Un documentario sui sintetizzatori modulari diventa inevitabilmente un documentario su persone che amano rendere difficili le cose semplici
Il sintetizzatore modulare è una delle contraddizioni più seducenti della musica elettronica. Può generare suoni indisponibili a quasi ogni strumento convenzionale, ma raggiungerli può richiedere cavi patch, più moduli, tensioni di controllo, decisioni d'intonazione e l'accettazione che la perfetta patch di ieri possa essere difficile da riprodurre domani. Robert Fantinatto e Jason Amm comprendono l'attrazione dall'interno della cultura.
Waveshaper Media descrive I Dream of Wires come un documentario su ascesa, declino e rinascita del sintetizzatore modulare, con più di cento inventori, musicisti e appassionati. Il film standard dura 96 minuti, mentre una Hardcore Edition di circa quattro ore uscì indipendentemente nel 2013 prima che il film più breve debuttasse al Moogfest nell'aprile 2014. L'esistenza dell'edizione Hardcore è quasi troppo appropriata. Un documentario su persone che rifiutano la comodità in favore di un coinvolgimento tecnico più profondo sviluppò una versione più che doppia per spettatori che ritenevano novantasei minuti non abbastanza ossessivi. Non è soltanto una battuta sulla cultura dei sintetizzatori. È il soggetto del film.
Moog e Buchla offrono inizi paralleli che impediscono a un solo inventore di diventare l'intero mito della creazione
L'apertura storica colloca Robert Moog e Don Buchla al centro della prima sintesi modulare negli Stati Uniti. I loro sistemi si svilupparono indipendentemente attraverso comunità musicali e supposizioni progettuali differenti.
La collaborazione di Moog con Herb Deutsch contribuì a uno strumento modulare controllato in tensione la cui tastiera lo rendeva accessibile ai musicisti formati nei sistemi di altezza convenzionali. Il lavoro di Buchla emerse attorno al San Francisco Tape Music Center e a compositori come Morton Subotnick, con interfacce che non presumevano che la tastiera pianistica dovesse restare il modo principale di controllare il nuovo suono elettronico. La differenza divenne culturalmente significativa. Il contrasto Moog/Buchla è talvolta semplificato in convenzione tonale East Coast contro libertà sperimentale West Coast. Il documentario è più utile quando gli approcci restano famiglie di scelte progettuali invece che religioni rivali. Oscillatori, filtri, inviluppi, sequencer, controllo a bassa frequenza e rapporti di tensione possono essere organizzati in molti modi. La prima sintesi modulare non offrì un solo strumento, ma la possibilità che lo strumento stesso venisse assemblato di nuovo per ogni compito.
Morton Subotnick dimostra perché il Buchla debba essere inteso come sistema compositivo anziché sostituto della tastiera
Silver Apples of the Moon di Subotnick divenne una delle opere fondamentali della composizione elettronica associata al Buchla. La differenza importante rispetto all'esecuzione centrata sulla tastiera è concettuale. Un compositore può usare sequencer, tensioni di controllo e routing modulare per costruire strutture che non imitano i gesti del pianoforte. Ciò apre la musica elettronica a un altro rapporto con il tempo.
Una tensione può controllare l'altezza senza che un dito prema un tasto. Un'altra può alterare il timbro. Una sequenza può diventare insieme ritmo e forma. Il sistema incoraggia la composizione attraverso relazioni fra segnali. Per spettatori abituati al software in cui le possibilità sono nascoste dietro finestre e menu, l'hardware modulare le rende fisicamente visibili. I cavi espongono la causalità. Il valore educativo è enorme anche quando il processo pratico diventa inefficiente. È parte del motivo per cui lo strumento ritorna decenni dopo. Il sistema modulare insegna la sintesi rifiutando di nasconderla.
Herb Deutsch restituisce la collaborazione musicale al lato Moog della storia
Herb Deutsch appare di nuovo dopo Moog e il suo ruolo è altrettanto importante. Ricorda che il primo sviluppo dei sintetizzatori coinvolgeva compositori che chiedevano strumenti ai tecnici, invece di ingegneri che inventavano indipendentemente futuri musicali completi. La collaborazione è uno dei temi ricorrenti della storia degli strumenti.
Harry Chamberlin voleva un altro modo per accedere a strumenti preregistrati. I fratelli Bradley resero possibile la produzione su scala. Moog lavorò con Deutsch. EMS si sviluppò attraverso conversazioni fra compositori, tecnici e utenti. L'innovazione diventa sociale appena uno strumento deve lasciare il laboratorio. Il modulare dipende particolarmente dallo scambio perché ogni modulo esprime supposizioni su ciò che un musicista potrebbe voler controllare. Una manopola del filtro, una fase dell'inviluppo o un passo del sequencer sono oggetti ingegneristici costruiti attorno a comportamenti musicali immaginati. Gli utenti scoprono poi comportamenti non immaginati dai progettisti. Il ciclo di feedback non finisce mai.
