Zentrum des Klangs.
- Herkunft
- Austin, Texas, USA
- Aktiv
- 1965 – 1969
Der RetroForge-Bandatlas
Progressive Größe, psychedelische Farbigkeit und westdeutscher Experimentiergeist blieben selten voneinander getrennt. Diese Ranglisten folgen den Bands, Platten und Ideen, die immer wieder Grenzen überschritten.
Die Ranglisten sind Einstiege, keine Endpunkte. Hinter jedem Namen warten ein eigenes Bandporträt, zentrale Alben und weiterführende Hörwege.
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Top 50
Von King Crimson und Yes über PFM, Magma und Marillion bis zum modernen Underground: fünfzig Bands, die immer wieder neu bestimmten, was eine Rockkomposition enthalten kann.
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Top 50
Ballrooms in San Francisco, Londoner Studios, brasilianische Farbigkeit, japanischer Noise und kosmische Nachbeben: eine Landkarte der Psychedelia ohne festes Zentrum.
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Top 10
Can, Neu!, Kraftwerk, Faust und sechs weitere Wege durch die Studios, Kommunen und den Vorwärtsdrang des westdeutschen Experimental Rock.
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107 Bands
Eine der ersten Bands, die ihre Musik Psychedelic Rock nannten – mit einem elektrischen Jug im Zentrum des Klangs.
Von der Münchner Kommune Amon Düül zu einer prägenden Stimme des deutschen Psychedelic Rock.
Mellotron -Melancholie mit dem Gewicht industrieller Maschinen.
Französisches Progressive-Theater, gesprochen in Schatten und Mellotron.
Die Prog-Erneuerung der 1990er Jahre zieht durch einen dunklen skandinavischen Wald.
Eine griechische Psychedelic-Gruppe, deren letztes Album zur Apokalypse wurde.
Revolutionärer Jazzrock mit einer der furchtlosesten Stimmen Europas.
Verstärkte Kammermusik für Ruinen, Maschinen und Stummfilme.
Endlose Gitarren aus dem Berliner Underground.
Hammondorgel, Hard-Rock-Wucht und eine permanente Sturmwarnung.
Oper, Philosophie und Keyboards ohne jede Begrenzung.
Melancholischer Symphonic Rock für weite Horizonte und geduldige Hörer.
Ballsaal-Rock aus San Francisco, geformt aus elektrischem Blues, kollektivem Risiko und Janis Joplins einzigartiger Stimme.
Britische Psychedelia, die zwischen zwei Alben ihre Zähne zeigt.
Blues und Psychedelia aus San Francisco, verstärkt, bis die Verzerrung zur Architektur wurde.
Clubdisziplin aus der Bronx, elektrische Orgel und Fuzz in der ersten kommerziellen Welle der Psychedelia.
Gitarre, Flöte und Keyboards, geformt zu geduldigem, melodischem Progressive Rock.
Kollektive Improvisation, rhythmische Disziplin und Bandschnitt, geformt zu einer neuen Rocksprache.
Melodischer Canterbury Rock, geprägt von Orgel, mehreren Stimmen, Jazzharmonik und langen Ensembleformen.
Von verstärkten Gegenständen und instabiler Elektronik zu Drumcomputer-Miniaturen und ruhigen zyklischen Formen.
Berkeley-Psychedelia, geprägt von Protestsongs, elektrischer Improvisation, Orgel und dem Zusammenspiel zweier Gitarren.
Blueskraft wird zu psychedelischer Lautstärke und offenem musikalischem Dialog.
Elektrische Violine, Keyboards und eine unverwechselbare Leadstimme in einem Katalog ständiger Neuerfindung.
Deutscher Progressive Rock, immer wieder neu aufgebaut um Frank Bornemanns Gitarre, Stimme und großformatige Konzepte.
Keyboards, Bass, Stimme und Schlagzeug wachsen zu Suiten, Adaptionen und Bühnentheater im Arenaformat.
Bandaufnahme, Wiederholung, Geräusch und Liedfragment werden im Wohnstudio zu gleichwertigem Material.
