Rockgeschichte
In Bewegung.

Der Flugzeugabsturz von 1959 wurde zum Symbol eines Bruchs, doch die hinterlassene Musik prägte weiterhin Bands, Autoren und die Vorstellung künstlerischer Unabhängigkeit.

Don McLean erinnert später mit der Formulierung „the day the music died“ an den Absturz. Holly, Valens und Richardson hinterlassen sehr unterschiedliche Werke; ihre Aufnahmen beeinflussen weiterhin spätere Songwriter und Bands.

Sein modales Gerüst und die reduzierte harmonische Bewegung geben den Solisten mehr Raum als herkömmliche Bebop-Akkordsequenzen.

„What'd I Say“ verbindet vom Gospel geprägten Wechselgesang mit weltlichem Rhythm and Blues. Einige Sender beanstanden die anzügliche Darbietung, während die Platte für Charles zu einem großen Pop- und R&B-Hit wird.

Lange Nächte in Hamburg zwangen eine noch rohe Liverpooler Gruppe, Ausdauer, Repertoire und jenes Bühnenvertrauen aufzubauen, das hinter der britischen Beat-Explosion stand.

John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Stuart Sutcliffe und Schlagzeuger Pete Best beginnen die erste Hamburger Residenz der Beatles. Ihre Verträge variieren je nach Club und Besuch, aber die langen Abende mit mehreren Sets zwingen sie dazu, ein riesiges Repertoire aufzubauen und ihre Bühnenkunst zu verfeinern.

Berry Gordy hatte Tamla 1959 gegründet. Am 14. April 1960 gründete er die Motown Record Corporation und brachte Tamla und verwandte Labels unter das Dach von Motown. Motown entwickelt eine außergewöhnlich effektive Crossover-Strategie, die schwarzen Künstlern dabei hilft, ein enormes, gemischtrassiges Poppublikum zu erreichen und gleichzeitig auf früheren Durchbrüchen im Rhythm-and-Blues- und Rock-and-Roll-Bereich aufzubauen.

Cathy's Clown bringt den harmonischen Gesang der Everlys in ein unverwechselbares Gitarren-Pop-Arrangement. Ihr stimmlicher Ansatz wird zu einer wichtigen Referenz für die frühen Beatles, Simon & Garfunkel und viele spätere Rockduos.

Kaffeehäuser, Plattenläden und politische Lieder machten Greenwich Village zur Werkstatt für den schreibenden Interpreten, der bald die Rocktexte verändern sollte.

Ein Neunzehnjähriger aus Minnesota kommt im Januar in New York an und betritt die Folk-Szene von Greenwich Village. Innerhalb weniger Jahre wird er zu einem der Autoren werden, die die Erwartungen des Mainstream-Publikums an populäre Liedtexte dramatisch erweitern und dabei auf Folk, Blues, Poesie und aktuelle Liedtraditionen zurückgreifen.

Brian Wilson, seine Brüder Carl und Dennis, ihr Cousin Mike Love und ihr Freund Al Jardine beginnen, einen kalifornischen Sound rund um Stimmharmonie, Surfbilder, Autos und Teenagerleben zu entwickeln. Brian Wilsons Ambitionen als Autor und Studio gehen später weit über dieses frühe Image hinaus.

„Please Mr. Postman“ wird Motowns erste Nummer eins in den US-Pop-Charts. Das prägnante Arrangement und der Call-and-Response-Gesang prägen den frühen Crossover-Sound des Labels. Britische Gruppen nehmen später zahlreiche Motown-Songs auf.

Bevor das Reading Festival zu einer Rock-Institution wurde, verbrachte Harold Pendletons wanderndes National Jazz and Blues Festival ein Jahrzehnt damit, Rhythmus und Blues, Beat, Psychedelia und Hard Rock zu absorbieren, während er wiederholt nach einer Website suchte, die in der Lage war, sein wechselndes Publikum aufzunehmen.

Zwei sehr unterschiedliche Gruppen formten amerikanisches Ausgangsmaterial zu konkurrierenden Modellen für die britische Rockband.

Nachdem Decca die Gruppe ablehnt, sichert sich Manager Brian Epstein einen EMI-Vertrag. George Martin spricht am 6. Juni mit den Beatles in Abbey Road vor und beginnt damit die Partnerschaft, die ihre Aufnahmen prägen wird.

Beide Gruppen sind stark vom schwarzen amerikanischen Rhythm and Blues und Rock and Roll inspiriert. Bei den frühen Stones standen Chicago Blues und R&B im Vordergrund, während gleichzeitig ein wesentlicher Teil ihres Repertoires um Chuck Berry herum aufgebaut wurde.

Als das Label die Aufnahme nicht finanzieren will, übernimmt Brown die Kosten selbst. Das rohe, ekstatische Album hält die Reaktion des Apollo-Publikums unmittelbar fest und wird zu einem entscheidenden Dokument seiner Bühnenshow.

Aus einem Live-Club-Repertoire wurden ein chartbeherrschendes Album, ein Fernsehphänomen und eine neue Beziehung zwischen Jugend und Massenmedien.

Der Großteil von „Please Please Me“ entsteht an einem einzigen Marathontag. Am 11. Februar 1963 nehmen die Beatles zehn der vierzehn Titel auf; vier bereits aufgenommene Single-Seiten vervollständigen das Album.

„Blowin' in the Wind“ und „A Hard Rain's a-Gonna Fall“ zeigen, wie politische Beobachtung, Folk-Tradition und literarische Bildsprache in populären Liedern zusammenkommen können. Joan Baez singt Dylans Lieder bei Bürgerrechtsveranstaltungen und trägt zu ihrer weiteren Verbreitung bei.

Der Palladium-Auftritt, der von rund fünfzehn Millionen Menschen verfolgt wurde, trägt dazu bei, die Aufregung ins nationale Bewusstsein zu rücken. Der Begriff „Beatlemania“ wird im Herbst in der britischen Presse weit verbreitet verwendet.

Britische Bands brachten amerikanische Musik in veränderter Form zurück und verschoben, wer Bands gründete, Songs schrieb und die Jugendkultur bestimmte.

Am 9. Februar 1964 sehen rund 73 Millionen Menschen den Auftritt der Beatles in der Ed Sullivan Show. Die Sendung beschleunigt ihren amerikanischen Durchbruch und macht die britische Beatmusik für ein riesiges Fernsehpublikum sichtbar.

Dave Davies' aufgeschlitzte Lautsprechermembran und Ray Davies' kompaktes Riff machen „You Really Got Me“ zu einem frühen Meilenstein des schweren Gitarrenrocks. Der Powerchord-Angriff wird – neben anderen Vorläufern aus Garage Rock und verzerrtem Blues – zu einem wichtigen Bezugspunkt für Hard Rock, Metal und Punk.

Eric Burdons kraftvoller Gesang und die Orgel von Alan Price leiten ein Moll-Arrangement eines traditionellen Liedes, dessen frühere Versionen in der amerikanischen Volksmusik weit verbreitet waren. Die Aufnahme wird ein internationaler Hit und ein Meilenstein der britischen Invasion.

Bei Esalen und später Monterey widersetzte sich Big Sur bewusst der Logik des Massenspektakels und brachte Joan Baez, Joni Mitchell, Crosby Stills Nash & Young und andere Künstler in eine Festivalkultur, die auf Intimität, Landschaft und Künstlergemeinschaft basiert.

Auf einem Hunsrück-Hügel schufen Songwriter, Volksmusiker, Kabarettisten und politische Denker eine Festivalkultur, die dazu beitrug, den kritischen deutschsprachigen Song wieder aufzubauen, bevor der Rock die Jugend im Untergrund eroberte.

Elektrische Instrumente löschten das Folk-Songwriting nicht aus; sie gaben seiner Sprache eine Rhythmusgruppe, ein neues Publikum und einen dauerhaften Streit.

Dylan spielt mit einer Band drei elektrische Songs und sorgt für eine Mischung aus Jubel, Buhrufen und Verwirrung, bevor er mit zwei akustischen Nummern zurückkehrt. Pete Seeger sagte später, sein Einwand betreffe den verzerrten Klang, nicht die Elektrizität selbst; Die berühmte Axtgeschichte entstand eher aus einer Bemerkung als aus einem Versuch, die Kabel zu durchtrennen. Das Set wird zu einem bleibenden Symbol für die Kollision von Folk und Rock.

Roger McGuinns zwölfsaitige Rickenbacker, die Harmonien der Gruppe und Dylans Lied schaffen einen der entscheidenden kommerziellen Durchbrüche des Folk-Rock. Der Stil war auf beiden Seiten des Atlantiks bereits im Entstehen begriffen, aber diese Aufnahme verleiht ihm ein sofort erkennbares Vokabular mit elektrischem Jangle.

Rubber Soul präsentiert ein einheitlicheres, introspektiveres Beatles-Album mit Sitar auf „Norwegian Wood“, Fuzz-Bass auf „Think for Yourself“ und zunehmend mehrdeutigen Texten. Brian Wilson sagte später, der Zusammenhalt habe ihn herausgefordert und in ihm den Wunsch geweckt, „Pet Sounds“ zu kreieren; Die berühmte Geschichte einer sofortigen Heimfahrt ist nicht erforderlich, um den Zusammenhang herzustellen.

