Jim Jarmusch nennt The Stooges die größte Rock-'n'-Roll-Band aller Zeiten und versucht klugerweise gar nicht erst, danach Neutralität vorzutäuschen
Die Gefahr einer offen liebevollen Dokumentation ist offensichtlich. Hält der Regisseur sein Thema bereits für großartig, kann der Film zur zweistündigen Bestätigungszeremonie werden. Jim Jarmusch vermeidet den größten Teil dieser Falle, weil Gimme Danger genau benennt, weshalb ihm die Band wichtig ist.
Magnolia beschreibt The Stooges als Band aus Ann Arbor, deren Mischung aus Rock, Blues, R&B und Free Jazz eine Schockwelle erzeugte, die später als grundlegend für Punk und Alternative Rock erkannt wurde. Cannes zeigte den 108-minütigen Film 2016 außer Konkurrenz. Sonys heutiger Katalog nennt ihn Jarmuschs Liebesbrief an Iggy Pop und die Band. Die Formulierung trifft zu. Der Film untersucht nicht, ob The Stooges historische Bedeutung verdienen. Er versucht zu verstehen, wie eine kommerziell instabile Band aus Michigan eine Sprache schuf, die andere Musiker nach dem Zusammenbruch der ursprünglichen Laufbahn immer wieder entdeckten. Diese Frage ist besser als Neutralität.
Ann Arbor und Detroit zählen, weil The Stooges aus einer regionalen Kultur hervorgehen, die bereits härter war, als das spätere Punketikett vermuten lässt
The Stooges entstanden Ende der 1960er im Umfeld von Ann Arbor und Detroit. Diese Umgebung umfasste MC5, radikale Politik, Industriekultur, Blues, Garagenbands und experimentelle Musik. The Stooges erscheinen daher nicht aus dem Nichts als primitive Vorfahren des Punk. Sie gehören zu einem regionalen Ökosystem, das Lautstärke, Konfrontation und Formen musikalischer Extreme bereits schätzte. Jarmuschs Kontext ist nützlich, weil spätere Punkgeschichten aus New York und London The Stooges so weit nach vorn ziehen können, bis 1969 nur noch als Vorgeschichte für 1976 existiert. Die Band war Zeitgenossin von Psychedelia, Heavy Rock und Free-Jazz-Einflüssen. Sie klang anders als ein großer Teil dieser Musik und gehörte dennoch zum selben Augenblick. Proto-Punk ist eine spätere Bezeichnung. The Stooges versuchten einfach, etwas zu schaffen, das sich damals notwendig anfühlte.
Jim Osterberg musste Iggy Pop erfinden, nachdem er zunächst gelernt hatte, wie langweilig ein Schlagzeuger hinter seinem Instrument aussehen kann
Bevor er The Stooges anführte, spielte Jim Osterberg Schlagzeug in früheren Bands wie The Iguanas und Prime Movers Blues Band. Sein Wechsel vom Schlagzeuger zum Frontmann gehört zu den aufschlussreichsten Identitätsveränderungen der Dokumentation. Hinter dem Schlagzeug zu sitzen gab ihm eine andere Sicht darauf, wie Künstler vom hinteren Bühnenrand aussahen. Iggy wird fast zur Antwort auf Passivität. Der Körper ist nun das Instrument, das alle sehen können. Seine spätere Bühnenkunst nutzt Bewegung, Konfrontation, Entblößung und körperliches Risiko aggressiv genug, um Teil der musikalischen Identität zu werden. Das bedeutet nicht, die Bühnenfigur sei unecht. Sie ist gestaltet. Wie Joe Strummer und David Bowie andernorts im Screening Room zeigt Osterberg, dass konstruierte Identität zu einem echten künstlerischen Werkzeug werden kann. Iggy ist etwas, das Jim zu tun lernte.
Ron Ashetons Gitarre wirkt, weil er versteht, dass Wiederholung zur Bedrohung werden kann
Der frühe Gitarrenklang von The Stooges beruht nicht auf virtuoser Komplexität. Ron Asheton verwendet Riffs, Fuzz, Wiederholung und Raum, um Druck zu erzeugen. Diese Einfachheit wurde enorm einflussreich, weil spätere Punkmusiker darin Möglichkeiten statt technischer Zugangsschranken hören konnten. Ein Lied brauchte keinen Instrumentalisten auf Konservatoriumsniveau, um körperlich kraftvoll zu werden. Die Dokumentation ist am stärksten, wenn der Minimalismus der Band als musikalische Intelligenz und nicht als Beleg dafür erscheint, dass sie kaum spielen konnte. Wiederholung ist eine Wahl. Einfachheit kann gestaltet werden. Dass viele spätere Bands die scheinbare Mühelosigkeit kopierten, zeigt, wie schwierig es ist, begrenztes Material unausweichlich wirken zu lassen.
