Bevor Jim MacLaine Rockstar werden kann, muss er erst zu jemandem werden, der fähig ist fortzugehen
That'll Be the Day ist unter Musikfilmen ungewöhnlich, weil der größte Teil seines Dramas vor dem Beginn der Star-Maschinerie spielt. David Essex verkörpert Jim MacLaine, einen klugen, aber unzufriedenen Schüler im Großbritannien der späten 1950er-Jahre, der Bildung, familiäre Erwartungen und ein respektables Erwachsenenleben betrachtet und nichts davon groß genug findet.
Claude Whatham inszeniert Ray Connollys Drehbuch; David Puttnam und Sandy Lieberson produzieren. Das BFI führt den britischen Spielfilm von 1973 mit 91 Minuten, während die aktuelle StudioCanal-Vintage-Classics-Blu-ray im BFI-Shop mit 87 Minuten angegeben wird. Dieser Unterschied muss an den jeweiligen Ausgaben haften bleiben, statt weggeräumt zu werden.
Die historische Intelligenz des Films liegt in seinem Zeitpunkt. Jims Welt existiert, bevor die Beatles britische Popkultur in einen massenhaften Weg zu internationalem Ruhm verwandelt haben. Rock 'n' Roll ist aus Amerika eingetroffen; britische Künstler ahmen ihn nach, passen ihn an und lokalisieren ihn, während Jugendkultur sich sichtbarer von den Erwartungen der Eltern löst. Die Zukunft erscheint möglich, aber noch nicht organisiert.
Jim besitzt keinen Karriereplan. Er besitzt Ungeduld. Diese Unterscheidung macht den Film weit überzeugender als eine gewöhnliche Ursprungsgeschichte, in der Talent höflich auf seine Entdeckung wartet.
Die späten 1950er-Jahre erscheinen als Zeit, in der Rock 'n' Roll bereits kulturelle Macht besitzt, bevor Großbritannien gelernt hat, daraus eine globale Industrie zu machen
Der Soundtrack umgibt Jim mit amerikanischem und britischem Rock 'n' Roll, doch die Songs bestätigen nicht bloß die historische Authentizität. Sie schaffen den emotionalen Maßstab, vor dem das gewöhnliche britische Leben unerträglich klein wirkt. Eine Platte kann amerikanisches Tempo, sexuelle Energie und jugendliches Selbstvertrauen enthalten, während der Hörer in einer Schule, einem Café oder Familienhaus bleibt, dessen soziale Regeln einem älteren Großbritannien angehören.
Diese Spannung zählt, weil spätere Geschichtsschreibung die Jahre vor den Beatles häufig zu einem Wartesaal verkürzt. Britischer Rock wird beschrieben, als hätten sich alle unbewusst auf 1963 vorbereitet. Whathams Film stellt die Unsicherheit wieder her. Billy Fury, Marty Wilde und andere britische Künstler waren für ihr Publikum wichtig, bevor die spätere Explosion frühere Popmusik wie eine Übergangsphase aussehen ließ. Der Titel stammt aus einem Song, der mit Buddy Holly and the Crickets verbunden ist, und stellt Jims Sehnsucht damit in eine internationale Jugendkultur, die lange vor der Dominanz britischer Gruppen bereits über Schallplatten reiste. Musik macht ein anderes Leben hörbar, bevor sie es erreichbar macht.
David Essex spielt Jim charismatisch genug, um Menschen anzuziehen, und egoistisch genug, um sie zu verletzen
Eine der besten Entscheidungen des Films besteht darin, Jim nicht leicht bewundern zu lassen. Ein üblicher Jugendfilm würde Unzufriedenheit zum Beweis verborgener Sensibilität machen. Jim würde gehen, weil die Erwachsenen sein Talent nicht verstehen. Essex gibt ihm schwierigere Eigenschaften.
Jim kann charmant, aufmerksam und erfahrungshungrig sein und zugleich emotional unverantwortlich bleiben. Er will Bewegung so sehr, dass andere Menschen zu vorübergehenden Umgebungen statt zu Verpflichtungen werden. Das verleiht dem Film eine moralische Rauheit, die im Popkino selten ist. Ehrgeiz ist nicht automatisch edel. Die Verweigerung von Konformität kann zu einer weiteren Ausrede werden, Verantwortung zu verweigern.