Bernie Krause ricorda alla storia elettronica che uno strumento può muoversi dalla sperimentazione in studio all'ecologia
Il lavoro di Bernie Krause attraversò più mondi elettronici, dalle prime esibizioni Moog e sessioni in studio al successivo studio e registrazione dei paesaggi sonori naturali. La sua presenza amplia il film oltre la storia dei generi. Un modulare può partecipare a musica popolare, composizione sperimentale e ricerca sui rapporti fra suono elettronico e ambientale. Conta perché il sintetizzatore viene spesso incorniciato come macchina che sostituì strumenti naturali con strumenti artificiali.
La carriera di Krause suggerisce un rapporto più interessante. L'ascolto elettronico può affinare l'attenzione agli ambienti acustici invece di opporvisi. La stessa persona può lavorare con oscillatori e paesaggi sonori animali perché entrambe le pratiche dipendono dall'ascolto ravvicinato di timbro, frequenza e struttura. Lo strumento diventa una fase in un'educazione sonora più ampia.
Il declino dei sistemi modulari fu causato dal successo quanto dal fallimento
Alla fine degli anni Settanta e negli Ottanta, i musicisti avevano sempre più accesso a sintetizzatori integrati portatili, polifonia, memoria dei preset e infine strumenti digitali la cui stabilità e comodità rendevano impraticabili i grandi modulari. Viene spesso descritto come quasi estinzione. La formulazione è utile se non presa alla lettera.
I sistemi modulari restarono in studi e collezioni, mentre utenti specializzati continuarono a lavorarvi. Ciò che scomparve fu la posizione vicino al centro della progettazione mainstream. Le ragioni erano convincenti.
Il Minimoog aveva già dimostrato l'attrazione di un'architettura fissa. Gli strumenti polifonici successivi permisero accordi, la memoria ridusse i tempi di preparazione, il MIDI creò comunicazione standardizzata e i sintetizzatori digitali offrirono nuove famiglie sonore senza pareti di cavi. Il modulare non perse perché suonasse peggio. Perse perché il resto dell'industria imparò a confezionare più efficacemente le possibilità elettroniche. Vinse la comodità. Per un po'.
La rinascita degli anni Novanta comincia con persone che decidono che l'inconvenienza è tornata interessante
La rinascita al centro di I Dream of Wires comincia quando musicisti e costruttori tornano ai concetti modulari proprio mentre la tecnologia digitale mainstream è diventata potente, accessibile e comoda. Sembra irrazionale finché non si considera l'esperienza dell'utente.
Il software può offrire migliaia di parametri dietro uno schermo. L'hardware modulare dà a ogni funzione una presenza fisica. Un cavo crea un rapporto evidente. Una manopola muove soltanto uno o pochi parametri. Costruire una patch richiede decisioni che possono incoraggiare l'impegno musicale. I sistemi vintage erano costosi e rari. Nuovi produttori iniziarono a creare moduli per utenti moderni, compreso il formato Eurorack fortemente associato a Doepfer. Una volta esistente un formato meccanico/elettrico comune, costruttori indipendenti possono produrre moduli che gli utenti combinano fra aziende. Lo strumento smette di essere il sistema chiuso di un produttore. Diventa un ecosistema. L'architettura commerciale è importante per la rinascita quanto la nostalgia del suono analogico.
Eurorack cambia la sintesi rendendo interoperabili i piccoli produttori
Il ruolo di Doepfer nella rinascita merita attenzione perché il significato di Eurorack sta meno in un oscillatore leggendario che nella standardizzazione. Un musicista può comprare case, alimentazione e moduli da numerosi produttori, creando gradualmente uno strumento personalizzato. Ciò abbassa la barriera rispetto all'acquisto di un enorme sistema vintage. Crea anche un mercato in cui aziende minuscole vendono progetti specializzati senza dover produrre un sintetizzatore completo. Le conseguenze diventano enormi.
Il controllo digitale può convivere con percorsi analogici. La sintesi sottrattiva tradizionale sta accanto a elaborazione granulare, sampling, modellazione fisica, tensioni caotiche e moduli basati su idee mai tentate dai primi sistemi Moog o Buchla. Il modulare ritorna diventando meno standardizzato sonicamente e più standardizzato meccanicamente. Il paradosso spiega gran parte della scena moderna. Una larghezza di guida condivisa crea libertà.
Trent Reznor, Vince Clarke e Gary Numan mostrano che l'ossessione modulare attraversa generazioni e generi elettronici
L'ampio elenco di interviste impedisce alla rinascita di appartenere a una sola scena underground. Trent Reznor si avvicina alla sintesi modulare dal mondo della produzione industrial/alternative. Vince Clarke porta decenni di artigianato synth-pop. Gary Numan collega il primo pop elettronico britannico alla cultura hardware successiva. Questi musicisti non hanno bisogno dei modulari per fare dischi. Proprio per questo l'interesse continuo conta. Una workstation digitale moderna può riprodurre, automatizzare e richiamare sound design complesso più efficacemente. Scegliere hardware modulare diventa preferenza estetica e comportamentale. Il musicista vuole interagire diversamente con il processo. È la risposta più persuasiva a chi considera la rinascita nostalgia costosa. L'attrazione sta in parte in ciò che il sistema rifiuta di automatizzare.