Scott Asheton und Dave Alexander beweisen, dass The Stooges eine Rhythmusband waren, bevor Punkkritiker alles in Gitarre und Haltung verwandelten
Scott Ashetons Schlagzeug und Dave Alexanders Bass geben den frühen Platten ihr Gewicht. Die Band lässt sich durch Iggy und Ron beschreiben, weil diese Figuren visuell unmittelbar sind. Die Rhythmusgruppe erklärt, weshalb die Riffs nicht zusammenbrechen. Scotts Spiel besitzt genug Kraft, um Iggys instabiles Bühnenverhalten zu tragen und die Musik zugleich zu erden. Alexanders Bass trägt zur hypnotischen Eigenschaft der frühen Lieder bei, statt das Instrument als unsichtbare Grundtonmaschine zu behandeln. Besonders auf Fun House ist das wichtig, wo die Band zunehmend wie eine in Richtung Free Jazz gedrängte Rhythmuseinheit statt wie eine gewöhnliche Garagengruppe klingt. Eine nur auf Haltung konzentrierte Proto-Punk-Geschichte verpasst die Hälfte der Erfindung. The Stooges machen Wiederholung körperlich.
John Cale kommt für das Debüt hinzu, weil New Yorker Avantgarde und primitiver Rock des Mittleren Westens nie so getrennt waren, wie spätere Genres behaupten
John Cale produzierte nach seiner Arbeit mit The Velvet Underground das erste Album von The Stooges. Diese Verbindung ist historisch vollkommen und musikalisch kompliziert. The Stooges werden häufig für rohe Direktheit gefeiert. Cale kam aus experimenteller Komposition, Drones und dem Kunstumfeld um The Velvet Underground. Ihre Begegnung zeigt, dass primitiv und avantgardistisch keine Gegensätze sind. Beides kann konventionelle Rockprofessionalität aus verschiedenen Gründen ablehnen. Der Klang des Debütalbums bleibt kontrollierter, als der spätere Ruf der Band vermuten lässt; Streit um Material und Produktion gehört zur Sessiongeschichte. Entscheidend ist die kulturelle Verbindung. New Yorker Artrock und Garagenaggression aus Michigan erkennen etwas ineinander, bevor Punk diese Werte ausdrücklicher verbindet. RetroForge sollte dies unmittelbar mit der Dokumentation The Velvet Underground verknüpfen.
*Fun House* wird zur tiefsten Leistung von The Stooges, weil sich das Studio wie ein Live-Raum unter Druck zu verhalten beginnt
Das zweite Album bewegt sich zu einem raueren, unmittelbareren Klang. Steve Mackays Saxofon drängt die Band besonders im späteren Material in Richtung Free-Jazz-Energie. Die Reihenfolge der Platte wirkt zunehmend wie ein kontrollierter Kontrollverlust. Deshalb wurde Fun House so einflussreich. Das Album bewahrt Wiederholung und macht die Umgebung darum instabil. Die Dokumentation kann es in eine weiterhin kommerziell scheiternde Laufbahn stellen. Spätere Kanonisierung erzeugt die Illusion, Meisterwerke kündigten sich durch Erfolg an. Fun House rettete The Stooges nicht. Seine historische Bedeutung wuchs, während sich die ursprüngliche Band bereits dem Zusammenbruch näherte. Einfluss und Überlebensfähigkeit sind verschiedene Währungen.
Dave Alexanders Entlassung zeigt, wie Selbstzerstörung nach Szenenechtheit aussehen kann, bis die Band funktionieren muss
Alexanders Trinken störte Auftritte zunehmend; 1970 wurde er aus der Band entlassen. 1975 starb er mit siebenundzwanzig an Folgen einer alkoholbedingten Erkrankung. Der spätere Punkmythos kann dies in die Romantik beschädigter Außenseiter aufnehmen. Verantwortlicher wird die Dokumentation, wenn die praktische Folge bestehen bleibt. Eine Band kann nicht zuverlässig touren, wenn ein Mitglied nicht auftreten kann. Selbstzerstörung ist keine ästhetische Position mehr, sobald andere Menschen davon abhängen, dass die Show stattfindet. The Stooges nähern sich dieser Grenze wiederholt. Was für das Publikum gefährlich wirkt, kann innerhalb der Organisation unbrauchbar werden.
