Robert Moog는 자신이 미래를 발명한 사람처럼 보이지 않을 때 영화에서 가장 흥미롭다
Moog라는 제목은 거대한 다큐멘터리를 기대하게 만든다. Robert Moog의 성은 synthesizer와 너무 강하게 결합되어 이제는 하나의 사운드 범주이자 악기 브랜드, 20세기 음악 신화의 일부처럼 기능한다. 전통적인 영화라면 그 신화를 연대순으로 배치했을 것이다. Theremin, modular system, Switched-On Bach, Keith Emerson, Minimoog, synthesizer의 지배, 현대의 부활.
Hans Fjellestad는 더 조용한 영화를 만든다.
Gary Hustwit의 현재 아카이브는 이 2004년 다큐멘터리를 Moog가 창의성, 설계, 영성, 상호작용, 그리고 뮤지션과의 관계에 대해 말하는 70분짜리 초상으로 설명한다. 초점은 완전한 기업 연표보다 한 엔지니어가 악기를 인간 행동과 전기 사이의 인터페이스로 어떻게 생각했는지에 더 가깝다.
이 선택은 옳다. synthesizer 역사의 대중적 버전이 너무 깔끔해지는 경우가 많기 때문이다. Moog는 1964년 어느 날 아침 일어나 전자음악을 발명한 사람이 아니다. 그를 악기 제작으로 끌어들인 theremin을 포함해 전자 악기는 이미 수십 년 동안 존재했고, tape studio와 대학 연구실에서도 정교한 전자 작곡이 발전하고 있었다. 같은 넓은 시기 West Coast에서는 Don Buchla가 독립적으로 voltage-controlled modular system을 개발하고 있었다.
Herb Deutsch는 Bob의 이름 뒤 각주가 아니라 발명 이야기 안에 있어야 한다
Bob Moog Foundation의 아카이브는 Herbert Deutsch의 중요성을 분명히 기록한다. Moog는 1963년 Hofstra의 작곡가이자 교육자인 Deutsch를 만났고, 두 사람은 1964년까지 voltage-controlled module과 Moog modular system의 기반이 되는 prototype을 함께 개발했다. Deutsch는 keyboard interface 사용을 포함한 control 설계 결정에 영향을 줬고, prototype은 그가 제시한 음악적 필요를 상당 부분 중심으로 만들어졌다.
이 협업이 중요한 이유는 악기 역사가 한 명의 발명가를 좋아하기 때문이다. 유명한 성 하나를 연표에 적는 편이 엔지니어와 뮤지션이 악기가 실제로 쓸 만해질 때까지 계속 문제를 주고받는 과정보다 훨씬 간단하다.
Moog는 Deutsch가 등장하기 때문에 기술적 가능성과 음악적 요구 사이의 관계를 보여줄 수 있다. 회로는 voltage-controlled oscillator를 만들 수 있지만, 그것만으로는 뮤지션이 그 사운드에 어떤 방식으로 신체적으로 접근하고 싶은지 결정되지 않는다. Keyboard, knob, switch, patch cord, control voltage는 엔지니어링의 성취인 동시에 인터페이스 결정이다.
이 차이는 RetroForge의 악기 페이지에서 특히 중요하다. Synthesizer는 소리가 들어 있는 상자가 아니다. 어떤 행동은 쉽게, 어떤 행동은 어렵게 만들고, 어떤 방식의 음악적 사고를 장려하는지 플레이어에게 가르치는 시스템이다. Deutsch는 작곡가의 입장에서 Moog가 이런 질문을 이해하도록 도왔다. 브랜드가 된 성은 하나였지만 결과물에는 두 사람 모두의 흔적이 남아 있다.
Keyboard는 뮤지션에게 악기를 읽을 수 있게 만들었고 전자 avant-garde 일부에게는 논쟁거리가 되었다
가장 중요한 설계 결정 가운데 하나는 keyboard controller였다. Piano와 organ을 배운 연주자가 익숙한 물리적 배열을 통해 새로운 시스템에 접근할 수 있게 했고, 이 접근성은 Moog synthesizer가 대중음악 스튜디오로 들어가는 데 도움을 줬다.
동시에 다른 전자 인터페이스보다 악기를 더 전통적으로 보이게 만들었다. Buchla의 시스템은 piano keyboard를 명백한 중심에 두지 않은 채 발전한 것으로 유명하며, 이는 새로운 전자 사운드가 오래된 악기 습관을 물려받아야 하는가에 대한 다른 철학을 반영했다.
이 차이는 종종 East Coast와 West Coast synthesis 사이의 단순한 라이벌 구도로 바뀐다. 실제 역사는 더 유용하다. 서로 다른 공동체의 설계자들이 사용자가 누구일지에 대한 서로 다른 가정을 갖고 비슷한 문제를 해결하고 있었다.