Chris Carter e Daniel Miller collegano la rinascita modulare alla genealogia elettronica fai da te del post-punk
La storia di Chris Carter con Throbbing Gristle e il lavoro di Daniel Miller con The Normal e Mute Records collegano direttamente il documentario a Synth Britannia. I primi musicisti elettronici post-punk abbracciavano spesso tecnologia accessibile perché permetteva di sfuggire alle strutture delle band rock. La rinascita modulare sembra inizialmente muoversi nella direzione opposta, verso hardware costoso e specializzato. Il principio condiviso è il controllo. I musicisti vogliono accesso diretto alla costruzione del suono invece di ereditare un ruolo strumentale fisso. Un economico synth monofonico nel 1978 e un Eurorack personalizzato nel 2010 possono esprimere lo stesso desiderio attraverso condizioni economiche diverse. La tecnologia cambia. Il rifiuto di accettare una disposizione standard della band resta familiare.
Carl Craig mostra come i sistemi modulari rientrino nella dance dopo che la dance aveva già imparato a prosperare senza di loro
Techno e house si svilupparono attraverso drum machine, campionatori, sequencer e sintetizzatori relativamente compatti. L'hardware modulare non era necessario perché emergesse la cultura dance elettronica. Il ritorno successivo offre ai produttori un altro ambiente per generare ritmo e consistenza da campionare, sequenziare o integrare nei flussi di lavoro moderni. La presenza di Carl Craig impedisce quindi al film di trattare la sintesi modulare come tradizione sperimentale separata dalla dance. Il modulare può funzionare da generatore di sorgenti anziché sistema compositivo completo. Un produttore può costruire una sequenza instabile, registrare diversi minuti e montare poi il risultato. Il flusso ibrido dimostra perché i dibattiti analogico contro digitale siano spesso storicamente deboli. I musicisti contemporanei combinano entrambi. La rinascita riesce non perché tutti rifiutino i computer, ma perché l'hardware offre un altro modo di alimentarli.
La Hardcore Edition trasforma l'abbondanza di interviste in valore d'archivio anziché cinema efficiente
La Hardcore Edition di quattro ore fu creata per appassionati che desideravano molto più dettaglio di quanto un film cinematografico potesse sostenere. La struttura non è semplicemente il film di 96 minuti con scene extra inserite a caso. È una presentazione alternativa/estesa progettata per un pubblico specialistico e uscita indipendentemente prima della prima cinematografica. La distinzione deve essere esplicita nei metadati RetroForge. L'edizione Hardcore è storicamente importante perché gli intervistati comprendono progettisti e musicisti le cui testimonianze possono essere drasticamente abbreviate nel montaggio standard. Per la storia degli strumenti elettronici, i minuti extra possono essere più preziosi dell'efficienza narrativa convenzionale. Un regista deve scegliere fra cinema e archivio. Fantinatto e Amm hanno in pratica pubblicato entrambe le scelte.
Il problema di datazione 2013 contro 2014 scompare quando si separano le fasi d'uscita
Waveshaper Media indica attualmente I Dream of Wires come 2013 e il film standard a 96 minuti. La Hardcore Edition fu spedita e venduta nel 2013. Il montaggio cinematografico di 96 minuti ebbe la prima mondiale ampiamente promossa al Moogfest il 26 aprile 2014, e diverse piattaforme elencano quindi il film come 2014. Nessuna fonte deve essere dichiarata sbagliata. Il progetto esisteva commercialmente in una forma nel 2013 e cinematograficamente in un'altra nel 2014. Conservare entrambe. La confusione è storia delle versioni, non dati errati.
La sintesi modulare sopravvive perché trasforma lo studio in uno strumento che non può essere completato
Una chitarra è un oggetto finito anche quando i musicisti la modificano. Un sintetizzatore modulare può restare strutturalmente incompiuto all'infinito.
Si può sempre aggiungere un modulo. Un segnale può essere deviato. Un sequencer può controllare qualcosa prima controllato a mano. L'idea di un produttore può interagire con quella di un altro. Ciò rende lo strumento particolarmente compatibile con l'ossessione. Il proprietario non sta soltanto imparando a suonare. Sta ancora progettando la cosa che suona. I Dream of Wires lo comprende meglio di qualunque spiegazione tecnica concisa. I cavi non sono disordine. Sono la prova visibile che lo strumento sta ancora diventando.
Nota per la visione e il collezionismo
Trattare il progetto come dotato di due grandi edizioni canoniche: la **Hardcore Edition di circa quattro ore uscita nel 2013 e il film cinematografico di 96 minuti presentato al Moogfest nell'aprile 2014**. Waveshaper indica attualmente l'opera principale come 2013, mentre le piattaforme streaming usano spesso 2014.