Die Platte
Auf einen Blick
- Künstler
- Focus
- Erschienen
- Mai 1974
- Album
- Viertes Studioalbum
- Originaltitel
- Fünf
- Neuer Schlagzeuger
- Colin Allen
- Produzent
- Mike Vernon
Warum sie wichtig ist
Focus schafft sein geschlossenstes großformatiges Studiowerk
Hamburger Concerto ist wichtig, weil Focus hier klassische Bezüge, Rockkraft und Humor erstmals in eine albumweite Balance bringt. Delitæ Musicæ bearbeitet eine Galliarde der Alten Musik als Miniatur. Harem Scarem und Birth setzen das Quartett unter elektrischen Druck. Das zwanzigminütige Titelwerk verbindet in sechs benannten Sätzen komponierte Wiederkehr, Soloentwicklung und Klangtheater.
Es ist zugleich das einzige vollständige Focus-Studioalbum mit Schlagzeuger Colin Allen. Pierre van der Linden ging nach der Tourneephase von 1973; Allen kam nach seiner Arbeit mit Stone the Crows und John Mayall. Seine breitere Perkussionspalette verändert die Musik, ohne die präzisen Übergänge zu beseitigen, die Focus benötigt.
Die Titelsuite wiederholt nicht bloß Eruptions Idee, eine Vinylseite zu füllen. Starter, Rare, Medium I, Medium II, Well Done und One for the Road bilden einen kulinarischen Witz, doch die Musik entwickelt erkennbare Themen in gegensätzlichen Instrumentalräumen. Die komischen Namen verhindern Selbstfeierlichkeit.
Das Album ist deshalb Höhepunkt und Instabilität zugleich. Van Leer und Akkerman bleiben Hauptkomponisten und Vordergrundstimmen, doch auf Mother Focus bewegte sich die Gruppe zu kürzeren, funkgeprägten Studiostücken. Hamburger Concerto ist die letzte Platte der 1970er, die so vollständig auf der etablierten progressiven Focus-Sprache beruht.
1973–74
Ein aufgegebenes Album von 1973, ein gehender Schlagzeuger und die Rückkehr zu Olympic
Nach Focus 3 folgten intensive Tourneen und das Livealbum At the Rainbow. Im Mai 1973 versuchte das Quartett in Chipping Norton ein neues Studioalbum, brach die Sessions jedoch ab. Mehrere Aufnahmen erschienen später auf Ship of Memories; eine frühe Idee zum späteren Titelwerk überlebte bis zum nächsten vollendeten Projekt.
Pierre van der Linden verließ die Gruppe Ende 1973. Kurz vor weiteren Tourneen stieß Colin Allen dazu – ein britischer Schlagzeuger, der direkten Rock, Handperkussion und die farblichen Anforderungen der neuen Arrangements abdecken konnte.
Von Januar bis März 1974 arbeitete das Quartett mit Produzent Mike Vernon in den Olympic Sound Studios in Barnes. Zusätzlich wurde die Orgel von St Mary the Virgin in Barnes eingesetzt. Damit reichte van Leers Keyboardpalette über Hammond, Klavier, Cembalo, Mellotron, Akkordeon und Synthesizer hinaus.
Polydor veröffentlichte Hamburger Concerto im Mai in Europa, Atco in Nordamerika. Die Original-LP enthält vier Stücke auf Seite eins und die sechssätzige Titelkomposition auf Seite zwei.
Das Colin-Allen-Quartett
Vier vielseitige Spieler und eine ungewöhnlich breite Instrumentenliste
Allens Einstieg ist sofort als Gewichts- und Farbwechsel hörbar. Er treibt Harem Scarem mit festem Rockpuls und nutzt danach Handperkussion und gestimmte Akzente, um die Sätze der Titelsuite voneinander abzugrenzen.
Van Leers Instrumentenliste funktioniert wie ein internes Orchester. Pfeifenorgel schafft zeremoniellen Maßstab, Hammond den vertrauten Quartettkern, Cembalo und Blockflöte schärfen ältere Musikbezüge, ARP und Moog liefern moderne, manchmal schroffe Führungsstimmen.
Akkerman wechselt von Laute und klassischer Gitarre zu komprimierten E-Gitarrenriffs, gehaltener Melodie und langer Soloentwicklung. Der Gegensatz zwischen Delitæ Musicæ und Rare entsteht nicht aus Gast und Band, sondern aus einem Spieler, der historischen und körperlichen Maßstab wechselt.