„Bringing It All Back Home“ und „Highway 61 Revisited“ platzieren surreale, literarische Texte in zunehmend elektrisierenden Arrangements. Trotz seiner ungewöhnlichen Länge von sechs Minuten wird Like a Rolling Stone viel im Radio gespielt und wird ein großer Hit.

Das kurze, intensive Set bündelt die Auseinandersetzungen über Tradition, Zugehörigkeit und künstlerischen Wandel, die das Folk-Revival bereits umformen.

Lange vor Rock Werchter und Pukkelpop erfuhr ein von Freiwilligen gebautes Festival in Bilzen in der Öffentlichkeit, wie Jazz, Beat, Psychedelia, Progressive Rock, Heavy Music und schließlich Punk die gleiche sich entwickelnde Institution besetzen konnten.

„Tomorrow Never Knows“ beruht auf Bordun, Bandschleifen, rückwärts abgespielter Gitarre und stark komprimiertem Schlagzeug. „Eleanor Rigby“ ersetzt die übliche Bandbesetzung durch ein doppeltes Streichquartett. In den vierzehn sehr unterschiedlichen Liedern wird die Aufnahmetechnik selbst zum Bestandteil der Komposition.

Ein Blick in die Vierspur-Experimente, komprimierten Drums, Bandschleifen und gegensätzlichen Songs, durch die das Studio selbst Teil der Komposition wurde.

Während die übrigen Beach Boys auf Tour sind, nimmt Brian Wilson die Instrumentalspuren mit führenden Sessionmusikern aus Los Angeles auf; anschließend kehrt die Gruppe für die komplexen Gesangsarrangements zurück. Monatelanges Komponieren, Aufnehmen und Bearbeiten führen zu einer Platte, die weit über das frühere Surf-und-Auto-Image hinausgeht. Wilson versteht „Pet Sounds“ als Antwort auf die amerikanische Fassung von „Rubber Soul“; die britische Rezeption ermutigt wiederum die Beatles und George Martin auf dem Weg zu den Studioambitionen von „Sgt. Pepper“.

Die 13th Floor Elevators gehörten zu den ersten Bands, die ihre Musik explizit als Psychedelic Rock bezeichneten. Ihr Debüt aus dem Jahr 1966 nimmt „psychedelisch“ in den Albumtitel auf und nutzt Tommy Halls elektrische Kanne, Garage-Rock-Kraft und drogenzentrierte Philosophie, um einen frühen Meilenstein des texanischen Psychedelia- und Acid-Rock zu schaffen.

Eric Clapton, Jack Bruce und Ginger Baker bilden ein Power-Trio rund um Blues-Material, instrumentale Virtuosität und ausgedehnte Konzertimprovisationen. Ihr Umfang und ihr Zusammenspiel werden zu einflussreichen Bezugspunkten für den späteren Hard Rock, Progressive Rock und Jazz-Rock.

Von einem 600-Personen-Hauptkonzert auf Kirjurinluoto bis zu einem zunehmend internationalen Rhythmus-Musik-Treffen wuchs Pori Jazz mit ungewöhnlicher Kontinuität und dokumentierte Jahr für Jahr seine eigene Geschichte.

Dreizehn Titel, umrahmt von einem imaginären Konzert, mit Orchesterarrangements, Tonbandmanipulation, indischer Instrumentierung und aufwändiger Verpackung, erstellt von einem Team unter der Leitung von Peter Blake und Jann Haworth. Musik, Sequenz und Cover werden als ein Gesamtereignis präsentiert.

Wie eine Alter-Ego-Band, einfallsreiche Vierspurtechnik und eine ungewöhnlich aufwendige Verpackung eine Plattenveröffentlichung zum gemeinsamen kulturellen Ereignis machten.

Das britische Originalalbum beginnt mit „Foxy Lady“ und enthält „Manic Depression“; die spätere amerikanische Ausgabe fügt die Hitsingle „Purple Haze“ hinzu. In beiden Konfigurationen behandelt Hendrix die Gitarre als Orchesterinstrument, Geräuschquelle und Gesprächsstimme.

Die Doors haben keinen festen Bassgitarristen in ihrer vierköpfigen Besetzung. Ray Manzarek deckt bei Auftritten und frühen Aufnahmen die Basslinien auf dem Keyboard ab, während Studiomusiker, darunter Larry Knechtel, beim Debüt Bassgitarren hinzufügten, wo es nötig war. Die ungewöhnliche Anordnung trägt dazu bei, der Gruppe ihre offene, von Orgeln geprägte Identität zu verleihen.

Syd Barretts Lieder verbinden Kinderreim-Bilder, prägnanten Pop und freie Improvisation. Pink Floyd nehmen das Album in den EMI Studios an der Abbey Road auf, während die Beatles dort zeitweise zugleich an „Sgt. Pepper“ arbeiten.

Lou Reed, John Cale und ihre Bandkollegen kombinieren Songs über Drogen und sexuelle Subkultur mit Drone, Noise und prägnantem Pop. Andy Warhol gilt als Produzent und liefert das Bananen-Artwork; Die anfängliche kommerzielle Reichweite des Albums ist begrenzt, aber sein Einfluss nimmt in späteren Jahren erheblich zu.

Kalifornischer Pop, Psychedelia aus San Francisco, britischer Rock, Soul und indische Klassik trafen auf einer bewusst internationalen Bühne aufeinander.

Eine Woche vor Monterey treffen Pop, Gegenkultur, Landschaft und partizipatives Design in einem Amphitheater am Berg zusammen.

Ein Jazzfestival am Seeufer öffnete sich für Blues, Fusion und Progressive Rock und bot gleichzeitig Tausende von Live-Auftritten.

Bei Wollman Rink in Central Park wurde eine niedrige Sommerkonzert-Serie ruhig zu einer der demokratischsten Fenster von New York auf Rock, Jazz, Soul und folk während eines Jahrzehnts von musikalischen Aufstieg.

Bei Alexandra Palace, Pink Floyd, Soft Machine, Dichter, Lichtkünstler, Filme und Tausende von Nacht-Rewellern wurde ein Vorteil für International Times zu einem der definierenden Gesamt-Umwelt-Events der britischen Psychedelia.

In den letzten Tagen des Jahres 1967, Londons unterirdische komprimierte Hendrix, Pink Floyd, Soft Machine, Arthur Brown, Projektionen und die ganze Nacht sensorische Überladung in einem höhlenhaften Olympia-Event.

Innerhalb der Jaarbeurs baute Utrechts Gegenkultur eine weitläufige Welt aus Rock, Kunst und Spektakel auf, die sowohl Holland Pop als auch die spätere Lowlands-Idee vorwegnahm.

Hendrix nutzte das Doppelalbum als Studioumgebung, in der Blues, Elektronik, Improvisation und schwere Gitarre nebeneinander bestehen konnten.

Dreißig Songs auf zwei LPs entstehen in zunehmend fragmentierten Sessions, in denen die Beatles teils getrennt und teils gemeinsam arbeiten. „Revolution 9“ ist eine ausgedehnte Tonbandcollage; „Helter Skelter“ drängt in schwereren Rock; „Blackbird“ ist im Kern eine Soloaufnahme McCartneys. Das Album zeigt zugleich die gemeinsame Bandbreite und die wachsende Distanz innerhalb der Gruppe.

Das Doppelalbum erweitert das Erlebnis um zahlreiche Gäste und umfangreichen Studiobau. Das lange Voodoo Chile entwickelt sich aus Blues-Improvisationen, während All Along the Watchtower Dylans Lied durch geschichtete E-Gitarren radikal neu arrangiert.

Acht Songs werden aus drei New Yorker Studioterminen zusammengestellt, wobei das veröffentlichte Album überwiegend aus der ersten und dritten Session stammt. Morrison arbeitet mit jazzgeprägten Musikern, darunter Bassist Richard Davis, Gitarrist Jay Berliner und Modern-Jazz-Quartet-Schlagzeuger Connie Kay. Die weitgehend akustische Instrumentierung und Kays zurückhaltender, nicht rocktypischer Ansatz verleihen der Platte ihren schwebenden Puls.

Kostenlose Konzerte bringen Pink Floyd, Jethro Tull und weitere Gruppen in einen königlichen Park. Über vier Sommer wird dort neu ausgehandelt, wie Rockmusik den öffentlichen Raum nutzen kann.

Über fünf Tage und mehrere Veranstaltungsorte hinweg platzierte Essen deutsche Underground-Gruppen neben internationalem Rock, folk, Chanson, Free Jazz, politischem Song, Kabarett und Multimedia und schuf damit einen der entscheidenden Treffpunkte der deutschen Nachkriegspopulärkultur.

Im Gulfstream Park im Mai 1968 versammelten Michael Lang und Ric O'Barry ein eiliges zweitägiges Experiment um Jimi Hendrix, nur um den Plan zu unterbrechen und eine Blaupause, Aufnahmen und Lektionen zu hinterlassen, die in die Geschichte des Festivals reisen würden.

Sieben Monate nachdem ein anderes Festival die gleiche Rennstrecke getestet hatte, brachte eine neue Produktion Dutzende von Rock-, Soul-, folk-, Blues- und Jazz-Performern auf zwei gleichzeitige Bühnen und zeigte, wie schnell das amerikanische Festivalmodell zu einer Industrie wurde.

