*Quadrophenia* rozwiązuje problem filmowania rock opery, odmawiając zrobienia rock opery na ekranie
Quadrophenia The Who z 1973 roku jest zbudowana z piosenek, powracających motywów muzycznych i koncepcji Pete'a Townshenda dotyczącej Jimmy'ego, młodego moda, którego tożsamość zawiera cztery aspekty kojarzone z osobowościami członków The Who. Dosłowna adaptacja mogłaby stać się musicalem śpiewanym od początku do końca. Franc Roddam wybiera dramat. Phil Daniels gra Jimmy'ego jako młodego londyńczyka wykonującego pracę, której nienawidzi, biorącego tabletki, jeżdżącego skuterem, goniącego za relacjami i używającego kultury mod jako jedynego środowiska, w którym jego życie zdaje się mieć styl i sens.
Odrestaurowana, nieocenzurowana wersja Criterion trwa 120 minut. BFI używa tego samego czasu na poziomie dzieła, podczas gdy BBFC rejestruje oryginalną wersję kinową z 1979 roku jako 120 minut 26 sekund. Piosenki The Who pozostają niezbędne. Bohaterowie nie stoją jednak i nie wyśpiewują fabuły. Ta decyzja pozwala filmowi zapytać, czy wybrana przez Jimmy'ego tożsamość przetrwa kontakt ze zwykłym życiem.
Album z 1973 roku daje Jimmy'emu cztery wewnętrzne tożsamości; film daje tym konfliktom twarze, ulice i konsekwencje
Oficjalne archiwum The Who wyjaśnia tytuł przez cztery aspekty Jimmy'ego powiązane z czterema członkami zespołu. Taka struktura działa muzycznie, ponieważ motywy mogą powracać i zderzać się ze sobą. Film potrzebuje innej strategii. Roddam i scenarzyści uzewnętrzniają konflikt poprzez przyjaźnie, rodzinę, pracę, seks, przemoc, tabletki i zmieniającą się relację Jimmy'ego ze sceną mod. Nie należy więc oceniać filmu według tego, czy każda idea z albumu otrzymuje dosłowny ekranowy odpowiednik. Adaptacja wybiera. Konceptualne wnętrze Townshenda staje się realizmem społecznym. To, co na płycie było częściowo psychologiczne, na ekranie staje się zachowaniem. Ta zmiana nie jest uproszczeniem. Jest tłumaczeniem.
Phil Daniels utrzymuje Jimmy'ego wystarczająco irytującym, by młodzieżowa alienacja nie stała się automatyczną moralną wyższością
Jimmy jest fascynującym protagonistą i często nieprzyjemnym człowiekiem. To połączenie ma znaczenie. Słabszy film uczyniłby dorosłych jednolicie nudnymi, rockerów jednolicie głupimi, a bunt Jimmy'ego dowodem, że rozumie życie głębiej. Daniels gra niepewność pod powierzchnią pewności siebie. Jimmy potrzebuje, by inni mods go uznawali. Potrzebuje ubrań, płyt, tabletek i skutera, aby utrzymać wersję samego siebie, którą chce widzieć. Dzięki temu subkultura staje się jednocześnie emocjonalnie użyteczna i niebezpieczna. Grupa może dawać przynależność. Przynależność staje się krucha, jeśli jednostka nie ma żadnej tożsamości poza grupą. Siła filmu polega na patrzeniu, jak Jimmy odkrywa to za późno.
Ubrania nie są dekoracją, bo tożsamość mod była częściowo budowana poprzez widzialną precyzję
Garnitury, parki, buty i fryzury funkcjonują jako kod społeczny. Dbałość o ubranie odróżnia mods od ogólnego młodzieżowego gangu. Styl staje się dyscypliną. Wydawanie pieniędzy na wygląd może być ekonomicznie nieracjonalne i społecznie niezbędne. Człowiek z nudną pracą może nocą stać się kimś innym, ponieważ ubranie ogłasza wybraną tożsamość, zanim rozpocznie się jakakolwiek rozmowa. To jeden z powodów, dla których film pozostaje tak atrakcyjny wizualnie. Nie traktuje mody jako powierzchownej warstwy wokół „prawdziwej” muzyki. Moda jest jedną z technologii, poprzez które kultura istnieje.
Skutery zmieniają mobilność w grupową choreografię
Skuter jest praktycznym środkiem transportu i obiektem subkulturowym. Lusterka, dodatki i personalizacja pozwalają zwyczajnym pojazdom stać się deklaracjami wizualnymi. Wspólna jazda zmienia ruch uliczny w procesję. Tworzy ruch, którego nieruchoma fotografia nie potrafi w pełni uchwycić. Grupa modów staje się tymczasowym publicznym zajęciem ulicy. Maszyna daje niezależność od rodziny i transportu publicznego, pozostając wystarczająco dostępna cenowo, by należeć do młodzieży, a nie elitarnej motoryzacji. W umyśle Jimmy'ego skuter jest częścią „ja”. Dlatego jego późniejsze uszkodzenie czy utrata znaczą emocjonalnie więcej niż problem z transportem.
Używanie amfetaminy jest częścią tempa subkultury i częścią rozpadu Jimmy'ego
Aktualna klasyfikacja BBFC wyraźnie odnotowuje używanie narkotyków w filmie. Tabletki nie są przypadkowym tłem. Pomagają podtrzymywać nocne życie, intensywność i modową mitologię szybkości. Film nie musi zmieniać się z tego powodu w wykład o zdrowiu publicznym. Pokazuje praktyczne konsekwencje. Energia staje się niestabilnością. Pewność siebie staje się przymusem. Subkultura zbudowana wokół kontroli wyglądu zawiera chemiczną drogę do utraty kontroli. Ta sprzeczność jest centralna dla upadku Jimmy'ego. Narkotyki nie wyjaśniają każdego problemu. Sprawiają, że istniejące problemy trudniej utrzymać w ryzach.
The Who nie występują jako fikcyjne postacie, bo film jest silniejszy, gdy Jimmy czci kulturę zamiast spotykać jej twórców
Rzeczywiści członkowie The Who nie grają głównych modowych bohaterów. Są głęboko zaangażowani za kulisami jako producenci wykonawczy i źródło muzyki. Ten dystans jest ważny. Cameo Pete'a Townshenda mogłoby zamienić rolę zespołu w celebryckie potwierdzenie. Zamiast tego The Who istnieją poprzez muzykę i historyczną mitologię. Jimmy należy do publiczności. To jeden z najbardziej wyrafinowanych aspektów adaptacji. Rock opera napisana przez słynny zespół staje się historią o tym, jak to jest być jednym z ludzi potrzebujących tego zespołu. Centrum przesuwa się z twórcy na odbiorcę.
Ace Face Stinga jest druzgocący, bo Jimmy odkrywa, że ikona ma pracę
Sting gra Ace Face'a, niemożliwie stylowego moda, którego Jimmy zauważa w Brighton. W tłumie Ace zdaje się uosabiać całkowitą subkulturową władzę. Później Jimmy spotyka go pracującego jako boy hotelowy. Odkrycie niszczy fantazję skuteczniej niż jakikolwiek wykład o klasie. Ace Face nie zdradził kultury mod tylko dlatego, że ma pracę. Jimmy pomylił występ ze stałą istotą. Najbardziej stylowa osoba w pokoju po weekendzie musi wrócić do zwykłej pracy. W jednym obrazie zawiera się cały argument filmu o dojrzewaniu. Subkultura potrafi tymczasowo przekształcić życie. Nie znosi poniedziałkowego poranka.
Obsada Stinga niemal natychmiast zyskała dodatkową warstwę, bo The Police stawali się sławni w chwili premiery filmu
W 1979 roku Sting nie był już nieznanym aktorem. The Police szybko rosło. Jego prawdziwa, wyłaniająca się tożsamość popowa sprawia, że charyzma Ace Face'a staje się łatwiejsza do uwierzenia. Późniejsza sława jeszcze wzmacnia efekt. Współcześni widzowie patrzą na przyszłą globalną gwiazdę grającą młodego człowieka, którego pozorna wspaniałość rozpada się w pracy usługowej. Ironia jest przypadkowa. Film i tak wykorzystuje ją znakomicie. Znaczenie archiwum zmienia się, gdy wykonawcy nadal mają kariery.
Steph Leslie Ash nie pozwala romantycznej fantazji Jimmy'ego stać się stabilną nagrodą, którą jego zdaniem styl życia powinien mu zapewnić
Steph jest częścią wyobrażenia Jimmy'ego o kompletnym życiu moda. Pożądanie splata się ze statusem. Chce dziewczyny częściowo dlatego, że należy ona do świata, który próbuje w pełni zamieszkać. Relacja nie podporządkowuje się jego fantazji. To ważne, ponieważ subkultura nie może zagwarantować bliskości po prostu przez organizowanie stylu. Jimmy wielokrotnie traktuje społeczną przynależność tak, jakby powinna przynieść emocjonalną pewność. Steph pozostaje odrębną osobą z własnymi wyborami. Porażka jest więc większa niż romantyczne odrzucenie. Jimmy odkrywa, że scena nie może rozpisać wszystkich innych wokół niego.
Obecność rockera Raya Winstone'a czyni rywalizujące plemię fizycznie groźnym, nie zamieniając rockerów w kompletną historię kontrkultury
Film słynie z konfliktu mods kontra Rockers. To sformułowanie może sprawić, że dwie grupy brzmią jak symetryczne ruchy polityczne. Są młodzieżowymi plemionami organizowanymi częściowo przez muzykę, styl, pojazdy i medialną tożsamość. Ray Winstone pojawia się we wczesnej roli jako część rywalizującego środowiska. Rockers są Jimmy'emu potrzebni, ponieważ opozycja pomaga definiować, czym jest mod. Wróg wyostrza przynależność. Film opowiedziany jest z perspektywy Jimmy'ego, dlatego nie należy go mylić ze zrównoważoną historią kultury rockerów. Rywale funkcjonują częściowo przez jego spojrzenie.
Brighton zmienia prasową panikę moralną w fizyczne kino
BFI nazywa film sugestywnym sfabularyzowanym zapisem weekendowych starć mods i rockers, które w połowie lat sześćdziesiątych wywołały sensacyjne nagłówki. Zamieszki z 1964 roku obejmowały prawdziwe aresztowania, obrażenia i zakłócenia porządku publicznego. Media rozdmuchały wydarzenia do skali narodowej paniki wokół młodzieży. Film odtwarza tę naładowaną przestrzeń poprzez tłumy, bieganie, policję i nadmorską promenadę. Daje widzom wersję tego, czego prasowe etykiety nie potrafią w pełni uchwycić. Ciała się poruszają. Grupy napierają. Indywidualne motywy stają się trudne do oddzielenia, gdy rozpoczyna się działanie zbiorowe. Film nie dowodzi, że każdy nagłówek był trafny. Pokazuje, dlaczego obrazy tak łatwo dawały się sensacyjnie sprzedać.
Oryginalna panika moralna jest częścią powodu, dla którego *Quadrophenia* nadal ma znaczenie dla historii subkultur
Późniejsza koncepcja „moral panic” socjologa Stanleya Cohena jest silnie związana z analizą mods i rockers. Film pojawia się piętnaście lat po starciach z 1964 roku, wystarczająco blisko, by wydarzenia wciąż pozostawały w żywej pamięci dorosłych, a jednocześnie wystarczająco daleko, by zdążyły stać się młodzieżową mitologią. Ten dystans jest idealny. Produkcja może rekonstruować epokę bez traktowania każdego twierdzenia prasowego jak faktu. Osobisty rozpad Jimmy'ego znajduje się wewnątrz historii kulturowej już zniekształconej przez media. Film zawiera więc dwa poziomy konstruowania tożsamości. Młodzi ludzie konstruują siebie. Gazety konstruują młodych ludzi.
Brighton jest wyzwoleniem, dopóki Jimmy nie odkrywa, że tłum go nie pamięta
Podczas weekendowego chaosu zwykłe zasady wydają się zawieszone. Tłum modów daje Jimmy'emu poczucie historycznej ważności. Później wydarzenie się kończy. Tłum się rozchodzi. Nie istnieje żadna stała wspólnota, która nagrodzi go za to, że tam był. To jedno z najokrutniejszych spostrzeżeń filmu. Masowe wydarzenia młodzieżowe mogą indywidualnie wydawać się definiujące życie, pozostając zbiorowo tymczasowe. Uczestnik zabiera pamięć do domu. Wydarzenie rusza dalej. Jimmy chce, by Brighton trwało, ponieważ zwykły Londyn jest nie do zniesienia. Brighton zawsze było weekendem.
Beachy Head zmienia zakończenie w dwuznaczność, a nie prostą karę
BFI podkreśla siłę finału na Beachy Head, miejscu obciążonym silnymi kulturowymi skojarzeniami, które sprawiają, że montaż filmu trzeba czytać szczególnie uważnie. Relacja między otwarciem i zamknięciem oraz obrazy skutera tworzą dwuznaczność wokół losu i przemiany Jimmy'ego, zamiast dostarczać prostej kary za złe zachowanie. Ważniejsze jest załamanie tożsamości: skuter, Ace Face i inne symbole mod zawiodły jako źródła stabilnego „ja”, którego Jimmy od nich oczekiwał. Film może więc skończyć się bez obdarzania go mądrością, pozostawiając mu bardziej bolesne osiągnięcie: utratę fantazji.
Soundtrack The Who działa emocjonalnie, a nie chronologicznie
Film używa muzyki z Quadrophenia obok utworów z epoki. Oficjalny soundtrack The Who, wydany w październiku 1979 roku, zawiera wybrane fragmenty albumu zremiksowane przez Johna Entwistle'a, trzy dodatkowe piosenki The Who nieobecne na pierwotnym LP oraz nagrania innych wykonawców z lat sześćdziesiątych. To osobny obiekt soundtrackowy. Nie odtwarza albumu z 1973 roku dokładnie. Film podobnie wykorzystuje muzykę do wspierania emocjonalnego stanu Jimmy'ego, zamiast zachowywać LP jako pełną sekwencję. Adaptacja zmienia soundtrack, ponieważ film zmienia opowieść.
Album soundtrackowy pokazuje, ile pracy wykonał John Entwistle, żeby stary koncept funkcjonował w nowym medium
Oficjalne archiwum The Who przypisuje Entwistle'owi remiks wybranego materiału na soundtrack filmowy i wskazuje "Get Out and Stay Out", "Four Faces" oraz "Joker James" jako dodatki poza sekwencją oryginalnego albumu z 1973 roku. Ta praca ma znaczenie, ponieważ adaptacje filmowe często ukrywają muzyczną postprodukcję za nazwą artysty źródłowego. Zamiast przekazać nietkniętą sześcioletnią taśmę-matkę, zespół wybrał i dostosował materiał do kina, a album soundtrackowy z 1979 roku zachowuje tę interwencję. Powinien stać obok oryginalnego LP Quadrophenia jako osobne wydanie epoki adaptacji, nie pod nim jako prosty duplikat.
Odrestaurowane, nieocenzurowane wydanie Criterion traktuje oryginalne stereo jako historię, nie przeszkodę dla współczesnego surround
Wydanie Criterion zatwierdzone przez reżysera zawiera oryginalną ścieżkę stereo 2.0 oraz nowy miks 5.1 przygotowany pod nadzorem z udziałem The Who. To wzorcowe projektowanie edycji. Współczesny widz może otrzymać większą immersję przestrzenną. Historyczny miks pozostaje dostępny. Jedno nie nadpisuje drugiego. Odrestaurowany cyfrowy transfer nadzorował autor zdjęć Brian Tufano, zapewniając dodatkową ciągłość wizualną z pierwotną produkcją. Tam, gdzie pozwalają region i dostępność, powinno to być domyślne wydanie fizyczne.
Film stał się czymś większym niż zwykła adaptacja, bo rzeczywista kultura mod revival przyjęła fikcyjną rekonstrukcję
W 1979 roku w Wielkiej Brytanii już trwało odnowione zainteresowanie stylem mod i związaną z nim muzyką. Quadrophenia jeszcze je wzmocniła. Tworzy to kolisty proces kulturowy. Film z 1979 roku rekonstruuje 1964 poprzez album z 1973. Młoda publiczność następnie wykorzystuje tę rekonstrukcję jako wpływ na rzeczywisty styl końca lat siedemdziesiątych i lat osiemdziesiątych. Historia staje się materiałem źródłowym nowej subkultury. Film nie jest już tylko o mods. Staje się jednym z powodów, dla których późniejsi mods wiedzą, jak wyglądać.
Film ma znaczenie, ponieważ rozumie różnicę między przynależnością a tożsamością
Jimmy ma grupę. To nie znaczy, że wie, kim jest. To rozróżnienie daje Quadrophenia trwałość wykraczającą poza nostalgię. Ubrania, skutery i muzyka mogą tworzyć realną wspólnotę. Film nigdy tego nie wyśmiewa. Problem zaczyna się, gdy Jimmy oczekuje, że wspólnota odpowie na każde pozostałe pytanie. Subkultura może nadać życiu kształt. Nie może przeżyć życia za niego.
Uwagi dotyczące oglądania i kolekcjonowania
Używaj 120-minutowej odrestaurowanej, nieocenzurowanej wersji, najlepiej transferu Criterion zatwierdzonego przez reżysera lub równoważnego współczesnego mastera. Oryginalny zapis kinowy BBFC wynosi 120m26s. Zachowaj album źródłowy z 1973 roku i filmowy soundtrack z 1979 roku osobno, ponieważ ten drugi zawiera zremiksowany materiał The Who, trzy dodatkowe utwory The Who i piosenki innych wykonawców z epoki.