Ruiter ist die stabilisierende Linie. Sein Bass gibt der Suite Kontinuität, während Glocken, Autoharp und kleine Perkussion Passagen erweitern, ohne eine separate Orchesterschicht zu schaffen.
Klang und Konstruktion
Renaissance-Maßstab, Jazzrockkraft und symphonische Wiederkehr
Seite eins bereitet durch Kontrast vor. Delitæ Musicæ setzt gezupfte Intimität; Harem Scarem bringt dichte elektrische Bewegung; La Cathédrale de Strasbourg öffnet architektonischen Raum; Birth entwickelt fast acht Minuten lang ein Akkerman-Thema.
Die Titelsuite beginnt zeremoniell und verändert dann wiederholt das Verhältnis von Thema und Textur. Pfeifenorgel kann öffentlichen Maßstab schaffen, Gitarre zieht die Musik in den Quartettangriff zurück, van Leers Stimme wird Instrumentalfarbe statt Erzählstimme.
Klassische Entlehnung ist Material, keine Dekoration. Ältere Themen und choralartige Passagen werden durch Bass, Schlagzeug, E-Gitarre und Synthesizer neu gesprochen. Entscheidend ist die Verwandlung durch Klangfarben, nicht getreue Orchesterimitation.
Vernons Produktion hält die ungewöhnlich breite Palette lesbar. Pfeifenorgel behält Luft, Allens Perkussion bleibt körperlich, Synthesizer schneiden hindurch, ohne akustische Gitarre, Laute oder Blockflöte einzuebnen.
Humor reguliert die Größe. Garstufen als Satznamen und der Fast-Food-Titel lassen ein zwanzigminütiges Konzertwerk ehrgeizig sein, ohne sich als heiliges Monument zu präsentieren.
Die Rhythmuskonstruktion ist ebenso wichtig. Ruiter und Allen bleiben keine neutrale Begleitung, während die Vorderstimmen Instrumente wechseln. Der Bass nimmt Themenwendungen vorweg, Becken kündigen Erweiterungen an, Handperkussion erleichtert Passagen ohne Tempowechsel. So können Gitarre und Keyboards die Führung tauschen, während die Form weiterläuft.
Stille und reduzierte Textur schaffen Proportion. Delitæ Musicæ ist von akustischem Raum umgeben, La Cathédrale verzögert den vollen Rhythmuseinsatz, und das Konzertwerk zieht sich wiederholt aus größter Dichte zurück. Dadurch werden die vielen Keyboard- und Perkussionsfarben nicht zur durchgehenden Wand.
Titelguide
Vier Stücke auf Seite eins und ein sechssätziges Konzertwerk
Delitæ Musicæ
Akkerman bearbeitet eine Galliarde des niederländischen Komponisten und Lautenisten Joachim van den Hove. Gezupfte Saiten und Flöte schaffen einen Kammerraum der Alten Musik, bevor das elektrische Quartett erscheint.
Mit wenig mehr als einer Minute ist das Stück nicht nach Größe, sondern nach Vokabular eine Ouvertüre. Historische Form betritt das Album ohne Verstärkung oder Parodie.
Die Zurückhaltung macht den Schnitt zu Harem Scarem dramatischer. Focus definiert Reichweite, indem zwei vollständige Klangwelten direkt nebeneinanderstehen.
Harem Scarem
Van Leers Komposition stellt den neuen Schlagzeuger mit hartem, beweglichem Rhythmus vor. Orgel und Gitarre tauschen knappe Linien, während Ruiters Bass darunter vorwärtsdrängt.
Pfeifen und Stimmeffekte erinnern an Focus’ komischen Körpergebrauch, bauen Hocus Pocus aber nicht neu. Die Abschnitte fließen stärker, Allens Perkussion formt den Schwung anders.
Das Stück ist die direkte elektrische Aussage des Albums: knapp genug für einen Single-Edit, komplex genug für die veränderte Mechanik des Quartetts.
La Cathédrale de Strasbourg
Eine lange Einleitung erzeugt Höhe und Entfernung, bevor die Rhythmusgruppe einsetzt. Keyboardfarben deuten einen architektonischen Innenraum an, ohne wörtliche Programmmusik zu werden.
Der Mittelteil wird leichter und beweglicher; van Leers Pfeifen bringt eine menschliche, fast beiläufige Stimme in den formalen Titel. Der Weg von Ehrfurcht zu Swing nimmt die Wechsel der Titelsuite zwischen Zeremonie und Spiel vorweg.