Selbstgebaute Elektronik trifft in Echtzeit auf Songs, Improvisation und Bay-Area-Rock.
Ein Quartett aus Tokio verwandelt Coverversionen in eine fünfteilige Form und trägt diesen Klang anschließend nach Toronto.
Vier wechselnde Rhythmusgruppen, zwei unverwechselbare Führungsstimmen und ein Katalog, der von kompakten Themen bis zu ganzen Albumseiten reicht.
Aus einer Schülerband wird ein fünfköpfiges Klangtheater, das sich später als Quartett und Trio neu erfindet.
Sechs Multiinstrumentalisten formen aus Kontrapunkt, Hard Rock und kammermusikalischen Farben Stücke, die fortwährend ihre Gestalt wechseln.
Eine planetare Mythologie, angetrieben von Glissando-Gitarre und freudigem Chaos.
Deutscher Progressive Rock als Theater, Satire und sehr lange Reise zur Sonne.
Krummhörner, Fagotte und höfische Musik auf dem Weg in den Progressive Rock.
Die Supergroup, deren Bedeutung erst später erkannt wurde.
Die Canterbury-Szene in ihrer raffiniertesten und absurdesten Form.
Der Motor der Free-Festival-Szene, dauerhaft auf die Sterne gerichtet.
Progressive Rock, befreit von Behaglichkeit, Hierarchie und vorhersehbarer Auflösung.
Dunkler britischer Neo-Prog mit Geduld, Gewicht und Kontinuität.
Das Orgelriff, das Acid Rock monumental wirken ließ.
Der San-Francisco-Sound in seiner elektrisierendsten Form.
Flötengeprägter Rock, der sich vom britischen Blues zu Langform-Kompositionen, akustischem Folk und elektronischen Experimenten entwickelte.
Ein kleines britisches Album mit einer kaum glaublichen Zahl an Klangfarben.
Oud, Saz, Fiddle, Banjo und E-Gitarre in einem rastlosen Ensemble aus Los Angeles.
Kindheitserinnerungen, Londoner Regen und Melodien wie durch Buntglas betrachtet.
Violine, zwei Gitarren und suchende Songs aus dem amerikanischen Heartland.
Verschiedene Ensembles, verschiedene Systeme und eine beständige Bereitschaft zum musikalischen Risiko.
Elektronischer Rhythmus, reduzierte Sprache und bewegte Bilder als ein gemeinsames System.
Ein Power-Trio, das Keyboards zugleich orchestral und intim klingen ließ.
Eine Basslinie, eine Geistermelodie und eine Gitarre, die zu weißem Licht wird.
Garagenrock-Feuer aus Los Angeles, Folk-Detail und orchestrale Unruhe in einer wandelbaren Band.
Ein Pariser Ensemble, aufgebaut auf Rhythmus, gebündelten Stimmen und der kobaïanischen Sprache.
Die Band, die progressives Erzählen in ein neues Jahrzehnt führte.
Fünf Songwriter und Sänger, drei Gitarren und kein festgelegter Frontmann.
Ein Album von 1973, ein mächtiger Mellotron -Klang und ein Ruf, der nicht verschwinden wollte.
Die späte, komplexe Blüte der Canterbury-Szene.
Britische Musiker, deutsche Bühnen und Alben, die als Lichtshows gedacht waren.
Zwei gegensätzliche Musiker, drei Brain-Alben und ein erstaunlich beständiger Puls.
Brasilianisches Lied, elektrische Erfindungskraft und das respektlose Theater der Tropicália.
Neapolitanisches Theater, Flöte, schwere Gitarre und mediterrane Glut.
Folksongs aus Florida, erweitert durch Tonband, kammermusikalische Farben und Tom Rapps schonungslose Texte.
Von Londoner Psychedelia zu im Studio konstruierten Konzeptalben und monumentalem Liveklang.
Von Moog-Elektronik zu akustischer Versenkung und Kino.
Moderner Progressive Rock aus Studiotiefe, Zurückhaltung und kontrollierter Wucht.
Italienischer Symphonic Prog in ständiger Bewegung.