Vor der monumentalen Ausgabe von 1970 machten zwei schnell wachsende Isle of Wight Festivals ein lokales Experiment zu einer der zentralen Gegenkultur-Bühnen Europas - und brachten Bob Dylan zu seinem ersten vollen Konzert seit drei Jahren zurück.

Zwei ehrgeizige San Jose Festivals brachten die Doors, Jefferson Airplane, Janis Joplin, Jimi Hendrix und eine schnell aufsteigende Santana auf das Messegelände - aber umstrittene Abrechnung, schlechte Drogen und ein rivalisierendes kostenloses Festival machten die Serie zu einer Fallstudie in Vertrauens- und Gegenkulturökonomie.

An der Costa Mesa und später Devonshire Downs zeigte Newport Pop, wie schnell das West Coast Festival-Modell aus seiner Infrastruktur herauswachsen konnte - und wie das Massen-Rock-Publikum bereits ankam, bevor Woodstock die Vorlage im populären Gedächtnis fixierte.

Aus Seattles Untergrundpresse und dem absurden Piano Drop geboren, verwandelte Sky River das ländliche Washington in ein vorübergehendes Gegenkultur-Experiment, bevor der nationale Festivalboom vollständig angekommen war.

Was als kleines Ascension Day Pop-Meeting in einem Open-Air-Theater begann, wurde zu einer der am längsten laufenden Rocktraditionen der Niederlande und zu einem Trainingsgelände für die Logistik späterer niederländischer Megafestivals.

King Crimson beginnen im Januar mit den Proben und geben am 9. April ihren ersten öffentlichen Auftritt im Londoner Speakeasy. Ihr Durchbruch gelingt am 5. Juli, als sie die Rolling Stones im Hyde Park vor einem Publikum von rund 650.000 Zuschauern unterstützen. DGM Live berichtet.

„21st Century Schizoid Man“ beginnt mit verzerrter Kraft; „I Talk to the Wind“ antwortet mit Flöte und Zurückhaltung. Mellotron, Improvisation, Jazz-Präzision und komponierte Dramatik verleihen dem Progressive Rock eines seiner klarsten frühen Album-Statements.

Die kurze, intensive Geschichte der ursprünglichen Besetzung und das Album mit fünf Stücken, das Reibung und orchestrale Größe nebeneinanderstellte.

Zwei Alben in einem Jahr etablieren Led Zeppelin als eine der prägenden neuen Kräfte des Heavy Rock. Sie kombinieren verstärkten Blues, britischen Folk, akustische Texturen, Studio-Layering und extremen dynamischen Kontrast. Die Platten tragen dazu bei, den Hard Rock zu festigen und haben zusammen mit mehreren anderen Gruppen der späten 1960er Jahre einen großen Einfluss auf die aufkommende Sprache des Heavy Metal.

Aus einem geplanten kommerziellen Fest wurde eine riesige vorübergehende Siedlung in Bethel. Film und Tonaufnahmen verwandelten später vier schwierige Tage in ein bleibendes gegenkulturelles Symbol.

„Gimme Shelter“ beginnt mit Merry Claytons apokalyptischem Schrei und lässt nicht locker. „You Can't Always Get What You Want“ schließt mit einem Gospelchor und dem Klang der zurückgestellten Hoffnung. „Let It Bleed“ ist der Sound der 1960er Jahre, die schlecht endeten.

Ein kostenloses Rolling-Stones-Konzert, das in gefährlicher Geschwindigkeit zusammengestellt wurde, wurde zu einer Fallstudie über unkontrollierte Gewalt, unklare Verantwortung und vermeidbare Risiken.

Das aus Frankreich vertriebene Festival Actuel wurde in einem belgischen Dorf neu aufgebaut und vereinte Soft Machine, Pink Floyd, Frank Zappa und die großen Free-Jazz-Stimmen in einem Programm.

Zwei Monate vor Woodstock füllte Barry Fey das Mile High Stadium mit einer dreitägigen Rock-Rechnung, einer erfahrenen Festivalproduktion und einem Kampf um bezahlten Eintritt, der in Tränengas und dem letzten Konzert der ursprünglichen Jimi Hendrix Experience endete.

Sechs Wochen bevor Woodstock zu einem globalen Symbol wurde, veranstaltete Atlanta eine riesige Rock-Versammlung im Süden, die bewies, dass der Boom des Gegenkulturfestivals bereits den amerikanischen Süden erreicht hatte.

Zwei Wochen vor Woodstock brachten Electric Factory Concerts eine bemerkenswert tiefe dreitägige Rechnung auf eine Rennbahn in Mays Landing - professionell geführt, weit verbreitet und später in den Schatten gestellt, weil kein offizieller Film oder Soundtrack sie in der Öffentlichkeit fixierte Erinnerung.

Zwei Wochen nach Woodstock übersetzte Texas International Pop den Festivalboom in eine weitläufige, hitzegetränkte Südebene, in der Blues, Soul, Psychedelia und Hard Rock ein riesiges Wochenende teilten.

1969 schob Newport die Jazzfestivalkultur in instabiles Neuland und mischte Miles Davis und Dave Brubeck mit Led Zeppelin, James Brown, Sly & the Family Stone und einer jüngeren, weit weniger vorhersehbaren Menge.

Nach den radikalen Essener Songtagen von 1968 wurde die Grugahalle zu einer Druckkammer für britischen Blues, Progressive Rock und einen deutschen Underground, der kurz davor stand, sich einen eigenen Namen zu machen.

Eine kämpfende Oldies-Revue wurde zu einem Wendepunkt, als John Lennon über Nacht die Plastic Ono Band zusammenstellte und sich den Rock-and-Roll-Performern der ersten Generation und einem neuen Theater-Untergrund im Varsity Stadium anschloss.

Drei Wochen vor Woodstock versammelten sich mehr als fünfzigtausend Menschen im Gold Creek Park zu einem bemerkenswert breiten, reibungslosen Festival, bei dem sich die Doors, Santana, die Chicago Transit Authority und Led Zeppelin eine Nordwestbühne teilten.

Am Labor Day-Wochenende in Louisiana verwandelten die Veranstalter einen Speedway in ein dreitägiges Rockcamp mit zwei Soundsystemen, reichlich Vorräten und einer überraschend kooperativen Beziehung zu den lokalen Behörden - während rassistische Spannungen und Ausgangssperren die Welt direkt hinter den Toren prägten.

Thanksgiving-Wochenende in Florida brachte King Crimson, Janis Joplin, Jefferson Airplane und die Rolling Stones zu einer regengetränkten Rennbahn, wo offizielle Feindseligkeit, schlechtes Wetter und logistische Belastung das Versprechen von "Woodstock South" in eine härtere Festivalgeschichte verwandelten.

Ein zweitägiges südkalifornisches popfestival brachte große rock-acts in das coachella valley - und ließ palm springs sich mit massenkontrolle, gewalt und der politik der jugendkultur auseinandersetzen, bevor der boom des sommerfestivals seinen höhepunkt erreichte.

Einen Monat vor Woodstock veranstaltete der Laurel Race Course eine kompakte, aber außergewöhnliche Zwei-Nächte-Rechnung, die sowohl die Möglichkeiten als auch die Fragilität der neuen Festival-Wirtschaft aufdeckte.

Auf dem SIU Edwardsville Campus verwischte eine Sommerserie die Grenze zwischen universitärem Kulturprogramm und großer Rock-Promotion für mehr als ein Jahrzehnt.

Ann Arbor gründete 1969 eine ungewöhnlich ernsthafte Plattform für Blues, dann expandierte sie in Jazz und R&B, was die Serie zu einem Korrektur für Rockfestivals macht, die von Black Musik ausgeliehen wurden, während sie ihre Ursprünger zu den Margen drückte.

Über drei lose dokumentierte Versammlungen in Cambridge, freier Eintritt, improvisierte Bühnen und frühe Auftritte von Künstlern wie David Bowie und King Crimson haben dazu beigetragen, den öffentlichen Grünraum in ein Labor für die britische Kultur der freien Festivals zu verwandeln.

Im ländlichen Gifu gab das Nakatsugawa Folk Jamboree Japans aufstrebender Folk- und Singer-Songwriter-Bewegung einen Treffpunkt im Freien, als Jugendpolitik und populäre Musik neu verhandelt wurden.

Black Sabbath und Emerson, Lake & Palmer richteten denselben Hunger nach Größe auf entgegengesetzte Formen von Kraft.

Das Album wurde größtenteils live während einer zwölfstündigen Session für etwa 800 £ aufgenommen und beginnt mit Regen, einer Kirchenglocke und Tony Iommis langsamem Gitarrenriff, das um einen Tritonus herum aufgebaut ist. Der Tritonus wurde lange Zeit als ein äußerst instabiles Intervall in der westlichen Harmonie betrachtet, obwohl die bekannte Geschichte, dass mittelalterliche Behörden ihn als „Intervall des Teufels“ verboten hätten, übertrieben ist. Sabbath verwandeln diese Instabilität in den Mittelpunkt eines grundlegenden Heavy-Metal-Albums.

