Płyta
W skrócie
- Artysta
- Renaissance
- Wydany
- Październik 1973
- Album
- Czwarty album studyjny
- Oryginalne utwory
- Sześć
- Gitarzysta gościnny
- Andy Powell
- Producent
- Renaissance i Dick Plant
Dlaczego jest ważny
Klasyczny skład odnajduje trwałą tożsamość studyjną
Ashes Are Burning to płyta, na której Renaissance epoki Haslam staje się kompletnym zespołem. Prologue ustanowił Annie Haslam, Johna Touta, Jona Campa i Terence'a Sullivana wokół pisarstwa Michaela Dunforda i Betty Thatcher, lecz Dunford nadal pozostawał głównie poza składem wykonawczym. Jego powrót na gitarze akustycznej daje albumowi z 1973 roku pięcioosobową równowagę, która określi najbardziej znany okres grupy.
Album ustanawia też odrębną alternatywę dla rocka progresywnego prowadzonego przez gitarę. Fortepian Touta i bas Campa często niosą siłę, którą inny zespół powierzyłby gitarze elektrycznej. Dunford zapewnia rytmiczną i harmoniczną definicję na instrumentach akustycznych, Sullivan nadaje długim formom fizyczny kształt, a Haslam czyni melodię tekstową wydarzeniem pierwszego planu.
Sześcioutworowy projekt jest kluczowy. Can You Understand? i piosenka tytułowa zapewniają duże formy, lecz Let It Grow oraz Carpet of the Sun pokazują równie dobre opanowanie zwartego pisarstwa. On the Frontier wprowadza kompozycję innego autora, a At the Harbour tworzy samodzielną scenę oprawioną Debussym.
Elektryczne solo Andy'ego Powella w Ashes Are Burning ma siłę właśnie dlatego, że gdzie indziej gitara elektryczna jest wstrzymywana. Album buduje hierarchię instrumentalną i łamie ją w końcowej kulminacji. Ten jeden występ gościnny nie czyni Powella członkiem zespołu; daje finałowi barwę, której ustalony skład celowo nie używał.
Przemiana 1973
Michael Dunford wraca, gdy kształtuje się pięcioosobowy skład
Historia składu zaczyna się od Prologue. Na początku 1973 roku gitarzysta Rob Hendry odszedł, a Michael Dunford wrócił gościnnie na gitarze akustycznej. Dunford stał się już centralny dla współpracy kompozytorskiej z autorką tekstów Betty Thatcher, a jego powrót ku wykonawstwu zbliżył piosenki do składu, który je aranżował.
Renaissance pracował w De Lane Lea Studios w Wembley z etatowym realizatorem Dickiem Plantem. Plant i zespół wspólnie produkowali, a Richard Goldblatt asystował. Współpraca była na tyle ważna, że Plant kontynuował pracę z grupą przy kolejnym albumie studyjnym.
Sesje przyniosły sześć utworów, nie jeden ciągły koncept. Większość muzyki przypisano Dunfordowi, a Thatcher dostarczyła słowa. On the Frontier jest wyjątkiem: były członek Renaissance Jim McCarty napisał muzykę, a jego zespół Shoot również wydał wersję w 1973 roku.
Richard Hewson zaaranżował smyczki w Can You Understand? i Carpet of the Sun. Andy Powell z Wishbone Ash zagrał elektryczne solo gitarowe w utworze tytułowym. Ich wkład to dodatki przypisane konkretnym utworom do podstawowej aranżacji stworzonej przez Renaissance.
Sovereign wydała Ashes Are Burning w październiku 1973 roku, a w Ameryce Północnej uczestniczyła Capitol. Do premiery Dunford ponownie dołączył do składu wykonawczego, dopełniając zespół słyszany w następnym etapie katalogu Renaissance.
Wyłaniająca się klasyczna piątka
Zespół prowadzony przez fortepian i bas z dwoma decydującymi gośćmi
Haslam śpiewa klarownie zarówno w skali intymnej, jak i ceremonialnej. Let It Grow zależy od rozmownego ciepła; At the Harbour potrzebuje dystansu i powściągliwości; utwór tytułowy wymaga wzniesienia się przez długie narastanie zespołu bez utraty kształtu słów.