Das wirkt besonders stark, weil Essex' eigene Gesangskarriere um die Entstehungszeit des Films Fahrt aufnahm. Das Publikum sieht einen jungen Künstler, dessen wirkliche öffentliche Identität glamourös wird, während er eine Figur spielt, deren Freiheitsdrang zunehmend unsympathisch erscheint. Schauspieler und Rolle ziehen gegeneinander.
Ringo Starrs Mike ist wertvoll, weil er bereits weiß, dass das Leben unterwegs nicht romantisch ist
Ringo Starr spielt Mike, den weltgewandten Schausteller, der für Jim zum Modell eines anderen möglichen Erwachsenenlebens wird. Die Besetzung ist beinahe unerschöpflich bedeutungsvoll. Ein Beatle spielt den Mann, der einem jungen Menschen vor den Beatles eine mobile Welt aus Arbeit, Sex, Unterhaltung und vorübergehenden Beziehungen zeigt. Der Film verlangt von Ringo nicht, sich selbst zu spielen. Mike ist rauer, zynischer und fest in der fiktiven Epoche verankert. Sein Wert liegt in Erfahrung. Jim sieht Mobilität als Flucht; Mike versteht, dass auch sie eigene Regeln, Hierarchien und Enttäuschungen besitzt. Deshalb wird der Jahrmarkt nicht zum Fantasiereich außerhalb der gewöhnlichen Gesellschaft. Er ist ein weiteres Arbeitssystem. Jim bevorzugt lediglich dessen Instabilität.
Der Jahrmarkt ist der perfekte Schauplatz, weil Unterhaltung, Arbeit und sexuelle Möglichkeiten denselben Raum einnehmen
Von außen wirkt der Jahrmarkt befreiend. Lichter, Fahrgeschäfte, Musik und Menschenmengen versprechen Bewegung und Aufregung. Hinter den Attraktionen bauen Arbeiter auf, nehmen Geld ein, warten Maschinen und ziehen weiter. Diese doppelte Identität spiegelt die Popmusik selbst. Das Publikum sieht Spektakel; andere arbeiten lange, damit es mühelos erscheint. Jim betritt den Jahrmarkt teilweise, weil er Zugang zur aufregenden Seite dieser Trennung sucht. Allmählich lernt er, dass Unterhaltung weiterhin Arbeit ist, nur mit anderen Rhythmen. Der Schauplatz gibt dem Film außerdem eine Klassenstruktur, die sich vom glamourösen Backstage-Rockkino unterscheidet. Vor Tourbussen und amerikanischen Managern stehen Wohnwagen, Saisonarbeit und provinzielle Unterhaltungskreise. Das zukünftige Musikgeschäft ist im Kleinen sichtbar.
Billy Furys Stormy Tempest verwandelt echte Poperinnerung in fiktive Popinfrastruktur
Billy Fury tritt als der fiktive Sänger Stormy Tempest auf – eine der klügsten Besetzungen des Films. Fury war bereits ein wirklicher britischer Rock-'n'-Roll-Star. Ihn innerhalb einer erfundenen Unterhaltungswelt einzusetzen, verleiht dem Film historische Autorität, ohne ihn zur Dokumentation zu machen. Das Publikum weiß, dass sein Gesicht echte Popgeschichte trägt; die Figur bleibt erfunden. So entsteht eine produktive Unschärfe zwischen kulturellem Gedächtnis und Erzählung. Der Film kann zeigen, wie ein junger Mann wie Jim einen Künstler ansieht und Möglichkeiten erkennt, weil der Schauspieler bereits verkörpert, wie britischer Poperfolg in jener Zeit aussah. Fiktion leiht sich Glaubwürdigkeit von Biografie, ohne zu behaupten, sie spiele diese nach.