Birth
Akkerman liefert einen breiten Melodierahmen, den Flöte, Gitarre, Cembalo und Orgel nacheinander beleuchten. Das Thema wächst durch Wiederkehr statt ständigen Ersatz.
Allens Schlagzeug gibt jeder Rückkehr ein anderes körperliches Profil. Ruiter hält die tiefe Linie, während die Vorderinstrumente zwischen lyrischer Aussage und schärferer Entwicklung wechseln.
Als Finale der ersten Seite vereint Birth Miniatur, Rock und Architektur in einer mittellangen Form. Der spätere Bonus Early Birth zeigt eine andere Entwicklungsstufe.
Hamburger Concerto
Starter eröffnet Seite zwei mit zeremonieller Keyboardgröße und stellt Material vor, das die ganze Konstruktion tragen wird. Die Pfeifenorgel setzt einen komischen Titel in eine unerwartet öffentliche Akustik.
Rare bewegt sich zu Akkermans schwererer Gitarrensprache. Riff, Bass und Schlagzeug ziehen das Konzertwerk aus der Zeremonie in einen muskulösen Quartettaustausch.
Medium I verlagert die kompositorische Kontrolle zu van Leer und nutzt seine wortlose Stimme als weitere Führungsfarbe. Wiederkehrende Ideen sind an veränderter Instrumentierung erkennbar, nicht an exakter Wiederholung.
Medium II gibt Akkerman einen gegensätzlichen Entwicklungsraum. Gitarrenphrasen spannen sich über ein aktives Fundament; Allen und Ruiter verhindern, dass der Soloraum sich von der Suite trennt.
Well Done erweitert den harmonischen Rahmen und bezieht die Melodie eines niederländischen Weihnachtsliedes ein. Vertraute zeremonielle Erinnerung wird Teil der Mischung aus altem Material und moderner Instrumentierung.
One for the Road beendet die kulinarische Folge. Synthesizer, Gitarre und Ensemblewiederkehr bewegen sich zur Auflösung; eine Westminster-artige Glockenfigur setzt das letzte öffentliche Signal.
Über zwanzig Minuten sind die sechs Überschriften zugleich Witze und Wegmarken. Die Suite gelingt, weil jeder Wechsel Gewicht, Farbe oder Handlungsmacht verändert, während gemeinsames Material die Seite bindet.
Keine einheitliche Handlung
Geburt, Ritual, Architektur und komischer Appetit
Hamburger Concerto ist keine durchgehende Erzählung. Delitæ Musicæ, Harem Scarem, La Cathédrale und Birth bleiben eigenständige Stücke; nur der Titeltrack besitzt eine benannte Binnenfolge.
Zeremonie kehrt wieder. Galliarde, Kathedrale, Geburt, Pfeifenorgel, Choral und Glockenschlag rufen öffentliche oder rituelle Formen auf. Focus bringt diese Bezüge wiederholt mit dem elektrischen Quartett in Kontakt.
Das Essensvokabular der Suite verkleinert die Zeremonie auf menschliches Maß. Starter, Rare, Medium und Well Done lassen formale Entwicklung wie eine Restaurantbestellung klingen.
Geburt und Verwandlung bilden die tiefere musikalische Verbindung. Frühe Formen werden Rockarrangements, ein Thema wechselt Instrumentierung, und ein neuer Schlagzeuger tritt in ein bestehendes Ensemble ein, ohne verschwinden zu müssen.
Stein und Neon
Marmorklassik trifft leuchtende Restaurantreklame
Das Gatefold-Cover verbindet eine marmorierte Oberfläche, formale Serifenschrift für Focus und einen leuchtend verschwommenen Albumtitel. Klassischer Stein und restaurantartiges Neon visualisieren die Kollision des Titels.
Im Inneren zeigt Graham Hughes’ Fotografie Musiker und Arbeitsumgebung statt eines wörtlichen Hamburgerwitzes. Die Verpackung balanciert Monument und menschliche Werkstatt.
Auf der Original-LP stehen den vier Titeln der ersten Seite die sechs kochbezogenen Sätze der zweiten gegenüber. Die Typografie macht den inneren Aufbau der Suite vor dem Hören sichtbar.
Spätere Ausgaben indexieren das gesamte Konzertwerk oft als einen Titel. Das Cover bleibt nützlich, weil es die sechsteilige Karte bewahrt.
Mai 1974
Ein letztes britisches Chartkapitel der klassischen Ära
Hamburger Concerto erschien im Mai 1974 als viertes Focus-Studioalbum. In Großbritannien erreichte es Platz 20 und blieb fünf Wochen in den Albumcharts.