Moog의 keyboard interface가 modular synthesizer를 쉬운 악기로 만든 것은 아니다. 초기 일반 구성은 여전히 monophonic이었고 patching은 복잡했으며, 같은 소리를 다시 만들려면 세심한 기록이 필요할 수 있었다. Keyboard가 제공한 것은 진입점이었다. 뮤지션은 손가락 아래에서 pitch control이 반응하는 것을 듣고, 그 다음 envelope, filter, oscillator, modulation을 탐색할 수 있었다. 미래가 조금 덜 추상적으로 변한 것이다.
Wendy Carlos는 영화가 모든 돌파구의 완전한 역사가 될 수 없더라도 Moog 역사에서 필수적이다
1968년 Wendy Carlos의 Switched-On Bach가 거둔 거대한 성공은 Moog modular system이 한 장의 상업 음반 전체를 지탱할 수 있음을 보여줬고, 실험음악 바깥의 청취자에게 synthesizer 사운드를 소개하는 데 큰 역할을 했다. Moog 악기의 진지한 역사는 이 성취를 빼놓을 수 없다.
하지만 영화의 초상 중심 구조는 악기의 명성을 바꾼 모든 아티스트를 빠짐없이 다루는 백과사전식 역사로 구성되어 있지 않다. 전자음악 백과사전을 기대하는 관객에게는 답답할 수 있다.
페이지가 그 빈틈을 보완한다면 이 제한은 오히려 유용하다. RetroForge는 한 편의 70분짜리 다큐멘터리에게 모든 가지를 떠맡기기보다 Switched-On Bach, Carlos, 더 넓은 전자 녹음의 발전으로 바깥쪽 링크를 만들 수 있다. 핵심 역사적 사실은 Moog의 발명이 뮤지션이 매력적인 사용법을 발견했기 때문에 문화적으로 중요해졌다는 점이다. 발명가는 가능성을 만들고, 음반은 인지도를 만든다. 모든 유명 녹음이 동등한 시간을 받지 않더라도 이 둘의 관계는 영화의 밑바탕에 흐르는 주제다.
Keith Emerson은 스튜디오 시스템을 progressive-rock theatre 일부가 될 만큼 거대한 무대 오브제로 바꿨다
Keith Emerson은 영화에서 RetroForge의 기존 progressive-rock 자료로 이어지는 가장 분명한 다리 가운데 하나다. Emerson, Lake & Palmer에서 그가 Moog system을 사용한 방식은 modular synthesis를 관객이 들을 뿐 아니라 볼 수 있는 것으로 바꿨다.
초기 전자 악기는 studio, 대학, tape composition과 자주 연결됐기 때문에 이 점이 중요했다. 록 무대 위의 거대한 modular system은 소리를 내기 전부터 외형만으로 미래적으로 보였다. Patch cable과 높은 cabinet은 복잡성을 시각적으로 광고했다.
이 관계는 Moog에게 상업적으로도 상징적으로도 도움이 됐다. 주요 투어 뮤지션이 악기를 대중적 스펙터클 안으로 넣었고, Moog와 엔지니어는 원래 견디도록 설계되지 않았던 라이브 환경에서 섬세한 전자 시스템을 사용하려는 사람의 피드백을 받았다.
Rick Wakeman은 Moog가 얼마나 빨리 한 작곡가의 실험실에서 키보드 arsenal의 한 부분으로 변했는지 보여준다
Rick Wakeman은 전혀 다른 앙상블 맥락에서 synthesizer를 사용했다. Yes에서는 편곡에 따라 piano, organ, Mellotron, synthesizer 사이를 이동해야 했다. 따라서 Moog는 연주자 전체를 정의하는 유일한 악기라기보다 더 넓은 keyboard orchestration 안의 한 색깔이 된다.
이 사용법은 synthesizer 신화가 전자 악기를 오래된 keyboard를 대체하는 존재로 다루는 경우가 많기 때문에 역사적으로 중요하다. Progressive rock에서는 오히려 함께 작동한다. Hammond organ은 한 종류의 지속적인 화성적 힘을 제공하고, Mellotron tape sound는 또 다른 orchestral texture를 더하며, piano는 타악기적 선명함을 준다. Minimoog나 modular system은 다른 악기로 만들 수 없는 lead tone을 낼 수 있다.
Bernie Worrell은 Moog 역사를 백인 progressive rock 안에만 남겨두는 것을 불가능하게 만든다
Bernie Worrell의 존재는 필수적이다. 대중음악 속 synthesizer 역사는 progressive rock만으로 제대로 설명할 수 없기 때문이다. Parliament-Funkadelic과의 작업은 전자 keyboard를 funk 안에 배치했고, 그 방식은 후대 hip-hop, electro, 대중음악 프로덕션의 기반이 됐다.
이 음악 언어에서는 악기가 다르게 행동한다.
Moog bass line은 미래적인 장식이 아니라 groove의 중심이 될 수 있다. Synthesizer texture는 orchestra를 대신하거나 classical composition을 확장하는 대신 rhythm guitar, horn, layered vocal과 상호작용할 수 있다.