Keith Emerson, Greg Lake und Carl Palmer formieren eine Supergroup, die klassische Komposition, Rock und instrumentale Virtuosität verbindet. Emerson hatte bereits mit The Nice die Hammondorgel zum Bühneninstrument gemacht; ELP weiten diesen Ansatz zu großformatigen Eigenkompositionen und klassischen Bearbeitungen aus.

Die Trennung wird im April 1970 öffentlich, als Paul McCartney erklärt, er habe nicht vor, wieder mit der Gruppe zusammenzuarbeiten. John Lennon hatte im vergangenen September privat seinen Rücktritt angekündigt, während alle vier Mitglieder inmitten tiefer geschäftlicher und persönlicher Streitigkeiten getrennte Karrieren anstrebten. Die rechtliche Auflösung würde noch mehrere Jahre dauern.

Die Blues-Festival-Tradition öffnete sich im Royal Bath and West Showground hin zu Progressive, Heavy, Psychedelic und Jazz-Rock.

Rotterdam veranstaltete ein internationales dreitägiges Rock-Treffen im Kralingse Bos und schuf ein prägendes Dokument der niederländischen Gegenkultur.

Fünf Tage im Afton Down brachten Hendrix, The Who, Miles Davis, Joni Mitchell und ein Massenpublikum in die ungelöste Politik des Festivalzugangs.

Ein kleines, kostenpflichtiges Pop-, Blues- und Folk-Festival eröffnet eine zunächst unregelmäßige Geschichte, die sich mit dem kostenlosen Glastonbury Fayre von 1971 grundlegend verändert.

Ein eintägiges Pfingstfest in Limburg legte den jährlichen Rhythmus fest, aus dem eine dauerhafte niederländische Institution entstand.

Janis Joplin, The Grateful Dead, The Band und ihre Mitreisenden verwandelten eine kanadische Bahnreise in eine informelle Musikgemeinschaft.

In Byron im Juli 1970 wurde Atlantas Festival-Experiment zu einer temporären Stadt - größer, lockerer und mythischer als die erste Ausgabe, mit Hendrix und den Allman Brothers in ihrem Zentrum.

Deutschlands Antwortversuch auf Woodstock kam in kaltem Regen, organisatorischem Chaos und finanziellem Zusammenbruch auf eine baltische Insel - und wurde vor allem für die letzte Festivalaufführung von Jimi Hendrix in Erinnerung.

Im Aachener Stadion Soers im Juli 1970 konvergierten britischer Progressive Rock, deutsche experimentelle Musik und blueslastige Festivalkultur vor Zehntausenden in einer der stärksten Outdoor-Rechnungen Westdeutschlands.

Finnlands erstes großes Rockfestival entwickelte sich von einem von Studenten unterstützten Experiment zu einer 100.000-Personen-Krise und überlebte dann die politische Gegenreaktion, indem es schrumpfte, lernte und eine dauerhafte Institution auf der Insel Ruissalo wurde.

Am Goose Lake versuchten die Promoter, Woodstocks Improvisation durch permanente Infrastruktur, eine riesige Drehbühne und industrielle Planung zu ersetzen - nur um zu entdecken, dass die Organisation die Politik rund um ein Massen-Rock-Treffen nicht neutralisieren konnte.

Eine gerichtliche Verfügung löschte das angekündigte Programm, aber Zehntausende besetzten immer noch eine Skipiste in Connecticut und verwandelten ein abgesagtes Konzert in eine aufschlussreiche Konfrontation über Festivalkultur und öffentliche Autorität.

An der New South Wales Central Coast zog ein rein australisches Programm etwa zehntausend Menschen in ein Outdoor-Experiment, dessen überlebender Film und Audio den Moment dokumentieren, in dem eine lokale Szene die Festivalform für sich getestet hat.

Die regierung von oregon tat 1970 etwas fast unvorstellbares: sie half, ein kostenloses gegenkulturfestival in einem state park zu ermöglichen, weil die beamten glaubten, dass musik, camping und geduldete regelbrüche eine gewalttätige konfrontation in portland verhindern könnten.

Ein heftiger Sommersturm verwandelte Manitobas hundertjähriges Rockfestival in eine logistische Improvisation und zwang die Organisatoren, das Winnipeg-Stadion zu verlassen, Tausende in die nahe gelegene Arena zu ziehen und Led Zeppelin zu überreden, bis tief in die Nacht zu spielen.

Von improvisierten britischen Versammlungen wie Phun City und Windsor bis hin zu Watchfield, Deeply Vale und Stonehenge - und neben Freikonzertexperimenten in den Niederlanden - entstand eine lockere Kultur, in der das Festival weniger ein Produkt als eine vorübergehende Lebensweise war.

Cincinnatis sommerfestival wurde mehr als ein stadionkonzert, als das nationale fernsehen alice cooper, the stooges, mountain, grand funk railroad und traffic als schnappschuss von rock bewahrte, der in etwas schwereres und fremderes mutierte.

Am Wochenende des Memorial Day wurde ein ländlicher Ort in Illinois zu einer temporären Stadt mit Zehntausenden und hinterließ nicht nur Festivalgeschichten, sondern auch rechtliche Aufzeichnungen, Fotos und ein ungewöhnlich reiches lokales Archiv.

Weit entfernt von den Küstenzentren der Gegenkultur wurde Wadena ein weiterer Beweis dafür, dass der amerikanische Festivalboom national, chaotisch und für die lokale Infrastruktur fast unmöglich geworden war.

Im ländlichen Wisconsin schloss sich Sound Storm der außergewöhnlichen 1970er Welle temporärer Rockstädte an und zog ein Massenpublikum in eine Landschaft, die nie für das soziale Experiment entworfen worden war, das es plötzlich beherbergte.

Das von der lokalen Politik wiederholt blockierte Festival von John Brower erreichte schließlich Mosport Park unter dem Kamuflag eines Motorradveranstaltungen – und wurde zu einer der größten Rockveranstaltungen in Kanada der Zeit.

Auf einer Staffordshire Farm im Mai 1970 brachte ein ehrgeiziges zweitägiges Festival the Grateful Dead zum ersten Mal nach Großbritannien und voraussichtte die riesige Outdoor-Saison, die das Land verrückt hatte.

Mick Farren's Sussex-Sammel war angeblich ein Ticketed unterirdisches Festival; wenn die Unterstützung vor den Ereignissen zusammenbrach, verwandelte es sich in einen harten, improvisierten freien Festival mit dauerhafter Einfluss.

In Banquet House Farm, ein ehrgeiziges folk, Blues und Rock Wochenende traf eine Pennine Sturm so schwer, dass Tände kollapsierten, der Ort überflutet und Sonntagsprogramm effektiv verschwunden.

Ein langjähriger ostserbischer Rockwettbewerb wurde zu einer entscheidenden Bühne für aufstrebende jugoslawische Bands - aber selbst das genaue Startjahr ist in der überlebenden Aufzeichnung umstritten.

Im östlichen Stadtrand von Santiago wurde Piedra Roja weniger ein sanft inszeniertes Konzert als eine plötzliche öffentliche Enthüllung, dass Chile eine eigene Hippie- und Rock-Jugendkultur hatte.

Mit Steve Howe fest in der Besetzung formen Yes aus „Yours Is No Disgrace“, „Starship Trooper“ und „Perpetual Change“ eine klare Blaupause ihres weit ausgreifenden progressiven Sounds. „Close to the Edge“ folgt 1972 und erhält weiter unten einen eigenen Jahreseintrag.

„Stairway to Heaven“ wird zu einem der beständigsten Klassiker des albumorientierten UKW-Radios. Im Pressematerial der Band wurde es 1977 als die Auswahl beschrieben, die damals am häufigsten im UKW-Radio gespielt wurde. Die Band veröffentlicht das Album ohne herkömmlichen Titel und ohne Namensaufdruck auf der Außenhülle. Vier von den Mitgliedern ausgewählte Symbole erscheinen im Inneren und auf dem Plattenlabel und verleihen dem unbenannten Album seine dauerhafte visuelle Identität.

Ian Anderson hat wiederholt gesagt, dass das Album nicht als formelle Konzeptplatte konzipiert sei. Die immer wiederkehrende Auseinandersetzung mit Obdachlosigkeit, organisierter Religion, Glauben und sozialem Urteilsvermögen verleiht ihm dennoch einen starken thematischen Zusammenhalt.

Ein Doppelalbum aus kollektiver Improvisation, Damo Suzukis spontanem Gesang, Jaki Liebezeits diszipliniertem Schlagzeugspiel und Holger Czukays Tonbandbearbeitung. Halleluhwah hält einen Puls achtzehn Minuten lang aufrecht; Aumgn bewegt sich in der elektroakustischen Collage.

Ein Blick in Cans Doppelalbum aus kreisendem Rhythmus, geschnittener Improvisation und dem furchtlosen ersten vollständigen Studio-Statement mit Damo Suzuki.

Peter Gabriels theatralisches Erzählen und Phil Collins' energisches, vom Jazz beeinflusstes Schlagzeug treiben „The Musical Box“ und „The Return of the Giant Hogweed“ an.

