음반
한눈에 보기
- 아티스트
- Love
- 첫 발매
- 1966년 11월, 미국 스테레오
- 앨범
- 두 번째 스튜디오 앨범
- 오리지널 트랙
- 일곱 곡
- 레이블
- Elektra
- 프로덕션
- Paul A. Rothchild, 엔지니어링 Dave Hassinger와 Bruce Botnick
중요한 이유
두 가지 앨범 제작 철학이 한 장을 나누다
Da Capo의 오리지널 LP 양면은 Love가 무엇이 될 수 있는지에 상반된 답을 내놓기에 중요합니다. 1면은 서로 다른 편곡 여섯 개를 약 18분에 압축하고 Revelation은 하나의 앙상블 연주에 약 19분을 할애합니다.
앨범은 드러머 Michael Stuart와 목관 연주자 Tjay Cantrelli를 소개하고 Alban Pfisterer를 드럼에서 건반으로 옮깁니다. 이 7인조 팔레트는 하프시코드와 오르간, 플루트, 색소폰을 구조적 색채로 만듭니다.
Seven & Seven Is는 데뷔 라인업을 보존하며 주요 앨범 세션보다 앞서 녹음됐습니다. 응축된 속도와 스튜디오에서 만든 폭발은 Love의 미국 최고 차트 싱글이자 배열에서 가장 단단한 모서리가 됐습니다.
Arthur Lee는 1면의 다섯 곡을 썼고 Bryan MacLean은 Orange Skies를 공동 작곡했습니다. Revelation은 Lee, MacLean, Johnny Echols와 Ken Forssi의 공동 크레딧으로 그룹 연주에서 발전한 과정을 반영합니다.
Forever Changes는 어쿠스틱과 관현악의 규율로 짧은 형식의 많은 야망을 해결하게 됩니다. Da Capo는 그 해결 이전의 탐색 단계와 아직도 많은 청자가 거부하는 실험까지 포착하기에 필수적입니다.
Hollywood, 1966년
Love가 5인조에서 7인조로 확장되다
Love의 셀프 타이틀 데뷔작은 1966년 초 나와 포크 록과 개러지의 공격성, R&B 각색을 결합한 밴드의 Los Angeles식 혼합을 확립했습니다.
Seven & Seven Is는 Alban Pfisterer가 여전히 드럼을 맡고 Jac Holzman이 감독하며 Bruce Botnick이 엔지니어링한 가운데 6월에 별도로 녹음됐습니다. Billboard Hot 100 33위에 올랐습니다.
주요 앨범 세션에서는 Michael Stuart가 드러머가 되고 Pfisterer는 오르간과 하프시코드로 옮겼으며 Tjay Cantrelli가 색소폰과 플루트를 더했습니다.
Paul A. Rothchild가 앨범 세션을 프로듀싱했고 Dave Hassinger가 RCA Victor Studio B의 주요 작업을 엔지니어링했으며 Botnick은 음반의 마무리와 믹스 과정에 참여했습니다.
1면은 확장된 라인업으로 각 곡에 다른 악기 정체성을 줍니다. Revelation은 밴드가 Bido Lito's 클럽 시기에 연주한 장형 곡에서 발전했습니다.
MusicBrainz는 오리지널 미국 스테레오 LP를 1966년 11월, 초기 모노판을 1967년으로 기록합니다. 기존 RetroForge URL은 1967을 유지하지만 가이드는 더 이른 미국 발매를 명시합니다.
7인조 Love
기타, 하프시코드, 플루트, 색소폰과 두 퍼커셔니스트
Lee는 커진 밴드를 편곡 작업실로 활용합니다. 1면의 곡들은 하나의 템포도, 하나의 리드 악기도 공유하지 않습니다.
MacLean의 선율 감각은 더 가벼운 보컬 음역과 플루트 중심 색채가 Lee의 날카로운 오프닝을 끊는 Orange Skies에서 가장 선명합니다. Echols는 간결한 전기적 구두점에서 긴 Revelation 솔로로 이동해 LP의 두 설계 방식 사이 거리를 보여 줍니다. Forssi의 베이스는 유난히 잘 들리고 선율적이며 특히 하프시코드나 플루트가 저음역을 비울 때 그렇습니다.