Keith Moon erscheint, bevor die Fortsetzung die Selbstzerstörung des Rockstars zur Hauptgeschichte macht
Keith Moons Anwesenheit gehört zu mehreren Besetzungsentscheidungen, die rückblickend schwerer wiegen. 1973 ist er Schlagzeuger der Who und bereits für eine extravagante öffentliche Persona berühmt. Der Film nutzt diese Energie in einer fiktiven Umgebung. Später wird Stardust ihn in eine Geschichte stellen, in der Rockerfolg zerstörerisch wird. Zusammen betrachtet macht Moons Besetzung beide Filme beinahe archivalisch, obwohl keine der Rollen dokumentarisch ist. Seine wirkliche Berühmtheit liefert Assoziationen, die die fiktiven Figuren nutzen können. Die Gefahr besteht darin, späteres Wissen rückwärts zu lesen. Moons Tod 1978 darf nicht jeden früheren Auftritt zur Vorahnung machen. In That'll Be the Day gehört er zu einer lebendigen zeitgenössischen Musikkultur, die dem Film Textur verleiht.
Der Film versteht, dass Sex, Mobilität und Musik Varianten desselben Fluchtwunsches sein können
Jims Unruhe äußert sich nicht nur in Schallplatten, sondern reicht in Geografie, Sex und familiäre Verpflichtungen hinein, bis Popmusik zu einem Element einer umfassenderen Verweigerung von Dauerhaftigkeit wird. Das macht den Film weniger romantisch als eine Geschichte, in der Rock einen jungen Künstler einfach befreit. Keine einzelne Institution erklärt seine Unzufriedenheit, denn er misstraut beinahe jedem Zustand, der von ihm Verbleiben verlangt. Dieses emotionale Muster wird entscheidend, sobald die Fortsetzung ihn zum Star macht: Ruhm bietet die größtmögliche Form von Mobilität, ohne seine grundlegende Unfähigkeit zur Zugehörigkeit zu lösen.
Rosemary Leach verleiht der Familiengeschichte genug Gewicht, damit Jims Flucht einen Preis besitzt
Rosemary Leachs Darstellung verhindert, dass die häusliche Welt zu einem Gefängnis aus Pappe wird. Die Erwachsenen um Jim sind nicht bloß Vertreter eines grauen Großbritanniens, die vom Rock 'n' Roll besiegt werden sollen. Sie haben Erwartungen, Enttäuschungen und emotionale Ansprüche an ihn. Dadurch verändert sich die Bedeutung der Rebellion. Für Jim mag das Gehen weiterhin notwendig sein; folgenlos ist es nicht. Die Weigerung des Films, seinem Protagonisten zu schmeicheln, hängt davon ab, anderen Menschen genug Wirklichkeit zu geben, dass er sie verletzen kann. Ohne dieses Gewicht fühlte jeder Aufbruch sich triumphal an. Mit ihm häuft Freiheit Schulden an.
Die Songs der Epoche funktionieren als Umgebung und nicht als Jukebox, die ständig Applaus verlangt
Der Soundtrack enthält zahlreiche vertraute Aufnahmen. Ein schwächerer Film würde wiederholt anhalten, um sie anzukündigen. Whatham verwendet Musik als soziales Umfeld. Songs erklingen aus Radios, Veranstaltungsorten und Aufführungskultur; das Publikum versteht, was Jim hört, ohne dass jedes Stück zur nostalgischen Nummer wird. Das ist wichtig, weil That'll Be the Day nur etwa fünfzehn Jahre nach einem Großteil der dargestellten Musik entstand. Der Soundtrack war noch keine „Golden Oldies“-Kultur im späteren Heritage-Sinn. Viele ursprüngliche Künstler und Hörer waren noch relativ jung. Die Rekonstruktion liegt daher ungewöhnlich dicht am lebendigen Gedächtnis. 1973 blickt nostalgisch auf die 1950er zurück, aber nicht aus archäologischer Entfernung.
Die britische und amerikanische Geschichte des Abspanns zeigt, wie Vertrieb den emotionalen Ausgang desselben Films verändern kann
Der Titelsong gehört selbstverständlich zur Identität des Films. Verschiedene territoriale Veröffentlichungen verkomplizieren jedoch das genaue musikalische Ende.