Soulvolle Songs, kathedralenhafte Orgel und orchestraler Anspruch ohne vordergründigen Bombast.
Zwei Gitarren in Bewegung: scharfes Tremolo, offener Raum und kollektive Improvisation.
Akustisches Songhandwerk, orchestrale Größe und eine Stimme für lange Melodiebögen.
Ein Powertrio, das Maßstab, Technik und Grammatik seiner Songs immer wieder veränderte.
Psychedelische Gitarre, getragen von Congas, Clave und kollektivem Rhythmus.
Oszillatoren, Puls und Schlagzeug, bevor elektronischer Rock einen Wegweiser hatte.
East-London-Soul explodiert in einem psychedelischen Miniaturuniversum.
Von psychedelischen Songfolgen zu elektrischem Jazz — mit Besetzungswechseln, die so schnell kamen wie die musikalischen Veränderungen.
Kaleidoskopisch, filmisch und bis heute viel zu wenig gehört.
Die Band, die dem amerikanischen Symphonic Prog in den 1990ern neuen Antrieb gab.
Helle Harmonien, Fuzzgitarre und der seltsame Nachgeschmack von Weihrauch.
Englische Folkerinnerung, mit Mellotron und Elektrizität neu gebaut.
Popglanz auf einem progressiven Gerüst.
Architekten der Synthesizer-Landschaft.
Die größte Popband der Welt stellt das Studio auf den Kopf.
Zwölfsaitige Gitarre, enger Harmoniegesang und ein Katalog, der immer wieder die Richtung wechselte.
Eine Garage-Band aus der South Bay, deren Platten nie nur die Geschichte einer einzigen Besetzung erzählen.
Verdichtete Freakbeat -Singles, Bogengitarre und Pop Art in Clublautstärke.
Poesie, Orgelbass, Jazzdynamik und Blues — geformt zu einem unverkennbaren Klang aus Los Angeles.
Fuzz, Tremolo und Studioexperimente – gefolgt von einem der schärfsten Identitätsbrüche der Psychedelia.
Nicht nur eine Band – eine Lebensform.
Folkmusik aus einer Welt, die nie existiert hat.
Eine elektrische Gitarre wird zu Wetter, Farbe und Architektur.
Das Album wurde zum durchgehenden Traum, bevor Progressive Rock einen Namen hatte.
Brillante britische Singles mit einem verborgenen Abrisskommando.
Keith Emersons erster Versuch, die Orgel größer als die Bühne zu machen.
Von wilden R&B-Singles zu einer der prägenden Albumerzählungen der britischen Psychedelia.
Texanische Psychedelia, die sich weigert, wie Rockmusik zu funktionieren.
Zwei Akkorde, Farfisa-Orgel und unbedingte Überzeugung.
Eine nahezu perfekte verbannte Single und der Moment, in dem britischer Freakbeat psychedelisch wird.
Eine gitarrenlose Rockgruppe, in der notierte Komposition auf elektronische Live-Klangbearbeitung traf.
Sonnige Harmonien, hinter denen irgendwo eine verschlossene Tür liegt.
Stille englische Psychedelia, gebaut aus Atem, Harmonie und angehaltener Zeit.
Ein kurzes Jahr konzentrierter Londoner Psychedelia.
Englischer Rock zwischen Psychedelia, Folk und Jazz.
Deutscher Progressive Rock mit präziser Keyboardarchitektur, Tempo und melodischer Disziplin.
Eine Supergroup der späten Siebziger zwischen Präzision, Improvisation und Melodie.
Bostoner Psychedelia zwischen echter Erfindungskraft und künstlich erzeugtem Hype.
Rockinstrumentierung betritt einen dunklen europäischen Kammermusikraum.
Orgel, Saxofon und eine Stimme am äußersten Rand.
Popsongs, so weit verlangsamt, bis die Wände sich zu biegen beginnen.
Virtuosität im Dienst von etwas wahrhaft Transzendentem.
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Ein Kompass für Hörer
Beginnen Sie mit einem musikalischen Instinkt statt mit einem Etikett. Grenzen werden erst dann nützlich, wenn sich die Musik über sie hinwegbewegt.
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