Stuart의 퍼커션 경험은 라틴 색채와 2면의 긴 맥박을 받치고 Pfisterer의 건반 전환은 화성 표면을 바꿉니다. Cantrelli는 장식이 아닙니다. 플루트가 Orange Skies와 She Comes in Colors를 규정하고 색소폰은 Revelation의 주요 목소리가 됩니다.
작곡 대 잼
한쪽 면의 바로크 디테일, 다른 면의 열린 연주
1면은 음색을 작곡상의 결정으로 다룹니다. 하프시코드와 오르간, 플루트, 일렉트릭 기타, 스튜디오 효과가 몇 분마다 새 공간을 도입합니다.
Stephanie Knows Who는 바로크 건반의 어택과 단단한 기타, 불규칙한 악센트를 결합해 확장을 점잖기보다 대립적으로 들리게 합니다. Seven & Seven Is는 반복 테이크와 응축된 앙상블 속도, 짧은 블루스풍 해소가 뒤따르는 마지막 폭발로 폭력성을 이룹니다.
Revelation은 반복되는 블루스 틀을 유지하고 목소리와 하모니카, 기타, 색소폰이 긴 차례를 맡습니다. 지속 시간은 그룹의 상호작용과 반복을 모두 드러냅니다.
Hassinger와 Rothchild는 조밀한 7인조 라인업의 1면에 놀라운 분리감을 줍니다. 긴 트랙은 더 거친 연주의 연속성을 의도적으로 받아들입니다.
앨범의 분열을 하나의 스타일 요약으로 매끈하게 만들면 안 됩니다. 의미의 일부는 저작된 소품과 열린 클럽 연주 사이의 이음매에 있습니다.
트랙 가이드
여섯 소품과 Revelation
Stephanie Knows Who
하프시코드가 변화하는 악센트로 쉬운 팝 흐름을 거부하는 단단하고 각진 Lee의 곡을 소개합니다. 일렉트릭 기타와 베이스, 퍼커션, Cantrelli의 색소폰은 다급한 보컬 아래에서 악기의 중심을 계속 바꿉니다. 이름이 붙은 Stephanie보다 그를 둘러싼 불안정한 호명이 더 중요합니다. 오프너로서 곡은 Love의 커진 라인업이 단순히 부드러움만 더하지 않을 것이라 선언합니다. 바로크 음색과 개러지의 압력이 2분 30초 안에서 충돌해 1면의 간결한 선언문을 만듭니다.
Orange Skies
MacLean과 Lee의 공동 작곡은 즉시 빛을 바꿉니다. 플루트와 부드러운 퍼커션, MacLean의 선율적 리드가 오프너의 단단한 모서리 뒤에 떠다니는 라틴풍 팝 소품을 만듭니다. 색채 이미지는 더 큰 줄거리의 일부가 아니라 감각적이며 편곡은 모든 음역을 채우는 대신 공간을 믿습니다. 배치는 1면의 차이라는 원리를 확립합니다. 7인조 밴드는 모든 악기가 계속 나와서가 아니라 트랙마다 다른 앙상블이 될 수 있어 가치 있습니다.
¡Que Vida!
오르간과 짧게 끊은 리듬, 퍼커션 디테일이 삶과 시간, 돈, 여행에 관한 Lee의 파편적 사색을 받칩니다. 작은 스튜디오 소리는 곡을 신기한 효과로 만들지 않고 그루브에 구두점을 찍습니다. 스페인어 제목은 축하를 암시하지만 Lee의 전달은 쾌락과 회의를 함께 담을 만큼 모호합니다. Orange Skies 뒤 곡은 라틴 색채를 유지하면서 낭만적 분위기에서 경계하는 내면의 말로 이동합니다. 반복 오르간 악구는 질문에 마지막 답을 주지 않는 순환적 토대를 제공합니다.
Seven & Seven Is
앨범보다 앞선 히트곡이 Pfisterer의 드럼과 오리지널 5인조 라인업으로 1면 중앙에서 폭발합니다. 빠른 베이스와 기타, 엄격히 통제된 드럼이 Lee의 응축된 이미지를 밀어붙이다 유명한 폭발이 트랙을 열어젖히고 짧은 블루스 태그의 여파가 얼떨떨한 회복처럼 도착합니다. 싱글은 미국 33위에 올랐습니다. 힘은 속도만큼 구성에서 나옵니다. 수많은 테이크가 통제를 잃은 듯한 순간까지 세심하게 시간을 맞춘 정확한 연주를 만들었습니다.