Die britische Präsentation ist stark mit der Buddy-Holly/Crickets-Tradition des Titels verbunden, während die US-Fassung David Essex' "Rock On" im Abspann nutzte. Das ist eine bedeutsame Änderung, weil "Rock On" zu einem der wichtigsten Hits von Essex wurde. Die amerikanische Version verbindet den fiktiven Jim daher enger mit dem wirklichen Star, der ihn spielt. Die britische Fassung belässt den Film deutlicher in der historischen Rock-'n'-Roll-Welt, aus der sein Titel stammt. Keine Wahl ändert die Handlung; sie verändert den letzten kulturellen Rahmen. Wenn später Cue-Sheets umgesetzt werden, muss dieser Unterschied ausgabenspezifisch bleiben.
"Rock On" wurde ein so großer Hit, dass viele Menschen ihn als zentraler für den Film erinnern, als es der ursprüngliche britische Schnitt tatsächlich macht
Essex' "Rock On" ist untrennbar mit seiner öffentlichen Identität der frühen 1970er verbunden. Sein Erfolg erzeugte im Rückblick eine Anziehungskraft um den Film. Der Song gehört in denselben Karrieremoment und wurde im amerikanischen Abspann verwendet, sollte aber nicht nachlässig als zentrale Titeldarbietung des ursprünglichen britischen Spielfilms beschrieben werden. Genau so verändert Soundtrackmythologie das Filmgedächtnis. Eine Hitsingle überlebt im Radio beständiger als eine bestimmte territoriale Kopie; spätere Zuschauer verschmelzen beides. Gute Archivtexte trennen die Objekte, ohne ihre Verbindung für bedeutungslos zu erklären.
Das Ende weigert sich, Jim für seinen Aufbruch zu belohnen
Der Film endet nicht mit der triumphalen Gründung einer berühmten Band. Er lässt Jim emotional unruhig genug zurück, damit die Fortsetzung notwendig wird. Darin liegt der stärkste Grund, weshalb beide Filme als Diptychon funktionieren. That'll Be the Day ist nicht bloß der erste Akt einer riesigen Erfolgsgeschichte, weil Stardust folgt. Er ist ein vollständiger Film über Begehren vor dem Ruhm. Die Fortsetzung fragt, was geschieht, wenn die Tür sich tatsächlich öffnet. Der erste Film hat bereits gewarnt, dass Jim sein Problem hindurchtragen könnte.
Der Unterschied zwischen 87 und 91 Minuten muss an den Ausgaben haften bleiben
Der wichtigste Filmdatensatz des BFI nennt 91 Minuten, die aktuelle StudioCanal-Vintage-Classics-Blu-ray im BFI-Shop dagegen 87 Minuten. Die geprüften Quellen liefern keine einfache Erklärung für die Differenz, die mit Übertragung, Ausgabe oder Katalogmessung zusammenhängen kann. Beide Zahlen verdienen deshalb, bei ihren Quellen zu bleiben. Jahr und Identität des Films sind stabil, auch wenn seine Minutenzahl es nicht ist. Genauigkeit gewinnt nichts, wenn man Einigkeit erfindet, die die Datensätze nicht bieten.
Der Film funktioniert, weil er sich an ein Großbritannien erinnert, kurz bevor Popmusik zum offensichtlichen Ausweg wird
Am Ende des Jahrzehnts, das That'll Be the Day darstellt, wird die britische Musikindustrie völlig anders aussehen. Beatles, Stones, Who, Kinks und andere lassen Rockstarsein wie einen erkennbaren Weg für junge Männer mit der richtigen Band, den richtigen Songs und genügend Glück erscheinen. Jim lebt, bevor dieser Weg gepflastert ist. Seine Unruhe wirkt deshalb gefährlicher. Er geht, ohne zu wissen, welche Art Mensch er werden will. Musik ist Versprechen vor Beruf. Darin liegt die eigentliche historische Leistung des Films.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Wo verfügbar, ist die aktuelle StudioCanal-Vintage-Classics-Blu-ray die bevorzugte physische Ausgabe. Die Laufzeitteilung bleibt bestehen: 91 Minuten im Werkdatensatz des BFI und 87 Minuten in der aktuellen Blu-ray-Angabe. Territoriale Unterschiede der Abspannmusik müssen getrennt bleiben, falls Metadaten auf Cue-Ebene umgesetzt werden.