Harem Scarem wurde in mehreren Gebieten als Single ausgewählt, doch die Albumidentität blieb an das seitenlange Titelwerk gebunden, nicht an einen Crossover-Moment wie Sylvia. Die Band tourte mit Allen; Fernsehauftritte zeigten, dass Birth und die Suite außerhalb der Studiomontage funktionierten.
Das Chartergebnis lag unter Moving Waves und Focus 3, brachte aber eine anspruchsvolle, weitgehend instrumentale Platte in die britischen Top Twenty. Es wurde das letzte Focus-Studioalbum der 1970er mit britischer Chartplatzierung.
Ein Kataloghöhepunkt
Der Höhepunkt vor dem Richtungswechsel von Mother Focus
Das Album gilt weithin als Höhepunkt der frühen progressiven Focus-Phase, weil es klassische Sprache und Rockkraft integriert statt nur nebeneinanderstellt. Die Kontraste werden gemeinsames Vokabular.
Die Titelkomposition trat neben Eruption und Anonymus II als große Langform, ist mit ihrer sechsteiligen Wiederkehr jedoch strenger komponiert als die offene Soloarchitektur von Anonymus II.
Colin Allens Beitrag gibt der Platte eine einmalige Rhythmusidentität. Er blieb nur für einen kleinen Teil des nächsten Projekts; dies ist das vollständige Dokument seiner Focus-Besetzung.
Mother Focus bevorzugte kürzere Jazzfunk-Stücke und weniger Akkerman. Vor diesem Wechsel klingt Hamburger Concerto weniger wie eine Dauerformel als wie ein letzter, außergewöhnlich konzentrierter Gipfel.
Die Platte vollendet eine Reihe verschiedener Lösungen für die Albumseite. Eruption baut mythische Wiederkehr, Anonymus II öffnet individuelle Improvisation, Hamburger Concerto nutzt sechs gemeinsam komponierte Sätze mit deutlicherer Themenkontrolle. Focus wiederholt die Langform nicht, sondern überarbeitet sie. Das spätere Konzertleben der Suite bestätigt, dass ihre Studiodetails direkte Quartettaufführung tragen konnten.
Welche Ausgabe?
Fünf Originalbänder, eine Archivcoda
Zuerst die fünf Originaltitel hören. Early Birth ist wertvolles Sessionmaterial, verändert aber das entworfene Ende, wenn es ohne Kontext auf One for Roads Glockenschlag folgt.
Beim Titelwerk die sechs gedruckten Satznamen verwenden. Sie markieren kompositorische Wechsel, die ein einzelner zwanzigminütiger Digitalindex verdeckt.
Die Red-Bullet-Master von 2001 und 2020 halten das Kernprogramm klar erkennbar. Die Anthologie ist nur vorzuziehen, wenn Alternativmischungen und Single-Edit zum Hörziel gehören.
Ship of Memories als separates Archiv danebenhalten. Das Material aus Chipping Norton von 1973 dokumentiert den aufgegebenen Weg zwischen Focus 3 und diesem vollendeten Album.
Ein Hörweg
Hören, wie Seite eins die Sprache von Seite zwei vermittelt
- Erster Durchgang: Die Original-LP ohne Early Birth hören und den Seitenwechsel vor dem Konzertwerk bewahren.
- Colin Allen folgen: Darauf achten, wie Schlagzeug, Congas, Pauken und kleine Perkussion verschiedene Maßstäbe artikulieren.
- Die Suite kartieren: Die sechs Kochüberschriften als Wegmarken für Wechsel von Komponist, Textur und Führungsstimme nutzen.
- Zu Birth zurückkehren: Seine fertige Wiederkehr erst nach dem Album mit Early Birth vergleichen.
- Weiterhören: Mit Ship of Memories den aufgegebenen Weg von 1973 und danach mit Mother Focus den Stilwechsel verfolgen.
Recherche und Quellen
Quellen und weiterführende Lektüre
- Offizielle Focus-Geschichte — Focus
- Albumnachweis zu Hamburger Concerto — MusicBrainz
- Titel- und Creditarchiv zu 50 Years — MusicBrainz
- Credits und LP-Nachweis zu Hamburger Concerto — Strawberry Bricks
- Digitaler Katalogeintrag zu Hamburger Concerto — Red Bullet via Apple Music
- Focus-Chartgeschichte — Official Charts
- Originale LP-Folge von Hamburger Concerto — Vinyl Exchange