The Castle
하프시코드와 Forssi의 유동적인 베이스가 바뀌는 방과 거리, 지각에 관한 곡을 이끕니다. Lee의 선율은 전형적인 코러스 반복보다 악기 색채로 연결된 듯한 구간들을 통과합니다. Echols의 기타는 바로크 표면을 지배하지 않고 더 날카로운 모서리를 더합니다. 제목은 필연적으로 밴드와 연관된 Los Angeles 집을 떠올리게 하지만 곡을 다큐멘터리식 평면도로 축소하면 안 됩니다. 그 성은 복도가 불안정하게 남는 감정 구조로 바뀌는 편곡 공간에 대한 앨범의 매혹과 맞습니다.
She Comes in Colors
플루트와 하프시코드가 Lee의 가장 간결하고 선율적인 곡 중 하나를 틀 짓습니다. 중심 인물은 색채와 움직임을 통해 지각되고 밴드는 Stephanie Knows Who의 더 단단한 공격을 피합니다. Cantrelli의 플루트는 선율 파트너로, Pfisterer의 건반은 보컬 아래 또렷한 구조로 기능합니다. 1면을 닫으며 트랙은 서로 다른 균형 여섯 개를 지닌 여섯 곡을 완성합니다. 세련미는 뒤따르는 전환도 날카롭게 합니다. 또 하나의 세심히 관현악화한 소품 대신 음반은 반복 틀 하나에 전체 면을 바치며 다시 시작합니다.
Revelation
18분이 넘는 피날레는 블루스 기반 클럽 곡에서 발전했으며 Lee, MacLean, Echols와 Forssi에게 크레딧됩니다. 하모니카와 보컬, 기타, 베이스, 드럼, Cantrelli의 색소폰이 지속되는 토대 위에서 긴 전경 역할을 맡습니다. 연주는 Love가 길게 뻗는 모습을 기록하지만 길이가 자동으로 1면의 작곡 밀도를 만들지는 않습니다. 반복과 유머, 솔로, 강도의 변화가 주제입니다. 2면 전체로서 앨범의 중심 논쟁으로 남습니다. 앙상블 연습의 귀중한 기록이자 간결한 편집의 의도적 거부입니다.
연속된 줄거리 없음
통합 서사 없는 다양성
Da Capo에는 연속된 서사가 없습니다. 1면은 서로 다른 화자를 통해 이름 붙은 인물과 색채, 삶, 기억, 닫힌 공간 사이를 움직입니다.
제목은 ‘처음부터’를 뜻하며 1면의 방식을 잇지 않고 2면에서 다시 시작하는 앨범에 알맞은 음악 지시입니다. 색채와 건축은 Orange Skies, The Castle, She Comes in Colors에서 문자 그대로 공유된 배경을 만들지 않고 지각을 조직합니다. Seven & Seven Is는 기억과 불안정을 응축된 힘으로, Revelation은 그룹 상호작용을 길어진 현재 시간으로 바꿉니다. 앨범의 가장 깊은 주제는 형식 선택입니다. 3분의 편곡으로 얼마나 많이 말할 수 있고 압축을 지속 시간이 대신할 때 무엇이 나타나는가입니다.
Elektra EKS-74005
확장된 밴드를 위한 격식 있는 그룹 이미지
William S. Harvey는 격식 있는 앞면을 디자인하고 촬영해 확장된 Love 라인업에 통제된 그룹 표현을 줬습니다.
Guy Webster는 뒷면 초상을 만들어 깔끔한 스튜디오 형식 안에서 멤버들을 분리했습니다. 시각적 질서는 음악의 폭넓은 스타일과 대비되고 한 트랙이 LP 절반을 차지한다는 단서를 전혀 주지 않습니다. 오리지널 스테레오와 모노 카탈로그 번호가 달라 공유된 초상만 보는 것보다 레이블과 매트릭스 정보가 판본 식별에 더 믿을 만합니다.