Seite eins besteht aus der zwanzigminütigen, siebenteiligen „Tarkus“-Suite. Wiederkehrendes Material, wechselnde Metren und das Zusammenspiel von Keith Emersons Keyboards, Greg Lakes Stimme, Bass und Gitarre sowie Carl Palmers Schlagzeug geben dem Werk seine Form. William Neals Gürteltierpanzer auf dem Cover liefert dazu eine ebenso hybride Bildsprache.

Ein Wanderfestival fand ein dauerhaftes Zuhause und trat in ein Jahrzehnt ein, das von progressiver Größe, Hardrock-Autorität und der Ankunft des Punks geprägt war.

Roskilde begann 1971 als chaotisches, von Studenten gebautes Sound Festival; am Ende des Jahrzehnts war es zu einer gemeinnützigen Institution mit Freiwilligen, internationalen Stars und einer orangenen Bühne geworden, die dazu bestimmt war, ein europäisches Festivalsymbol zu werden.

Geplant von Clacton Round Table als bescheidene Wohltätigkeits-Spendenaktion, explodierte Weeley in eine sechsstellige Bank Holiday-Versammlung, als Großbritanniens Festival-Schaltung plötzlich woanders hingehen musste.

Als achttägiges Treffen mit einer spektakulären Gesetzesvorlage angekündigt, wurde die Feier des Lebens spät neben dem Atchafalaya-Fluss eröffnet, verlor viel von seinem versprochenen Programm und wurde zu einer brutalen Lektion in dem, was passierte, als der Ehrgeiz des Festivals Genehmigungen, Wasser, Schatten, Sicherheit und Wahrheit in der Werbung übertraf.

Im Jahr 1971 kamen Zehntausende auf dem Amsterdamer Bos für eine kostenlose Rechnung zusammen, darunter Pink Floyd, Humble Pie, Focus und CCC Inc.; Ein Jahr später wurde der Park zum "Vietnamweide" für ein 24-stündiges politisch-kulturelles Treffen, das Rock, Jazz, klassische Experimente, Schriftsteller und Filmemacher mischte.

Geboren, als Joensuu-Musiker entschieden, dass sie mehr Orte zum Spielen brauchten, wuchs Ilosaarirock von 1971 Rockrieha zu einer der dauerhaften unabhängigen Festivalinstitutionen Finnlands heran.

Auf einer kleinen Insel westlich von Oslo wurde Kalvøya zu einem wiederkehrenden Treffpunkt zwischen norwegischen Künstlern und dem internationalen Rock-Circuit, der sich von der Folk- und lokalen Gegenkultur hin zu großen Tournee-Acts verlagerte.

Ein Dorf Folk-Event wurde Portugals große Rock-Experiment im Jahr 1971 unter Diktatur, dann im Jahr 1982 in ein Land durch Revolution und Demokratie verwandelt zurückgegeben.

Auf Reisen von Maribor nach Ljubljana, Zagreb, Belgrad und Novi Sad schuf BOOM eine seltene all-jugoslawische Plattform, auf der progressive und Hardrock-Bands konkurrieren, zusammenarbeiten und auf Live-Platten erhalten bleiben konnten.

Auf einer Farm südlich von Adelaide, Myponga gepaart Black Sabbath mit einer starken australischen Rechnung und kündigte sich als Festival der progressiven Musik, anstatt eine einfache Kopie von Woodstock.

Was mit den Plänen für den Motorsport begann, wurde zu einem Massen-Rock-Treffen in der Nähe von Valle de Bravo, dessen kulturelle Schockwelle dazu beitrug, sowohl La Onda als auch die Jahre der Einschränkung, die dem mexikanischen Rock folgten, zu definieren.

In der Nähe von Medellín versammelte Ancón Kolumbiens junge Rockszene zu einer dreitägigen Outdoor-Veranstaltung, die Zeitungen schnell zu einem nationalen Streit über Hippies, Moral und moderne Jugendkultur wurden.

Drei Stücke auf zwei LP-Seiten. Die achtzehnminütige Titelsuite führt durch wiederkehrende Themen, kontrastierende Abschnitte und eine sorgfältig geplante Rückkehr. „Close to the Edge“ ist ein prägendes Statement des symphonischen Progressive Rock.

Wie Yes drei lange Stücke aus Riffs, Kontrasten und wiederkehrenden Themen zusammensetzten – und die Grenze ihrer berühmtesten Besetzung erreichten.

Auf späteren Bühnen der Foxtrot-Ära verwandelt Gabriel die Suite in Theater, indem er bei „Willow Farm“ eine Blumenmaske und bei „Apocalypse in 9/8“ das schwarze, geometrische Magog-Kostüm verwendet. Sein Fuchskopf und sein rotes Kleid gehören zu Aufführungen von „The Musical Box“, nicht von „Supper's Ready“.

Klaus Dingers unerbittlicher „Apache Beat“ und Michael Rothers vielschichtige Gitarre machen „Hallogallo“ zu einer prägenden Aufnahme jenes Pulses, der später Motorik genannt wird. Neu! entwickeln die Idee nicht isoliert, doch ihr Debüt verleiht ihr eine besonders klare und einflussreiche Form, die später in Post-Punk, Indie-Rock und elektronischer Musik nachhallt.

Das über mehrere Phasen hinweg aufgebaute Album kombiniert frühere Londoner Aufnahmen, die berühmten losen Basistracks, die im Rolling Stones Mobile Studio in Keith Richards‘ gemieteter Villa Nellcôte geschnitten wurden, und umfangreiche Overdub- und Gesangssessions bei Sunset Sound in Los Angeles. Die zeitgenössischen Kritiken sind geteilter Meinung: Einige hören ein unkonzentriertes, trübes Doppelalbum, während andere sofort eine der stärksten Platten der Stones erkennen. Sein Ruf wuchs in den 1970er Jahren weiter und es wurde schließlich zu einem der am häufigsten gefeierten Alben im Rockkanon.

In einem regendurchnässten Lancashire-Feld kombinierte Bickershaw ehrgeizige amerikanische Buchungen, britische Untergrundkultur und nahezu komische logistische Belastung zu einem der seltsamsten großen Festivals der frühen 1970er Jahre.

Windsor wurde aus Hocking-, Gemeinde- und Free-Festival-Politik aufgebaut und wuchs von ein paar hundert Menschen in eine direkte Konfrontation darüber, wer das Recht hatte, sich auf Crown-assoziiertem Land zu versammeln, zu lagern und Musik zu machen.

An der nordküste puerto ricos traf ein internationales gesetz über progressive rock, jazzfusion, blues und soul auf opposition, rechtliche gefahr, schwieriges wetter und einen küstenort, dessen schönheit die produktion nicht vereinfachen konnte.

An vier Australia Day-Wochenenden außerhalb von Melbourne ging Sunbury über importierte Woodstock-Bilder hinaus und wurde zu einem Schaufenster für eine lautere, selbstbewusstere australische Rockkultur - bevor ihre Finanzen und internationalen Ambitionen schließlich das Modell brachen.

Durch einstweilige Verfügungen über Staatsgrenzen hinweg landete das Erie Canal Soda Pop Festival schließlich auf Bull Island neben dem Wabash River, wo ein Publikum, das weit über die Kapazität des Geländes hinausging, Wasser, Nahrung, Sicherheit und Planung überwältigte, bevor die verlassene Bühne selbst verbrannt wurde.

Auf der Grundlage neben der Tupholme Abbey, einer der größten 1972-Rocksammlungen in Großbritannien, vermissten große Akte, bestraftes Wetter und eine zunehmend professionelle Festivalmaschine, die noch nicht finanziell überleben konnte.

Pink Floyd verwandelten eine zusammenhängende Livesuite über alltäglichen menschlichen Druck in ein weltweites Modell des vollständigen Albums.

Faust IV bringt die Collage, den Lärm und die Wiederholungen der Band in ein vergleichsweise zugängliches Album, ohne seine disruptive Note zu verlieren. „Krautrock“ beginnt mit einer zwölfminütigen Wand aus Drones und Gitarre, während „Jennifer“ und „The Sad Skinhead“ zeigen, wie seltsam melodisch Faust werden könnte.

Tonmeister Alan Parsons betreut eine Platte, die mehr als 900 Wochen in den Billboard 200 bleibt. „Time“, „Money“ und „The Great Gig in the Sky“ werden zu Radio-Klassikern. Das Album nutzt Tonbandschleifen, Synthesizer und gesprochene Stimmen für eine bis heute tragfähige Auseinandersetzung mit Zeit, Geld, Tod und menschlichem Druck.

„I Know What I Like (In Your Wardrobe)“ wird Genesis' erster britischer Charthit und erreicht 1974 Platz 21. „Firth of Fifth“ und „The Cinema Show“ verbinden ausgedehnte Keyboard-, Gitarren- und Rhythmusentwicklungen in zwei der bekanntesten Kompositionen der Gabriel-Ära; Peter Gabriels theatralische Bühnenidentität bleibt zugleich zentral.

Das knapp dreißigminütige „Karn Evil 9“ überschreitet die Vinyl-Pause: Der First Impression beginnt am Ende der ersten Seite und setzt sich auf Seite zwei fort, gefolgt vom Second und Third Impressions. H.R. Giger entwirft die biomechanische Hülle im Jahr 1973, sechs Jahre bevor die Veröffentlichung von „Alien“ seine visuelle Sprache einem weltweiten Filmpublikum zugänglich macht.