Klawisze Touta zapewniają znaczną część architektury albumu. Fortepian może wypowiedzieć zapożyczoną melodię filmową, tworzyć szybki ruch instrumentalny, oprawiać zatopioną katedrę Debussy'ego lub budować piosenkę tytułową ku rozwiązaniu wspartemu organami. Jego rola zmienia się z każdą kompozycją.
Camp traktuje bas jako głos melodyczny i rytmiczny. W Can You Understand? pomaga długim partiom instrumentalnym zachować kierunek; w krótszych piosenkach dostarcza ruchu pod gitarą akustyczną; w Ashes Are Burning jego powtarzane figury zmieniają czas trwania w rosnącą presję.
Sullivan jest oszczędny, lecz nigdy tylko dekoracyjny. Gong, narastanie talerzy i zmiany gęstości perkusji zapowiadają progi strukturalne. Jego powściągliwość jest jednym z powodów, dla których miękkie piosenki zachowują równowagę, a kulminacje wydają się zasłużone.
Gitara akustyczna Dunforda łączy komponowanie z wykonaniem. Bicie strun daje małym piosenkom dotykowy ruch, a powtarzane wzory stabilizują większe aranżacje. Powell wchodzi dopiero wtedy, gdy utwór tytułowy stworzył wystarczającą przestrzeń, by elektryczna gitara prowadząca zabrzmiała naprawdę wyjątkowo.
Smyczki Hewsona są podobnie kontrolowane. Wzbogacają Can You Understand? i Carpet of the Sun, lecz album nie używa ich jako stałej pieczęci powagi. Grupa sama potrafi tworzyć skalę z fortepianu, organów, basu, perkusji i warstwowych głosów.
Brzmienie i konstrukcja
Akustyczna klarowność, melodyjny dół i starannie dawkowana skala
Podstawowe brzmienie płyty jest otwarte. Gitara akustyczna, fortepian i bas zachowują osobne ataki, pozwalając słuchaczom usłyszeć budowę aranżacji. Nawet największe partie wyrastają z odrębnych linii, zamiast zaczynać jako niezróżnicowana ściana.
Can You Understand? przeplata piosenkę, konstrukcję instrumentalną i barwę orkiestrową. W aranżacji pojawia się melodia kojarzona z muzyką Maurice'a Jarre'a do Doktora Żywago. Nazwanie zapożyczenia ma znaczenie, bo nie jest to anonimowa rosyjska melodia tradycyjna.
Let It Grow zmniejsza skalę do akustycznego pulsu, detalu fortepianu i wokalnego zaproszenia. Krótsza forma nie porzuca złożoności; drobne zwroty harmoniczne i ruch basu utrzymują powtarzany refren przy życiu.
On the Frontier ma mocniejszą tożsamość grupowego wokalu. Współprowadząca obecność Campa i kompozycja McCarty'ego odróżniają utwór od piosenek Dunforda i Thatcher, podczas gdy aranżacja zespołu wchłania go w język klawiszy i rytmu albumu.
Carpet of the Sun włącza smyczki Hewsona do zwartej piosenki. Orkiestracja oprawia melodię, zamiast otwierać osobny epizod symfoniczny, pokazując ekonomię, którą Renaissance później rozciągnie na dłuższe dzieła.
At the Harbour wykorzystuje na granicach fragmenty La cathédrale engloutie Debussy'ego. Fortepian Touta tworzy obraz wynurzania i cofania; środkowa piosenka Renaissance zajmuje ludzką przestrzeń między klasycznymi ramami.
Utwór tytułowy zaczyna od przestrzeni do oddychania, następnie dodaje organy, ciężar sekcji rytmicznej, powtarzane wzniesienie wokalu i w końcu gitarę elektryczną Powella. Jedenaście minut ma kierunek, bo każdy zasób pojawia się na innym etapie.
Produkcja zachowuje kontrast dynamiczny. Ciche partie akustyczne nie są wypychane do tego samego pozornego rozmiaru co kulminacje, a końcowe solo gitarowe pozostaje szorstkie wobec zaokrąglonych powierzchni klawiszy, smyczków i głosów.
Przewodnik po utworach
Sześć piosenek, sześć różnych funkcji dramatycznych
Can You Understand?
Otwarcie zaczyna się w wielkiej skali: fortepian, bas, perkusja i smyczki budują argument instrumentalny, zanim Haslam stanie się punktem skupienia. Aranżacja sprawia, że zrozumienie brzmi jak cel podróży, nie proste pytanie.
W pisarstwie instrumentalnym Renaissance wykorzystuje melodię z Tonya and Yuri Arrive at Varykino z muzyki Maurice'a Jarre'a do Doktora Żywago. Cytat zapewnia szeroki, zimowy liryzm, a Tout i Camp przekształcają jego ciężar wewnątrz zespołu rockowego.
Smyczki Hewsona wzmacniają przejścia, zamiast zastępować zespół. Bas Campa pozostaje wyjątkowo słyszalny, a Sullivan daje długim sekcjom rozpęd przez zmienne akcenty i gęstość.
Powrót materiału wokalnego po rozwoju instrumentalnym nadaje piosence kolistość bez statyczności. Trwając prawie dziesięć minut, przedstawia metodę albumu: wyraźna melodia może wspierać znaczną podróż formalną.
Let It Grow
Gitara akustyczna i lżejszy puls natychmiast zmniejszają przestrzeń. Haslam śpiewa zaproszenie, nie dramatyczną narrację, a powtarzana fraza tytułowa nadaje utworowi bezpośredniość.
Tout ozdabia bez przejmowania kontroli, a bas Campa dyskretnie nie pozwala harmonii osiąść w przewidywalności piosenki folkowej. Sullivan utrzymuje sprężystość rytmu i pozostawia przestrzeń wokół głosu.
Pozycja piosenki ma znaczenie strukturalne. Po rozbudowanych partiach instrumentalnych otwarcia cztery zwarte minuty dowodzą, że tożsamość zespołu przetrwa bez długości suity i gościnnych smyczków.
Język uprawy i wspólnego wysiłku wprowadza odnowę jako powracający temat albumu, lecz utwór pozostaje osobną piosenką, nie rozdziałem większej fabuły.
On the Frontier
Muzyka Jima McCarty'ego i słowa Betty Thatcher tworzą jedyną kompozycję spoza Dunforda na pierwotnym LP. Zespół McCarty'ego Shoot również wydał piosenkę w 1973 roku, nadając jej życie poza Renaissance.
Camp dzieli główny wokal, dodając niższą i mocniejszą barwę obok Haslam. Wymiana sprawia, że granice i odejście brzmią społecznie, nie wyłącznie wewnętrznie.
Aranżacja jest mocniejsza i bardziej rytmicznie bezpośrednia niż Let It Grow. Fortepian i bas poruszają się jako aktywne głosy, a wokale grupowe poszerzają refren.
Zamykając pierwszą stronę, utwór nie pozwala jej rozwiązać się w jednym trybie emocjonalnym. Słuchacz przechodzi od pytania w dużej formie przez intymność do progu.
Carpet of the Sun
Drugą stronę otwiera najbardziej zwarta orkiestrowa piosenka albumu. Akustyczny wzór Dunforda, smyczki Hewsona i fortepian Touta tworzą ciepło, nie spowalniając ruchu naprzód.
Melodia Haslam wznosi się czysto nad aranżacją, lecz skuteczność utworu zależy od równowagi. Smyczki odpowiadają i wspierają, zamiast stale dublować głos.
Camp i Sullivan utrzymują fizyczną lekkość piosenki. Ich powściągliwość pozwala orkiestracji lśnić zamiast ciążyć.
Trwające niewiele ponad trzy minuty Carpet of the Sun dowodzi, że Renaissance potrafił skupić symfoniczny słownik w formie piosenki. Działa jako wejście, nie miniaturowa wersja późniejszej kulminacji.
At the Harbour
Tout otwiera materiałem z preludium fortepianowego Claude'a Debussy'ego La cathédrale engloutie, Zatopiona katedra. Cytat tworzy głębię, bezruch i powolne wynurzanie przed rozpoczęciem własnej piosenki zespołu.
Gitara akustyczna Dunforda i wyważony wokal Haslam przenoszą scenerię od impresjonistycznego obrazu do ludzkiej obserwacji. Port staje się miejscem czekania, odejścia i niepewnego powrotu.
Środkowa aranżacja jest celowo oszczędna wobec otaczających utworów. Każde wejście basu, akord fortepianu i akcent perkusji zmieniają presję emocjonalną.
Debussy wraca na końcu, pozwalając prywatnej piosence cofnąć się w większy obraz, który ją oprawiał. Konstrukcja nie jest przypadkową klasyczną ozdobą; cytat określa granice kompozycji.
Ashes Are Burning
Utwór tytułowy zaczyna się od powtarzanego ruchu klawiszy i sekcji rytmicznej, pozostawiając Haslam przestrzeń na wprowadzenie obrazów zniszczenia i odnowy Thatcher. Skala rozwija się cierpliwie, zamiast ogłaszać epicki charakter od pierwszego taktu.
Organy Touta zwiększają pionowy ciężar, a bas Campa staje się silnikiem przypominającym głos prowadzący. Sullivan buduje gęstością talerzy i perkusji, sprawiając, że długie wznoszenie brzmi jak wykonane, nie zmontowane.
Powroty wokalu zyskują siłę, ponieważ akompaniament zmienia się wokół nich. Fraza tytułowa przechodzi od obserwacji ku wspólnemu uwolnieniu, gdy wokale wspierające i organy poszerzają pole.
Elektryczne solo Andy'ego Powella jest decydującym wyjątkiem barwowym albumu. Długa, tnąca linia wchodzi po tym, jak zespół akustyczno-klawiszowy określił płytę, dlatego elektryczność brzmi jak zapłon, nie rutynowe instrumentarium.
Wersja studyjna zamyka sześcioutworową sekwencję w nieco ponad jedenaście minut. Późniejsze koncerty dramatycznie ją wydłużą, lecz oryginał zwycięża proporcją: wprowadzeniem, wzniesieniem wokalu, uwolnieniem instrumentalnym i skupionym gościnnym solo.
Obrazy odnowy domykają album, nie zmieniając wszystkich wcześniejszych piosenek w jedną historię. Zrozumienie, wzrost, progi i strata przygotowały słownik emocjonalny; finał daje tym ideom wspólną fizyczną kulminację.
Sześć perspektyw lirycznych
Zrozumienie, wzrost, odejście i odnowa
Ashes Are Burning nie jest ciągłym albumem koncepcyjnym. Jedność pochodzi z powracających zagadnień i stałego zespołu, nie z jednego narratora lub chronologicznej fabuły.
Zrozumienie przedstawiono jako aktywny proces. Pytanie otwarcia wymaga muzycznej podróży, a Let It Grow wyobraża rozwój przez uczestnictwo. Żaden utwór nie oferuje pewności jako statycznej odpowiedzi.
Granice łączą trzeci utwór albumu z At the Harbour. Jedna piosenka stoi na progu społecznym i psychicznym; druga obserwuje odejście w scenerii morskiej. Ich muzyka różni się, ponieważ różne są akty czekania.
Obrazy natury niosą przemianę. Wzrost, słońce, woda portowa i płonący popiół nie są wymiennymi ozdobami. Każdy daje Thatcher inny sposób pisania o ludzkiej zmianie bez sprowadzania tekstu do dosłownego reportażu.
Piosenka tytułowa łączy zniszczenie z odnową. Długie crescendo czyni paradoks fizycznym: nagromadzona energia muzyczna osiąga punkt zapłonu, a gościnna gitara zmienia zakończenie w uwolnienie, nie ciche rozwiązanie.
Klasyczne odniesienia albumu również służą znaczeniu. Rozległa melodia filmowa Jarre'a czyni poszukiwanie w otwarciu odległym i panoramicznym; zatopiona katedra Debussy'ego sprawia, że port wydaje się starszy i większy niż postacie wewnątrz.
Portrety Hipgnosis
Cztery ziarniste portrety i jeden nieobecny nowy członek
Hipgnosis zaprojektował i sfotografował gatefold. Przód rozmieszcza ziarniste obrazy Annie Haslam i Terence'a Sullivana na rozkładówce; odpowiadające obrazy z tyłu przedstawiają Johna Touta i Jona Campa.
Faktura fotograficzna unika wypolerowanej wielkości, którą mogłaby sugerować muzyka. Muzycy wyglądają jak niestabilnie uchwycone obrazy, nadając opakowaniu przejściowy i intymny charakter.
Michael Dunford nie pojawia się wśród czterech portretów, ponieważ jego powrót do wykonawstwa i przygotowanie okładki nie zbiegły się dokładnie. Pominięcie dokumentuje zmianę składu; nie należy go czytać jako dowodu muzycznej nieważności.
Format gatefold czyni przód i tył częścią jednej wypowiedzi o składzie. Mała miniatura cyfrowa zwykle uprzywilejowuje Haslam i Sullivana, a pełny obiekt ujawnia kwartet, który rozpoczął sesje przed pełnym widocznym powrotem Dunforda.
Późniejsze wydania mogą dodawać noty lub zmieniać prezentację, lecz pierwotny projekt pozostaje historycznie wymowny: brzmienie klasycznej piątki pojawia się wewnątrz oprawy, która nadal przedstawia cztery osoby.
Październik 1973
Październik 1973 jako most do szerszej publiczności
Ashes Are Burning ukazał się w październiku 1973 roku jako czwarty album studyjny Renaissance ogółem i druga płyta studyjna formacji epoki Haslam. Sovereign wydała go w Wielkiej Brytanii, a w Ameryce Północnej pojawiły się marki Sovereign i Capitol.
Album dał słuchaczom zarówno przystępne piosenki, jak i długie formy. Carpet of the Sun oferował zwarte wejście, a Can You Understand? i utwór tytułowy pokazywały, jak grupa potrafi podtrzymać melodię w rozbudowanych aranżacjach.
Odbiór rozwijał się mocno w Stanach Zjednoczonych, którym zespół poświęcał coraz więcej uwagi koncertowej. Znaczenie płyty lepiej rozumieć przez rosnącą publiczność i życie sceniczne niż przez przesadzone twierdzenia o natychmiastowym masowym sukcesie.
Opisy krytyczne często podkreślają mieszankę klasyki, folku i rocka. Sam album pokazuje, dlaczego etykiety osobno są niepełne: cytat, aranżacja smyczków, akustyczny rytm, napęd basu, wokale grupowe i jedno elektryczne solo gitarowe pełnią różne zadania w różnych piosenkach.
Utwór tytułowy stał się najwyraźniejszym publicznym symbolem płyty, lecz równowaga pierwotnego LP zależy od wszystkich sześciu kompozycji. Traktowanie go wyłącznie jako jedenastominutowego finału pomija zwarte pisarstwo i scenę portową, które umożliwiają jego skalę.
Utwór tytułowy rośnie
Koncertowy filar i fundament katalogu
Album jest dziś fundamentem klasycznego katalogu Renaissance. Dopełnia skład, ustala podział między pisarstwem Dunforda i Thatcher a wspólną aranżacją oraz ustanawia zakres dynamiczny, który późniejsze albumy powiększą.
Ashes Are Burning stał się trwałym finałem koncertowym. Wykonania na żywo często wydłużały instrumentalne zamknięcie, dając Campowi, Toutowi, Sullivanowi i późniejszym gościom więcej przestrzeni niż sekwencja studyjna.