1966년 11월 / 1967년 판본
흔히 1967년으로 분류되는 1966년 말 미국 앨범
Elektra는 1966년 11월 오리지널 7트랙 미국 스테레오 앨범을 발매했고 모노판과 다른 초기 판본은 1967년에 나왔습니다. 앨범은 미국 80위에 올랐고 Seven & Seven Is는 이미 Love의 33위 싱글이 됐습니다. 1면은 데뷔작을 넘어 빠르게 발전한 스타일로 찬사를 받았고 Revelation은 앞선 여섯 곡만큼 많은 공간을 차지해 청자를 갈랐습니다.
아무 설명 없이 음반 전체를 1967년작이라 하면 기록된 미국 스테레오판을 가리고 모든 판을 1966년작이라 하면 1967년 초 카탈로그 역사를 무시합니다. 올바른 분류는 목록에 없는 라이브 보너스를 더한 여섯 곡이 아니라 7트랙 두 번째 스튜디오 앨범입니다. Revelation은 오리지널 스튜디오 LP의 일부였습니다.
양분된 클래식
유명한 1면과 영원히 논쟁적인 2면
Da Capo는 Los Angeles 사이키델리아가 안정된 하나의 어휘를 갖기 전에 그 장면을 보여 주는 핵심 기록이 됐습니다. Seven & Seven Is는 후기 개러지와 펑크가 Love를 해석하는 방식에 영향을 주고 Orange Skies와 She Comes in Colors는 그룹의 바로크 팝 명성을 유지했습니다. 7인조 라인업은 단명해 앨범은 건반의 Pfisterer, 드럼의 Stuart, 목관의 Cantrelli가 함께한 주요 스튜디오 기록이 됐습니다.
Revelation의 평판은 해결되기보다 여전히 논쟁적입니다. 모든 구간이 똑같이 성공적이라고 선언하지 않고도 한 면 길이 록 형식으로서 역사적 중요성을 인정할 수 있습니다.
Forever Changes는 곧 Love를 어쿠스틱과 관현악적 통제로 돌려 Da Capo의 양분된 구조를 템플릿이 아닌 독특한 실험으로 만들었습니다.
앨범과 추가 자료
오리지널 일곱 트랙과 2002년 부록
1면을 끊지 않고 재생한 뒤 Revelation 전에 멈추세요. 물리적인 LP 구분은 디자인의 일부입니다. 첫 여섯 곡이 흔히 꼽는 하이라이트여도 Revelation을 뺀 컴필레이션으로 Da Capo를 앨범으로 평가하지 마세요. Stuart와 Cantrelli, 건반의 Pfisterer가 모두 연주한다고 가정하지 말고 Seven & Seven Is를 더 이른 5인조 녹음으로 식별하세요.
보너스 싱글과 대체 버전은 오리지널 종점 뒤에 두어 의도적인 1트랙 2면을 흐리지 않게 하세요. 좋은 트랜스퍼는 과도한 노이즈 감소 없이 하프시코드 어택과 플루트의 공기, Forssi의 베이스, Revelation의 바뀌는 방 같은 원근을 보존합니다.
감상 경로
양면을 의도적인 반대로 대하기
- Stephanie Knows Who와 Orange Skies를 확장 라인업의 반대되는 활용으로 비교하세요.
- ¡Que Vida!에서 The Castle과 She Comes in Colors까지 건반 색채를 따라가세요.
- Seven & Seven Is를 한 번은 Pfisterer의 드럼에, 한 번은 스튜디오에서 만든 결말에 집중해 들으세요.
- Revelation에서는 전경에 나오는 각 악기와 그 아래 변하지 않는 토대를 따라가세요.
- 잼 뒤 짧은 여섯 트랙으로 돌아가 얼마나 많은 편곡 정보를 압축했는지 파악하세요.
조사 자료
출처 및 추가 읽을거리
- Da Capo 앨범 역사 — Rhino / Elektra
- Da Capo 오리지널판과 재발매 역사 — MusicBrainz institutional database
- Da Capo 2002년 발매 크레딧 — MusicBrainz institutional database
- Da Capo 트랙과 크레딧 — AllMusic
- Da Capo 녹음에 관한 Paul Rothchild의 설명 — The Doors official archive
- Da Capo 디지털 카탈로그 — Apple Music / Elektra