Während eines Großteils der Aufnahme war Mike Oldfield noch ein Teenager, komponierte das zweiteilige Debüt und spielte fast alle Instrumente, unterstützt von einer kleinen Gruppe von Gastmusikern. Es wird das erste von Virgin Records veröffentlichte Album und verkauft sich schließlich schätzungsweise 16 Millionen Mal.

Da nur die Grateful Dead, die Allman Brothers Band und The Band auf dem formellen Gesetzentwurf standen, bewies Watkins Glen, dass 1973 das Publikum selbst zur Skala geworden war Geschichte.

Im Oakland Coliseum verwandelte Bill Graham den Alltag-Stadion-Rock-Show in ein wiederholbares Bay Area-Ritual – weniger utopische Gemeinde als fachkundig verwaltete Massenunterhaltung.

Auf einer Waikato-Farm im Januar 1973 gaben internationale Headliner und eine tiefe inländische Rechnung Neuseeland seine erste wirklich große Outdoor-Rock-Versammlung.

Eine 22-minütige Komposition rund um das Thema Autobahnfahren, die Synthesizer, elektronische Percussion, bearbeitete Stimme, Flöte, Gitarre und Straßengeräusche kombiniert. Sein internationaler Erfolg trägt eine eindeutig deutsche elektronische Identität in den Mainstream-Hörbereich.

Wie Kraftwerk aus Straßengeräuschen, Synthesizern, Flöte, bearbeiteter Stimme und gleichmäßiger Fahrt eine internationale Sprache formten.

Der Studiokern bestehend aus Robert Fripp, John Wetton und Bill Bruford nimmt King Crimsons letztes Album der 1970er Jahre auf, zusammen mit Gästen aus mehreren früheren Besetzungen. David Cross tritt in der Live-Improvisation „Providence“ auf, die kurz vor seiner Abreise aufgenommen wurde.

Edgar Froese, Christopher Franke und Peter Baumann verwandeln instabile analoge Sequenzen, Mellotron und sich langsam verändernde Texturen in ein prägendes internationales Statement des Ansatzes, der später als Berliner Schule bezeichnet wird. Phaedra erschafft die Szene nicht allein, sondern verleiht ihrer vom Sequenzer geleiteten Sprache eine bleibende Form.

Nach dem Abgang von Damo Suzuki geht Can ohne einen engagierten Leadsänger weiter: Michael Karoli und Irmin Schmidt teilen sich den Gesang. Das Album behält die rhythmische Disziplin der früheren Besetzung bei und entwickelt gleichzeitig einen geräumigeren, jazzigeren und elektronischen Sound. Rosko Gee kam erst 1977 zu Can.

Das Bucolic Frolic richtete einen wiederkehrenden Außenbereich ein, der im Laufe des folgenden Jahrzehnts progressive Spektakel, Hardrock und Jazz beherbergte.

ABC Entertainment und Ontario Motor Speedway organisierten eine eintägige Massenveranstaltung für eine große zahlende Menge und vor übertragenen Kameras.

Für ein Jahrzehnt um die Sommersonnenwende herum wurden Felder neben Stonehenge zum Zentrum einer weitläufigen britischen Free-Festival-Kultur, in der Bands, Reisende, Gemeinden, Soundsysteme und politische Argumente eine temporäre Welt neben einem alten Denkmal errichteten.

Die Missouri State Fairgrounds wurden für ein Festival gemietet, das als überschaubar gefördert wurde; Die Menge, die ankam, verwandelte Sedalia in eine temporäre Rockstadt und zwang den Staat zu untersuchen, wie die Veranstaltung genehmigt worden war.

Belkin Productions verwandelte das Cleveland Municipal Stadium in eine wiederkehrende alltägige Rockmaschine, in der Arena-Era-Skala, FM-Radio-Kultur und Massenrisiko untrennbar wurden.

In Kōriyama versammelte sich One Step an fünf großen Konzerttagen um vierzig Acts und mehr als siebzigtausend Besuche und wurde zu einem der größten Outdoor-Rock-Events Japans der 1970er Jahre.

Zwei sehr unterschiedliche Alben nutzten lange Dauer, analoge Technik und negativen Raum, um Abwesenheit hörbar zu machen.

„Have a Cigar“, geschrieben von Roger Waters und gesungen von Gastsänger Roy Harper, verwandelt die Schmeicheleien und Ignoranz der Musikindustrie in eine bitterkomische Darbietung.

Zwei LP-seitenlange Synthesizerwerke klingen wie ein Treiben durch tiefes Wasser. „Rubycon“ verfeinert den Entwurf von „Phaedra“ zu etwas Organischerem, Fließenderem und weniger Mechanischem. Edgar Froeses Gitarre erscheint als Textur, nicht als Melodieträger – die Berliner Schule in einer ihrer geschlossensten Formen.

Zwei Monate nach der Veröffentlichung von Born to Run im August erscheint Springsteen gleichzeitig auf den Covern von Time und Newsweek vom 27. Oktober, wodurch der Umfang der Werbekampagne Teil der Geschichte des Albums wird.

Einige Branchenkenner bezweifelten, dass eine fast sechsminütige Single ohne herkömmlichen Refrain im Radio gespielt werden würde. Kenny Everett, DJ von Capital Radio, kündigte ein Vorabvideo an und spielte es innerhalb von zwei Tagen vierzehn Mal ab, was dazu beitrug, die Nachfrage vor der Veröffentlichung zu steigern. Anschließend verbringt die Single neun Wochen auf Platz eins in Großbritannien.

Nach dem gewaltsamen Ende von Windsor 1974 versuchte Großbritannien einen außergewöhnlichen Kompromiss: einen verlassenen Militärflugplatz, grundlegende öffentliche Dienste und offizielle Toleranz für eine freie Festivalkultur, die jahrelang konventionelle Tore abgelehnt hatte.

Nachdem Windsor aufgelöst wurde, verschwand das People's Free Festival nicht so sehr, dass es mobil wurde - es wechselte durch Watchfield, Kent und später Berkshire, während ein breiterer Reisekreis lernte, Kultur aufzubauen, ohne einen festen Veranstaltungsort zu besitzen. Die genaue Route von 1977 bleibt zu unsicher, um in den Dek zu zwingen.

In Ostwestfalen wurde "free and outdoors" mehr als eine Ticketpolitik: Es wurde zu einer dauerhaften Phrase für die nicht-kommerzielle Festivalkultur und eine deutsche Antwort auf die Kommerzialisierung des Rocks.

Was als kleines Rock & Blues Festival in Werchter begann, entwickelte sich zur Torhout/Werchter Maschine, die die belgische Festivalkultur durch Wiederholung, Größe und zunehmend internationales Programm veränderte.

An der Maresme-Küste verschmolz Canet Rock katalanische Musik, Progressive Rock, politische Erwartungen und Jugendgegenkultur während der letzten Monate der Diktatur und des unsicheren Übergangs, der folgte.

Auf der Fazenda Santa Virgínia im ländlichen Staat São Paulo mischte Águas Claras Rock, MPB, Jazz, Theater und improvisierte das Gemeinschaftsleben zu einem wiederkehrenden Festival, das die kulturellen Zwänge der brasilianischen Militärdiktatur überlebte.

Punk griff den Apparat rund um Progressive Rock an, doch die Musikgeschichte war nie der einfache Fall, dass ein Genre ein anderes tötete.

Vierzehn Songs in etwa neunundzwanzig Minuten führen den Rock auf Abschläge, Hooks, trockenen Humor und Tempo zurück. Die Ramones greifen auf frühen Rock ’n’ Roll, Girlgroup-Pop, Surfmusik und Garage Rock zurück und schaffen so einen kompakten Gegenentwurf zum immer teureren und aufwendigeren Mainstream, ohne lediglich als Anti-Prog-Manifest zu funktionieren.

Johnny Rottens höhnischer Gesang und Steve Jones' übersteuerte Gitarre geben der Single ihre konfrontative Wirkung. Punk ist dabei sowohl Musik als auch kulturelles Argument: ein Angriff auf die Institutionen und Erwartungen, die sich rund um den Rock gebildet hatten.

Seite eins ist eine 20-minütige dystopische Suite, in der die Entdeckung einer Gitarre durch einen totalitären Staat unterdrückt wird. Rush lehnen die Forderung ihres Labels nach einem kommerziellen Album ab und veröffentlichen es trotzdem. Es wird ihr kommerzieller Durchbruch.

Der zehnminütige Titelsong verbindet die Soul-Prägung der „Young Americans“-Phase mit den motorischen und elektronischen Ansätzen, die Bowie auf „Low“ weiterentwickelt. „Golden Years“, „TVC 15“ und die Figur des Thin White Duke machen „Station to Station“ zu einem Schlüsselwerk zwischen diesen Phasen.

In einem Pennine-Tal in der Nähe von Rochdale entwickelte sich eine Versammlung von ein paar hundert zu einem kostenlosen Festival von vielen Tausenden, bei dem Weltraumrock, Kommunen, Punk und freiwillige Infrastruktur lernten, zu koexistieren.

Macroom wurde von lokalen Organisatoren in der Grafschaft Cork erbaut und entwickelte sich von einem stadtfördernden Experiment zu einem siebenjährigen Treffen, das irische Rock-, Folk- und internationale Tour-Kultur verband.

Beginnend im Haus mit 1.800 Menschen, zog Nyons Volksfest an den See, fügte Bühnen hinzu und erweiterte seine musikalische Welt, ohne die freiwillige Kultur zu verlieren, die Paléo wurde.

Bowies fragmentierte Songs und Kraftwerks Eisenbahnpräzision zeigten, dass Elektronik den Rock von innen neu ordnen konnte.

David Bowie und Tony Visconti produzieren beide Alben, wobei Brian Eno Instrumente und Systeme beisteuert und mitschreibt. Der größte Teil von Low wurde im Château d'Hérouville in Frankreich aufgenommen und bei Hansa in Westberlin vervollständigt oder gemischt; „Heroes“ ist das komplett bei Hansa aufgenommene Album. Seite zwei ist überwiegend instrumental, mit breiten elektronischen Stücken und spärlichen, nicht-narrativen Gesangspassagen bei „Warszawa“ und „Subterraneans“.

Der Einfluss von Kraftwerk erreicht den frühen Electro und Hip-Hop am bekanntesten im Jahr 1982, als „Planet Rock“ von Afrika Bambaataa & the Soulsonic Force die Melodie von „Trans-Europe Express“ mit dem Rhythmus von „Numbers“ aus Computer World kombiniert. Die Platte wird zu einer wichtigen Brücke zwischen der DJ-Kultur der Bronx und elektronischer Tanzmusik.

Das einzige Studioalbum der Sex Pistols aus ihrer ursprünglichen Laufbahn in den 1970ern verbindet Steve Jones' dicht geschichtete Gitarre mit einem kompakten, konfrontativen Songprogramm. Nach turbulenten Labelverträgen mit EMI, A&M und Virgin wird die Platte zu einem prägenden Dokument des britischen Punk.

Das Album wird aufgenommen, als John und Christine McVie sich trennen, Lindsey Buckingham und Stevie Nicks ihre Beziehung beenden und auch Mick Fleetwoods Ehe scheitert. Die Songs verwandeln diese überlappenden Brüche in eine Gruppenperformance. Seine Kataloglebensdauer bleibt außergewöhnlich: In der britischen Chartwoche vom 17. bis 23. Juli 2026 erreichte Rumours insgesamt 1.158 Wochen in den Album-Charts.

Von George Orwells „Animal Farm“ angeregt, ohne dessen Handlung zu adaptieren, deutet Roger Waters Hunde, Schweine und Schafe als soziale Typen im Großbritannien der 1970er Jahre neu. Die beiden kurzen Teile von „Pigs on the Wing“ rahmen das Album ein und umschließen „Dogs“, „Pigs (Three Different Ones)“ und „Sheep“.

Von der Essener Grugahalle aus verwandelte der WDR ein nächtliches Rockkonzert in eine transeuropäische Live-Sendung mit unbearbeitetem Wechsel, Radio-Stereo-Sound und einem Kameraarchiv, das über zwei Jahrzehnte einen außergewöhnlichen Musikquerschnitt bewahrte.

Kraftwerk verdichteten synthetischen Rhythmus, Wiederholung und grafische Identität so weit für Pop, ohne sie gewöhnlich zu machen.

„The Robots“ und „The Model“ reduzieren Kraftwerks elektronische Vision auf ihre einfachste, radiotauglichste Form, ohne dabei etwas Wesentliches zu verlieren. „The Man-Machine“ ist das Album, auf dem elektronische Musik zugänglich wird, ohne trivial zu werden.

„Eruption“ bündelt Eddie Van Halens Geschwindigkeit, Kontrolle, Harmonik und beidhändiges Klopfen in weniger als zwei Minuten. Er hat das Klopfen zwar nicht erfunden, aber die Aufnahme macht die Technik massenhaft bekannt und setzt die Erwartungen an die nächste Generation von Rockgitarristen neu.

Einundzwanzig Stücke in rund fünfunddreißig Minuten treiben die Verdichtung des Punk in Richtung einer neuen Formensprache. Manche Songs enden beinahe, sobald ihre Idee angekommen ist; „Field Day for the Sundays“ dauert weniger als dreißig Sekunden. Das Album wird zu einer wichtigen Brücke vom Punk-Minimalismus zu Post-Punk und amerikanischem Hardcore.

Pere Ubus Debüt verbindet abrasive Gitarre, Allen Ravenstines elektronische Texturen und David Thomas' instabilen Gesang. Aus der experimentellen Szene von Cleveland hervorgegangen, wird das Album zu einem wichtigen frühen Bezugspunkt für Post-Punk und Art Rock.

Vier jahre nach dem ersten california jam kehrte der ontario motor speedway als fernsehorientierte temporäre stadt zurück, in der gegen ende der 1970er jahre arena rock, professionelle logistik und ein immenses eintägiges publikum zu einem reproduzierbaren industriepaket wurden.

Am 30. April 1978 endete ein Marsch aus dem Zentrum Londons im Victoria Park mit The Clash, Steel Pulse, X-Ray Spex und Tom Robinson Band - was antirassistisches Organisieren zu einem der definierenden öffentlichen Musikereignisse des Großbritanniens der späten 1970er Jahre machte.

Im Mosport Park im August 1978 brachte das Produktionsteam hinter dem kalifornischen Jam-Modell ein ganztägiges Stadion-Alter-Spektakel nach Norden, das über 110.000 Menschen in zeitgenössischen kanadischen Handelsberichterstattung für eine Rechnung anzog, die sich von Kansas und Triumph bis zu den Commodores und Village People erstreckte.

Beginnend bei der Cotton Bowl im Jahr 1978, Texxas Jam verwandelte das Sommerfestival in ein jährliches Stadion Ausdauer-Test-Stunden von Hard Rock, schwarze Planen, extreme Hitze und Line-ups für das Zeitalter der Arena-Gitarrenmusik gebaut.

Während in der Essener Grugahalle die berühmte nächtliche Rocknächte stattfand, machte der WDR die Westfalenhalle in Dortmund zum Ende des Jahrzehnts auch zu einem Live-Fernsehlabor für deutschen Progressive Rock, Punk, niederländischen Rock und internationalen Hardrock.

Gebaut aus dem 1977 Waikino Vorläufer, wuchs Nambassa durch formelle Festivals in 1978, 1979 und 1981 in ein ehrgeiziges Experiment in Musik, Handwerk, Spiritualität, alternativer Technologie und temporärer Gemeinschaft.

Eine Platte errichtete Isolation im Stadionmaßstab; eine andere schuf sie aus Raum, Wiederholung und einem unabhängigen Studio in Manchester.

Roger Waters schreibt ein Doppelalbum über einen Rockstar, der eine psychologische Mauer zwischen sich und der Welt errichtet. „Another Brick in the Wall, Part 2“ erreicht sowohl in Großbritannien als auch in den USA Platz eins. Die anschließende Bühnenproduktion errichtet quer über die Bühne eine reale Mauer und bringt sie am Ende zum Einsturz.

Ian Curtis' Bariton, Bernard Sumners sparsame Gitarre, Peter Hooks melodischer Bass und Stephen Morris' präzises Schlagzeug werden durch Martin Hannetts räumliche Produktion klar voneinander getrennt. Das Ergebnis wird zu einem prägenden Studio-Statement des Post-Punk.

In Großbritannien als Doppelalbum zum Preis einer einzelnen LP veröffentlicht, erweitert „London Calling“ das Punkfundament von The Clash um Ska, Rockabilly, Reggae, Soul und Jazz. Die breiteren Arrangements bewahren die Dringlichkeit der Band und vergrößern zugleich ihre musikalische Reichweite erheblich.

PiL gibt zwölf Titel auf drei 12-Zoll-Schallplatten heraus, die mit 45 U/min abgespielt werden und in einem limitierten Metallkanister untergebracht sind. Jah Wobbles Dub-basierter Bass und Keith Levenes bearbeitete Gitarre schaffen eines der kompromisslosesten Studio-Statements des Post-Punk. Eine spätere Neuauflage aus Karton, Second Edition, bringt die Musik auf zwei LPs unter.

Im März 1979 brachte CBS Records eine große amerikanische Delegation nach Havanna, um das Karl-Marx-Theater mit kubanischen Musikern zu teilen und eine seltene Begegnung zwischen Jazzfusion, Salsa, Rock, Nueva Trowa und kubanischer Popmusik zu schaffen.

In stillgelegten Hallen und Sportzentren versammelte Futurama die rohen Post-Punk-Mikroszenen von Leeds, Manchester, Sheffield und Liverpool zu einer bewusst harten Alternative zum etablierten Outdoor-Rockfestival.

Talking Heads bauten Songs aus ineinandergreifenden Schleifen, Ensemblerhythmus und Studiomontage neu auf statt aus konventionellen Akkordfolgen.

Die verbleibenden Mitglieder gruppieren sich als New Order neu. In den nächsten Jahren kombinieren sie ihr Post-Punk-Erbe mit Drum Machines, Sequenzern und Einflüssen aus der europäischen Elektronik- und New Yorker Clubkultur und werden so zu einer der wichtigsten Brücken der Ära zwischen Independent-Rock und Tanzmusik.