James Williamson verändert die Gitarrensprache, weil die zweite Fassung von The Stooges schärfer und nicht bloß schwerer wird
James Williamson stößt schließlich zur Band und wird für die Raw Power-Ära zentral. Sein Gitarrenansatz unterscheidet sich stark von Ron Ashetons früherer Arbeit. Die Riffs werden schärfer, aggressiver und enger mit einem späteren harten Punkvokabular verbunden. Dieser Besetzungswechsel liefert eines der nützlichsten Argumente des Films gegen die Behandlung von The Stooges als einen festen Klang. Die ersten beiden Alben und Raw Power sind verwandt, aber nicht austauschbar. Williamsons Anwesenheit verändert Songwriting, Arrangement und interne Hierarchie. Ron Asheton wechselt in der späteren Besetzung zum Bass, ein weiterer Wandel mit offensichtlichen persönlichen Folgen. Bands entwickeln sich durch Entscheidungen, die musikalisch ergiebig und gesellschaftlich schmerzhaft sind. The Stooges bilden keine Ausnahme.
David Bowie hilft *Raw Power*, die Geschichte zu erreichen, doch der Albummythos darf ihn nicht zum heimlichen Urheber machen
Bowies Beziehung zu Iggy Pop und The Stooges wurde für die spätere Phase der Band zentral. Er half, Möglichkeiten rund um Raw Power zu schaffen, und mischte das veröffentlichte Album unter schwierigen Bedingungen. Die Verbindung ist historisch bedeutsam und leicht zu übertreiben. The Stooges schrieben und spielten die Musik. Bowie erfand ihre Aggression nicht und rettete kein leeres Projekt, indem er Genie von außen aufzwang. Die spätere Freundschaft und Zusammenarbeit mit Iggy vertieft die Beziehung weiter. Für RetroForge besteht der klare Ansatz darin, Bowie als wichtigen Wegbereiter, Mitstreiter und späteren Partner zu behandeln, ohne The Stooges zur Fußnote seiner Laufbahn zu machen. Ihr Einfluss war bereits wirklich genug, um ihn anzuziehen.
Danny Fields wird unverzichtbar, weil Szenen Menschen brauchen, die Wert erkennen, bevor der Markt ihn bestätigt
Danny Fields erscheint als wichtiger Zeuge und Branchenmensch, dessen Laufbahn The Stooges mit breiteren Geschichten von Gegenkultur und Punk verbindet. Menschen wie Fields zählen, weil Undergroundmusik Labels, Presse und Auftrittsorte nicht allein durch spontane Entdeckung erreicht: Fürsprecher stellen Kontakte her, kämpfen für kommerziell schwierige Bands und schaffen Möglichkeiten, bevor der Markt irgendeinen Beleg geliefert hat, dass sich die Mühe auszahlt. Diese Infrastruktur erhält selten den Glanz der Künstler; die Dokumentation gewinnt daher historische Tiefe, indem sie zeigt, wie stark Punkgeschichte von Vermittlern abhängt. Eine Szene ist ein Netzwerk, bevor sie ein Genre ist.
Die Band scheitert kommerziell oft genug, dass ihr späterer Einfluss beinahe absurd wirkt
Die erste Stooges-Ära liefert nicht die stabile Laufbahn, welche der spätere Einfluss erwarten ließe. Platten verkaufen sich mäßig. Drogenkonsum verschlimmert sich. Besetzungen wechseln. Die Gruppe bricht auseinander. Das ist die zentrale historische Ironie der Dokumentation. Wäre Einfluss sofort sichtbar gewesen, hätte jemand eine nachhaltige Struktur um die Band gebaut. Stattdessen hören jüngere Musiker allmählich, was der ursprüngliche Markt nicht zu belohnen wusste. The Ramones, Sex Pistols, Sonic Youth und zahllose weitere finden brauchbare Ideen. The Stooges werden teilweise erst nach dem Scheitern grundlegend. