On iki dönüm noktası gitarı, elektriğin şahane sorunlar çıkardığını keşfeden insanlarla dolu bir yüzyıl
Brad Tolinski ve Alan di Perna'nın Play It Loud kitabı elektro gitarı aynı anda birkaç şey olarak ele alır: endüstriyel ürün, görsel tasarım nesnesi, amplifikasyon aracı, ticari meta, statü sembolü ve popüler müziğin şimdiye kadar edindiği en güçlü simgelerden biri. Kitap erken amplifikasyondan Leo Fender'a, Les Paul'a, Stratocaster'a, blues'a, Beatles'a, Dylan'ın elektriğe geçişine, Hendrix'e, ağır rock'a, Eddie Van Halen'a, Japon üretimine ve sonraki gitar kültürüne uzanır; dönüm noktası niteliğindeki enstrümanlarla onların çevresindeki insanları kullanarak geniş tarihi gezilebilir hâle getirir. Doubleday tarafından 2016'da yayımlanan eser daha sonra Metropolitan Museum of Art'ın Play It Loud sergisine hem adını hem de kavramsal alanının önemli bölümünü sağladı. Bu bağlantı kitabın temel gücünü yakalar: elektro gitarlar yalnızca ses üreten makineler değildir. Biçimleri, malzemeleri, markaları ve ünlü kullanıcıları yirminci yüzyıl müziğinin yalnızca nasıl duyulduğunu değil, nasıl göründüğünü de değiştiren kültürel nesnelerdir.
Solid-body'den önce bile amplifikasyon gitarın işini değiştiriyordu
Elektro gitar Telecaster, Stratocaster veya Les Paul ile başlamadı. Solid-body enstrümanlar rock ikonlarına dönüşmeden çok önce jazz, Hawaii müziği ve başka topluluk ortamlarındaki gitaristler pratik bir sınırlamayla karşı karşıyaydı: akustik projeksiyon. Üflemeliler ve davullar gitarı bastırabiliyor, icracıları tek notalı çizgileri ve ritmik ayrıntıları daha yüksek sesle duyurmanın yollarını aramaya itiyordu. Pickup'lar ve amplifiye archtop gitarlar, rock and roll kültürel kategori olarak var olmadan önce enstrümanın müzikal rolünü değiştirmeye başlamıştı.
Tolinski ve di Perna'nın daha geniş kronolojisi yararlıdır; çünkü sonraki rock mitolojisi elektro gitarı sanki başkaldırı için özel olarak tasarlanmış gibi gösterebilir. Gerçekte amplifikasyon, müzisyenlerin sıradan performans sorunlarını çözmeye çalışmasından doğdu. Ancak ses elektrik sinyaline dönüştürülebildiğinde tasarımcılar çok daha geniş bir alan kazandı; geleneksel rezonans gövdesi artık enstrümanın merkezî mühendislik ilkesi olarak kalmak zorunda değildi. Bu değişim daha sonra Fender, Gibson ve birçok başkasının dolduracağı tasarım alanını yarattı.
Rickenbacker'ın "Frying Pan"i modern gitar biçiminin hiçbir zaman kaçınılmaz olmadığını gösteriyor
Ticari olarak başarılı erken elektro gitarlar arasında Rickenbacker'ın ünlü "Frying Pan"i gibi lap-steel enstrümanlar vardı; dairesel gövdesi ve uzun sapı, çoğu insanın "elektro gitar" denince düşündüğü nesneye çarpıcı biçimde benzemez. Bu fark tarihsel açıdan değerlidir. Tasarımcılar önceden belirlenmiş tek bir nihai biçime ilerlemiyor, belirli çalma stillerinin belirli sorunlarını çözüyordu.
Solid yapı feedback'i kontrol etmeye yardım ederken manyetik pickup'lar tel titreşimini elektrik sinyaline dönüştürdü ve amplifikasyonun büyük bir akustik ses kutusundan bağımsızlaşmasını sağladı. Bu ayrım mümkün olduğunda gitar tasarımı çok daha endüstriyel hâle gelebilirdi. Tanıdık solid-body enstrüman ani bir icat anından değil, deney sürecinden çıktı. Play It Loud, Fender ve Gibson'ın sonraki başarısı çözümlerini kaçınılmaz göstermeden önce birkaç geleceğin hâlâ mümkün olduğu bu dönemi geri getirmekte özellikle başarılıdır.
Leo Fender üretim mantığını müzikal olasılığa dönüştürüyor
Leo Fender enstrüman tasarımına virtüöz gitarist kimliğinden değil elektronik, tamir ve pratik gözlem üzerinden yaklaştı. Telecaster'a dönüşen enstrüman bu zihniyeti yansıtır. Bolt-on sapı, görece basit solid gövdesi, değiştirilebilir parçaları ve doğrudan üretim mantığı, geleneksel oyma enstrümanlara göre üretimi ve servisi kolaylaştırdı. Bazı gözlemcilere neredeyse acımasız derecede faydacı görünen şey, en büyük güçlerinden birine dönüştü.
Ardından icracılar endüstriyel tasarımın müzikal olarak neler yapabileceğini keşfetti. Country gitaristleri parlak attack'ından yararlandı, blues ve rock icracıları güç ile netlik buldu, punk'tan alternatif müziğe sonraki kuşaklar dayanıklılığını ve doğrudanlığını benimsedi. Telecaster kitabın temel temasını gösterir: icracılar tekrar tekrar ifade edici kullanımlar keşfettiğinde üretim kararları müzikal stile dönüşebilir. Bir enstrümanın kültürel kimliği fabrikadan çıktıktan sonra yazılır.
Les Paul başka bir yolu temsil ediyor: kısmen mucit, kısmen kamusal figür
Les Paul, zaten ünlü gitarist, şovmen ve kayıt yenilikçisi olduğu için Fender'dan çok farklı bir konumdaydı. Solid-body fikirleri ve çok kanallı kayıtla deney yaptı; Gibson ise sonunda hızla değişen solid-body pazarında rekabet etmek üzere tasarlanan gitara onun adını verdi. Enstrüman geleneksel Gibson işçiliği ve görsel dilini amplifiye müziğin pratik ihtiyaçlarıyla birleştirerek Telecaster'ın sade endüstriyel basitliğinin neredeyse karşıtı bir kültürel imge yarattı.
Les Paul daha sonra humbucking pickup'lar, sustain ve Eric Clapton ile Jimmy Page gibi icracılarla ilişkisi sayesinde kendi mitolojisini edindi. Tolinski ve di Perna bu hikâyeyi yüzyıllık panoramanın içine yerleştirirken, Ian S. Port'un The Birth of Loud kitabı odağı Fender ve Les Paul çevresindeki kişiliklere, şirketlere ve rekabete daraltır. Böylece kitaplar birbirini düzgün biçimde tamamlar: biri kuşbakışı görünüm sağlar, diğeri yakın planı.
Stratocaster ergonomiyi fütürizme dönüştürüyor
Stratocaster, konturlu gövde, üç pickup, vibrato sistemi ve 1950'lerde olağanüstü modern görünen, sonrasında da bir şekilde modern görünmeyi hiç bırakmayan biçimiyle Fender'ın tasarım dilini genişletti. Buddy Holly'nin televizyondaki görünürlüğü onu arzu edilen bir nesneye dönüştürmeye yardım etti; surf gitaristler berraklığı ve vibratosunda başka bir dil buldu, Jimi Hendrix ise daha sonra Stratocaster'ı psychedelic rock'ın belirleyici görsel ve sonik sembollerinden birine dönüştürdü.
Bu ilerleyiş enstrüman tarihinin neden tasarımcıda bitemeyeceğini gösterir. Leo Fender bir ürün yarattı; sonraki müzisyenler anlamını yeniden yazdı. 1960'ların sonuna gelindiğinde Strat, feedback, fuzz, sahne gösterisi ve gitarın yalnızca amplifiye tellerden çok daha fazla ses üretebilen bir araç olduğu fikrinden ayrı düşünülemez hâle gelmişti. Enstrüman fiziksel olarak tanınabilir kalırken kültürel kimliği onu kullanan insanların çevresinde tekrar tekrar değişti.
The Beatles gitarın kültürel sesini yükseltiyor
British Invasion farklı bir amplifikasyon türü yarattı. Televizyon gitar ve basları devasa izleyicilerin önüne koyarak markaları ve biçimleri neredeyse bir gecede gençlik kültürünün parçasına dönüştürdü. Rickenbacker, Gretsch ve Höfner enstrümanları Beatles ile görsel olarak ilişkilendi; genç izleyiciler ise kendi kendine yeten gitar grubunu bütünlüklü sosyal ve müzikal kimlik olarak görmeye başladı.
Play It Loud burada Andy Babiuk'un Beatles Gear kitabıyla doğal biçimde bağlanır. Babiuk enstrümanları nesne düzeyinde tanımlar; Tolinski ve di Perna ise milyonlarca gencin bir anda bu nesnelerin modernliği temsil ettiğine karar vermesiyle kültürel olarak ne olduğunu açıklar. Ekipman satışları, televizyon, imge ve müzik tek sisteme dönüşür. Gruplar, ilişki resmî pazarlama olarak başlamadan bile talebi ve marka anlamını dönüştürebilir.
Dylan elektriğe geçiyor ve gitar bir anda politikası varmış gibi görünüyor
Bob Dylan'ın 1965'teki elektrikli performansları olağanüstü sembolik ağırlık kazandı; çünkü amplifikasyon çoktan kültürel anlamlar biriktirmişti. Akustik folk ciddiyeti, politik geleneği ve otantikliği temsil edebilirdi; elektro gitar ise ticari pop veya rock'ı. Bu çağrışımlar enstrümanların doğasında değil kültürel olarak kurulmuştu, ama Dylan'ın geçişini teknikten çok ideolojik gösterecek kadar güçlüydüler.
Newport'un kitabın argümanı için hâlâ yararlı olmasının nedeni budur. Bir gitar modeli politik olarak radikal veya muhafazakâr değildir; ancak izleyiciler teknolojilere o kadar çok değer yükleyebilir ki yanlış enstrümana dokunmak açıklamaya dönüşür. Play It Loud, tasarım tarihi tam bu biçimde kültür tarihine açıldığında en güçlü hâline gelir. Nesne önemlidir, çünkü insanlar onun neyi temsil ettiğine karar vermiştir.
Hendrix tüm elektrik zincirini enstrümana dönüştürüyor
Jimi Hendrix, "elektro gitar" ifadesinin çok daha kelimesi kelimesine anlam kazandığı noktadır. Feedback, fuzz, wah, yüksek sesli amplifikasyon, kontrollü gürültü ve stüdyo katmanlaması, ifade sisteminin artık ahşap enstrümanın çok ötesine uzandığı anlamına gelir. Gitar, pickup'lar, kablo, efektler, amplifikatör, hoparlör, oda ve icracının elleri sesin tamamına katılır.
RetroForge açısından bu, kitabın en önemli kavramsal derslerinden biridir. Ünlü tonlar bir model adına indirgenmemelidir. Bir setup içindeki Stratocaster, aynı gitarın başka setup içindeki hâliyle aynı müzikal sistem değildir. Hendrix bütün elektrik zincirini beste ve performansın parçasına dönüştürdü; sonraki gitar kültürü de gerçekte bir daha geri dönmedi. Enstrüman bir ekosistem oldu.
Japon üretimi ağırlık merkezini değiştiriyor
1970'ler ve 1980'lere gelindiğinde Japon üreticiler gitar pazarını yeniden biçimlendiriyordu. Bazı Batı pazarlarında başlangıçta taklit diye küçümsenen enstrümanlar dramatik biçimde gelişti, şirketler özgün tasarımlar geliştirdi ve sektör gerçek anlamda uluslararası hâle geldi. Ibanez, Yamaha ve başka üreticiler sonraki icracılar ve teknik gelişim açısından hayati önem taşıdı.
Bu önemlidir; çünkü elektro gitar mitolojisi California, Nashville, Fender ve Gibson çevresinde dönerek dünyanın geri kalanı yalnızca onları izlemiş gibi agresif biçimde Amerikanlaşabilir. Tolinski ve di Perna'nın geniş kronolojisi bu donmayı önlemeye yardım eder. Üretim bilgisi seyahat eder, rekabet genişler ve kullanıcılar şirketleri yeni tasarımlara doğru itmeye devam eder. Elektro gitar yalnızca Amerikan enstrümanları ihraç edildiği için değil, üretim yeniliğinin kendisi başka yerlerde geliştiği için küreselleşir.
Eddie Van Halen müzisyeni ürün geliştirme departmanına dönüştürüyor
Eddie Van Halen başka bir büyük değişimi temsil eder; çünkü kişisel müzikal sorunları çözmek için enstrümanlarını değiştirdi. Ünlü Frankenstrat farklı geleneklerle ilişkilendirilen unsurları birleştirerek gitarı bitmiş üründen çok platform gibi ele aldı. Humbucker gücü, Fender tarzı gövde, özel kablolama ve donanım seçimleri, daha sonra üreticiler tarafından özümsenen kendin-yap tasarım dilinin parçasına dönüştü.
Örüntü önemlidir, çünkü yeniliğin kullanıcı davranışından yukarı doğru hareket ettiğini gösterir. Müzisyenler araçları değiştirir; şirketler gözlemler; değiştirilmiş uygulama ticari özellik hâline gelir. Bu nedenle elektro gitar tarihi yalnızca üreticilerin icracılara neye ihtiyaç duyduklarını öğrettiği bir sıra değildir. İcracılar üreticilere sırada neyin var olması gerektiğini tekrar tekrar öğretir.
Metropolitan Museum bağlantısı tasarım argümanını açık hâle getiriyor
Penguin Random House, Play It Loud'ı aynı adlı Metropolitan Museum of Art sergisine ilham kaynaklarından biri olarak tanımlar; bu bağlantı kitabın argümanına kusursuz biçimde uyar. Gitarlar sessiz olduklarında bile tarihsel anlam taşıyabilen görsel tasarım nesneleridir. Biçim, kaplama, markalama, aşınma ve ünlü sahiplik, tek nota çalınmadan hikâye anlatabilir.
Bu müze bağlamı RetroForge'un daha geniş editoryal içgüdülerinden birini de doğrular: enstrüman sayfaları teknik özellik listesi olarak kültür tarihinin dışında değil, içinde yer alır. Gitar aynı anda mühendislik, heykel, ticari meta ve müzikal araç olabilir. Play It Loud bu fikre en açık geniş girişlerden biridir.
Özellikle iyi yaptığı şeyler
Ölçek kitabın en büyük avantajıdır. Yazarlar deneyimli gitar gazetecileridir ve tasarım ile teknolojinin müze etiketi hâline gelmesini engelleyecek kadar coşkuyla yazar; dönüm noktası enstrüman yapısı ise bir yüzyıllık malzemenin sonsuz kataloğa dönüşmesini önler. Teknoloji, ırk, gençlik kültürü, pazarlama ve ünlü icracılar görünür kalırken Carlos Santana'nın önsözü, gitarı yalnızca donanım değil ifade sesi olarak ele alan kitaba uygundur.
RetroForge'un elektro-gitar merkezi için doğal genel öneridir. Daha uzman kitaplar daha sonra Fender, Les Paul, Beatles ekipmanı, Stones ekipmanı veya luthiery'ye dallanabilir; geniş tarihin her işi yapması gerekmez.
Sınırlamalar
Genişlik kaçınılmaz olarak uzmanların daha derin üretici tarihleri ve katkıları ünlü tasarımcılarla icracıların arkasında kaybolabilen mühendisler ile fabrika çalışanlarına daha fazla dikkat isteyeceği anlamına gelir. Amerikan elektro-gitar tarihi anlatının büyük bölümüne hâkim olurken akustik gitar büyük ölçüde kapsam dışında kalır. 2016 sonrasındaki gelişmeler doğal olarak yoktur.
Ünlü-icracı yapısı ayrıca yeniliği üretim tarihinin gerçekte olduğundan daha fazla ünlüler tarafından yönlendirilmiş gösterebilir. Bu kitabı reddetmek için değil, tamamlamak için nedendir. Elektro gitarın kültürel teknoloji olarak ilk haritası açısından ölçek tam da onu etkili kılan şeydir.
Kim okumalı?
Elektro-gitar tarihi rafına yeni başlayan herkes bunu mükemmel bir giriş olarak görmelidir. Yeni geleni yönlendirecek kadar geniş ve tanıdık tasarımların neden tanıdık hâle geldiğini hiç düşünmemiş deneyimli icracıları ödüllendirecek kadar canlıdır. Fender/Les Paul derinliği için The Birth of Loud ile eşleştirin; ardından sonraki sorunun belirli gruplarla mı yoksa enstrümanın daha geniş duygusal hayatıyla mı ilgili olduğuna göre Beatles Gear, Rolling Stones Gear veya Guitar: An American Life'a geçin.
Baskı notu
Doubleday ilk baskıyı Ekim 2016'da yayımladı. Penguin Random House e-kitabı 400 sayfa olarak listelerken Smithsonian fiziksel bir kopyayı xvi + 379 sayfa olarak kataloglar. Anchor ciltsiz baskı 2017'de geldi.
Gösterilen sayfa sayısını her zaman gerçek perakendeci formatına bağlayın.
Bir kopya bul
2017 ciltsiz baskı çoğu zaman en kullanışlı okuma sürümüdür; 2016 ciltli baskı ise çekici bir koleksiyon/karıştırma kopyasıdır.