To późniejsze życie może sprawiać, że oryginał brzmi zwięźle, lecz zwięzłość jest jedną z jego zalet. Solo Powella pojawia się szybko i pozostawia niezatarte zabarwienie; utwór studyjny ma kształt, który dwudziestominutowy bis celowo zastępuje wspólną ekspansją.
Can You Understand?, Carpet of the Sun i At the Harbour również pozostały punktami odniesienia dla różnych stron zespołu: długiego pisarstwa zespołowego, zwartej piosenki orkiestrowej i atmosfery oprawionej klasyką.
Turn of the Cards i Scheherazade and Other Stories zwiększą skalę kompozycyjną i orkiestrową. Ashes Are Burning różni się tym, że jego zasoby są nadal dawkowane. Smyczki pojawiają się w dwóch utworach, elektryczna gitara prowadząca w jednym, a cisza pozostaje częścią aranżacji.
Rezultat nie jest wczesnym szkicem późniejszej wielkości. To kompletne rozwiązanie oparte na kontraście, a najbardziej znany skład nigdy ponownie nie zabrzmi tak blisko chwili powstania.
Które wydanie?
Najpierw pierwotny album, potem występ BBC
Zacznij od sześcioutworowej sekwencji LP. Przełamanie strony umieszcza Carpet of the Sun przed ciemniejszą sceną portową i długim finałem tytułowym, tworząc na drugiej stronie przejście od światła przez bezruch do uwolnienia.
Sprawdź, czy Can You Understand? i At the Harbour zachowują pełne otwarcia i zakończenia. Te ramy instrumentalne są strukturalnymi częściami kompozycji, nie opcjonalnymi preludiami.
Wydanie Esoteric z 2019 roku zremasterowano z pierwotnych taśm Sovereign, odtworzono pierwotną oprawę i dodano zestaw BBC Radio One In Concert z 1974 roku. Materiał koncertowy należy umieścić po albumie studyjnym.
Użyj występu BBC, by usłyszeć, jak nowo skonsolidowany zespół przełożył Can You Understand?, Let It Grow i Ashes Are Burning na scenę. To zwarty punkt porównawczy z epoki, nie zamiennik sekwencji studyjnej.
Porównując późniejsze koncertowe wersje utworu tytułowego, odróżniaj ekspansję od korekty. Dłuższe sola i reakcje publiczności ujawniają elastyczność kompozycji, a master z 1973 roku zachowuje starannie dawkowane oddziaływanie gitary elektrycznej na albumie.
Ścieżka słuchania
Usłysz, jak zespół się rozszerza, nie tracąc intymności
- Pierwsze przejście: Posłuchaj wszystkich sześciu pierwotnych utworów i zachowaj przełamanie strony przed Carpet of the Sun.
- Śledź Johna Touta: Podążaj za fortepianem i organami przez cytat Jarre'a, zwartą piosenkę, ramę Debussy'ego i końcowe crescendo.
- Śledź Jona Campa: Słuchaj basu jako melodii, napędu i kontrapunktu, nie wsparcia w tle.
- Zauważ dawkowanie: Rozpoznaj miejsca wejścia smyczków i poczekaj na jedyną elektryczną gitarę prowadzącą albumu.
- Potem przejdź do koncertu: Porównaj zestaw BBC z 1974 roku, a następnie późniejsze rozbudowane wykonanie Ashes Are Burning.
Ścieżka badawcza
Źródła i dalsza lektura
- Oficjalna dyskografia Renaissance — Renaissance
- Zapowiedź rozszerzonego wydania Ashes Are Burning — Esoteric Recordings
- Dokument wydania i kredytów Ashes Are Burning — MusicBrainz
- Kredyty Ashes Are Burning — AllMusic
- Historia Renaissance i sesje z 1973 roku — JazzRockSoul
- Dokument kredytów pierwotnego LP Ashes Are Burning — Clockwork Peach
- Analiza muzyczna At the Harbour — FOND/SOUND
- Analiza muzyczna Can You Understand? — Whiplash
- Cyfrowy katalog Ashes Are Burning — Capitol via Apple Music