„Back in Black“ wird zu einem der meistverkauften Alben aller Zeiten. AC/DC beschreibt es derzeit als das meistverkaufte Album einer Band und das drittbestverkaufte Album eines Künstlers mit einem geschätzten weltweiten Umsatz von fünfzig Millionen.

Talking Heads und Produzent Brian Eno bauen das Album aus ineinandergreifenden Auftritten von David Byrne, Chris Frantz, Tina Weymouth und Jerry Harrison auf und erweitern diese Loops dann um zusätzliche Musiker, Gesang und Studiobearbeitung. Funk, Afrobeat-Einfluss, Post-Punk-Repetition und kollektiver Rhythmus werden zu den leitenden Prinzipien.

Die Berlin-Trilogie wurde 1979 mit „Lodger“ abgeschlossen. „Scary Monsters“ bringt Bowie zurück zu schärferen Rocksongs und führt gleichzeitig die elektronische Textur, die gebrochene Struktur und die Tony Visconti-Produktionsmethoden der vorangegangenen Periode fort.

Im Donington Park wurde die Festivalform auf ein eintägiges Hardrock- und Heavy-Metal-Spektakel reduziert, um die Vorlage für die riesigen Metal-Versammlungen der 1980er Jahre zu schaffen.

Jarocin gab polnischem Punk, Metal, Reggae und New Wave einen halboffiziellen Raum, um in der Öffentlichkeit zu existieren - vom Staat beobachtet, durch Zensur eingeschränkt, aber als eine außergewöhnliche Tasche kultureller Freiheit in Erinnerung.

Neun Tage lang wurden in Tiflis Amateur- und Profibands aus der gesamten Sowjetunion auf eine sanktionierte Wettbewerbsbühne gebracht, was einen Meilenstein in der unruhigen Beziehung zwischen Rock und dem sowjetischen Kultursystem darstellte.

Rush verkürzten die Formen, schärften die Produktion und bewahrten die instrumentale Intelligenz ihrer progressiven Identität.

Geddy Lees wachsende Synthesizer-Palette ergänzt den Bass, die Gitarre und das Schlagzeug des Trios, während Alex Lifeson die Arrangements in scharf definierten elektrischen und akustischen Gitarrenparts verankert.

Das erste Video ist „Video Killed the Radio Star“ der Buggles, das bewusst als symbolischer Auftakt für einen Kanal ausgewählt wurde, der sich um Musikfernsehen dreht. MTV ändert nach und nach die Art und Weise, wie Labels Künstler bewerben, und verleiht der visuellen Identität weitaus mehr kommerzielles Gewicht, obwohl ihre Reichweite bei der Einführung begrenzt ist und mit der Zeit zunimmt.

Nach ihrer Debütsingle „Ceremony“ stößt New Order mit „Everything's Gone Green“ weiter auf Drum Machines und sequenzierte Synthesizer vor. Seine elektronische Basslinie und sein programmierter Puls weisen auf die Tanzplatten hin, die die nächste Phase der Band definieren würden.

Dare erreicht die Nummer eins in Großbritannien, während „Don't You Want Me“ 1981 die Weihnachtsnummer eins und die meistverkaufte britische Single des Jahres wird. Seine Mischung aus erschwinglichen Synthesizern, präzisem Pop-Songwriting und kontrastierendem Männer-Frauen-Gesang wird zu einem der einflussreichsten Synth-Pop-Modelle des Jahrzehnts.

Entstanden durch die Fusion zweier gescheiterter lokaler Festivalideen, verwandelte Parkpop den Zuiderpark in eine freie bürgerliche Musikinstitution, während Post-Punk und New Wave den europäischen Live-Circuit neu gestalteten.

Technischer Metal, elektronischer Post-Punk und visuelle Medien ersetzten einen einzigen Rockmainstream durch mehrere konkurrierende Zukünfte.

Das Album mit neun Songs verbindet Pop, Funk und R&B mit Rockgitarre, darunter Eddie Van Halens Solo auf „Beat It“. „Billie Jean“, „Beat It“ und das lange „Thriller“-Video erschließen der Platte ein außergewöhnlich großes weltweites Publikum; sie gilt weithin als das meistverkaufte Album aller Zeiten.

Iron Maidens drittes Album und Bruce Dickinsons erstes mit der Band werden zum internationalen Durchbruch in den Charts. Steve Harris‘ galoppierender Bass, sein Doppelgitarrensatz und Dickinsons Stimmumfang machen es zu einer prägenden New Wave of British Heavy Metal-Platte und zu einem großen Einfluss auf den späteren Traditional-, Power- und Melodic-Metal.

Pornografie treibt den frühen Post-Punk von The Cure in eine besonders dichte, depressive und konfrontative Form. Neben Platten von Bauhaus, Siouxsie and the Banshees und anderen aufstrebenden Acts wird es zu einem der grundlegenden Alben, um die sich die Identität des Gothic Rock festigt.

Die veröffentlichten Aufführungen sind Springsteen allein auf einem Vierspur-Kassettenrekorder, mit akustischen und elektrischen Instrumenten, Mundharmonika und einer starken Schicht aus Raum- und Bandgeräuschen. Es wurden Vollbandversionen versucht, aber die rauen Heimaufnahmen vermittelten eine Atmosphäre, die das Studio nicht reproduzieren konnte.

Steve Wozniaks zwei immense Experimente in Südkalifornien kombinierten Musik, Technologie, Video und Idealismus an einem speziell dafür gebauten Ort - und zeigten, dass spektakuläre technische Ambitionen und finanzielle Nachhaltigkeit nicht dasselbe waren.

New Order verwandelten Post-Punk-Wiederholung, Clubrhythmus und nicht vollkommen synchrone Maschinen in eine neue Art Popsingle.

New Order bezeichnet „Blue Monday“ als die meistverkaufte 12-Zoll-Single aller Zeiten. Die aufwendige Erstauflage mit kostspieligen Stanzlöchern in Peter Savilles Diskettenhülle soll Verluste verursacht haben; spätere, vereinfachte Pressungen waren profitabel.

Die aus Athens, Georgia, stammenden R.E.M. nehmen „Murmur“ in den Reflection Sound Studios in Charlotte, North Carolina, auf. Michael Stipes teilweise verhüllter Gesang und Peter Bucks klingende Gitarre tragen dazu bei, eine neue amerikanische College-Rock-Sprache zu prägen. Rolling Stone wählt es vor „Thriller“ zum Album des Jahres 1983.

BMI gab 2019 bekannt, dass „Every Breath You Take“ mit mehr als fünfzehn Millionen Wiedergaben zum meistgespielten Song in seinem Radiokatalog geworden sei. Sein Ruf als Hochzeitsstandard bleibt verblüffend, da der Text eher von obsessiver Überwachung als von gegenseitiger Hingabe handelt. Synchronicity wird zum kommerziellen Höhepunkt und letzten Studioalbum von Police. Interne Spannung trägt zum Ende ihrer ursprünglichen Tour bei, obwohl sich das Trio später für eine große Tournee 2007–2008 wieder zusammenschließt.

„Burning Down the House“ wird Talking Heads' erste US-Top-Ten-Single. Das Album überführt die ineinandergreifenden Rhythmen von „Remain in Light“ in kompaktere Songformen; die anschließende Tour filmt Jonathan Demme für „Stop Making Sense“.

Prince, Van Halen, Springsteen, Metal, Hip-Hop und das landesweite MTV machten 1984 zugleich zu einem Höhepunkt und einer Übergabe.

Album, Soundtrack und Film verstärken einander, während Prince and the Revolution Rockgitarre, Funk, Soul und Synthpop verbinden. „When Doves Cry“ verzichtet bekanntlich auf einen Basspart; der Titelsong geht auf einen Liveauftritt im First Avenue zurück. „Purple Rain“ wird zu Prince' internationalem kommerziellem Durchbruch.

Während einer Wahlkampfrede im September 1984 in New Jersey beschwört Ronald Reagan die „Botschaft der Hoffnung“ in Springsteens Liedern und versucht gleichzeitig, sich selbst mit der Popularität des Sängers in Verbindung zu bringen. Er zitiert nicht den Titelsong, dessen Verse einen in wirtschaftlicher Not verlassenen Vietnam-Veteranen beschreiben. Die Episode wird zu einem berühmten Beispiel dafür, wie politische Bilder mit der tatsächlichen Erzählung eines Liedes kollidieren.

Brian Eno und Daniel Lanois produzieren ein Album, das die Post-Punk-Direktheit von U2 durch Atmosphäre und Mehrdeutigkeit ersetzt. Pride (In the Name of Love) macht U2 stadiongroß. Der Klang, den sie hier entwickeln – filmisch, räumlich, suchend – trägt sie zum Joshua Tree.

Das fast siebenminütige „Fade to Black“ beginnt mit Akustikgitarre und zurückhaltendem Gesang, bevor es sich zu einem schweren, ausgedehnten Schlusssolo steigert. „For Whom the Bell Tolls“ und „Creeping Death“ erweitern den Sinn des Thrash Metal für Gewicht, Tempo und erzählerischen Umfang.