Jean-Jacques Perrey와 Gershon Kingsley는 synthesizer가 진지함의 상징이 되기 전부터 전자음악에 유머가 있었음을 상기시킨다
전자음악 역사는 지나치게 엄숙해지기 쉽다. 연구실, oscillator, 학술 스튜디오, 미래주의적 선언은 선구자들이 평생 인간과 기계의 관계만 논의한 것처럼 보이게 만든다. Jean-Jacques Perrey와 Gershon Kingsley는 다른 전통을 보여준다.
이들의 작업은 장난스러운 편곡, tape experimentation, 기억하기 쉬운 melody, 전자 사운드를 부끄러움 없이 오락으로 만드는 태도를 받아들였다. Kingsley의 "Popcorn"은 specialist culture 밖으로 빠져나간 가장 유명한 전자 멜로디 중 하나가 됐다.
이 점은 novelty와 innovation이 반대말이 아니기 때문에 중요하다. 재미있는 소리 하나가 수백만 청취자에게 전자음이 음악에 속할 수 있다는 사실을 가르칠 수 있다. 간단한 hook이 기술적으로 더 급진적인 작곡보다 문화적으로 더 멀리 퍼질 수도 있다.
영화의 영적 언어가 흥미로운 이유는 Moog가 악기를 죽은 기계로 생각하지 않았기 때문이다
Robert Moog는 악기, 뮤지션, 설계 사이에 존재하는 어떤 연결감이나 직관에 대해 자주 이야기했다. 엔지니어를 다루는 다큐멘터리에서는 예상 밖으로 신비롭게 들릴 수 있다. 그렇다고 지나치게 확대 해석해서는 안 된다.
Moog가 전자공학을 버리고 마법을 택한 것은 아니다. 물리적 인터페이스와 뮤지션이 악기가 자연스럽게 반응한다고 느끼는 감각 사이의 측정하기 어려운 관계를 설명하려 했던 것이다.
악기 제작자는 이 문제를 잘 안다. 기술적으로 비슷한 능력을 가진 두 기기도 control, 저항감, 배치, feedback 때문에 한쪽이 훨씬 더 표현적인 행동을 유도할 수 있다. Moog의 영적 어휘는 부분적으로 이런 embodied relationship을 설명하기 위한 언어로 읽을 수 있다.
Minimoog는 휴대성 문제를 해결했고, 의도치 않게 synthesis를 평범한 투어 악기로 만드는 데 도움을 줬다
대형 modular system은 비싸고 이동하기 어려우며 patch에 시간이 많이 걸렸다. 1970년 무렵 Moog 회사 팀이 개발한 Minimoog는 중요한 기능을 고정 signal path를 가진 휴대형 악기 안으로 통합했다. 단순히 작은 modular system이 아니었다.
고정된 구조가 행동을 바꿨다. 뮤지션은 control에 빠르게 접근하고, 세팅 시간을 줄이며, 거대한 cabinet 벽을 옮기지 않고도 studio와 stage 사이에서 악기를 이동할 수 있었다. Minimoog는 특히 lead와 bass sound에서 중요해졌는데, 그 interface가 직접적인 연주를 장려했기 때문이다.
이 발전은 엔지니어링이 장르 역사에 영향을 미친 가장 분명한 사례 가운데 하나다. Progressive-rock keyboardist, funk player, 후대 electronic musician은 full modular setup이라면 비현실적인 환경에서도 synthesis를 사용할 수 있게 됐다.
Moog의 비즈니스 역사는 전면 패널의 성을 곧바로 개인의 연속적인 통제와 동일시하지 못하게 한다
Robert Moog의 이름은 그가 회사와 브랜드에 맺은 관계가 크게 변한 시기에도 제품에 남았다. 비즈니스 압력, 소유권 변화, 혁신적 악기 회사를 지속 가능하게 운영하는 어려움은 한 발명가가 계속 자기가 원하는 것만 만들었다는 낭만적 이미지를 복잡하게 만든다.
영화가 Moog가 세상을 떠나기 불과 1년 전에 공개됐기 때문에 차분한 현재형 대화가 유난히 귀중해졌다
Robert Moog는 Fjellestad의 다큐멘터리가 나온 다음 해인 2005년 8월 세상을 떠났다. 그래서 영화는 거의 즉시 그의 대표적인 후기 생애 초상 가운데 하나가 됐다.
가치는 촬영 당시 누구도 그것을 알지 못했다는 데 있다.
이 다큐멘터리는 "synthesizer의 역사"보다 한 사람의 초상으로 이해하는 편이 낫다
Gary Hustwit의 현재 설명은 매우 정확하다. Moog는 창작 가능성을 연 악기를 만든 선구자 Robert Moog의 이야기다. 한 사람이 모든 synthesis를 발명했다고 주장하지 않는다.
감상 및 소장 메모
70분짜리 2004년 장편을 기준 작품으로 사용한다. 이를 전자 합성의 완전한 역사보다 Robert Moog에 대한 친밀한 초상으로 소개하고, 초기 Moog modular system 개발에서 Herb Deutsch의 문서화된 역할을 유지할 것.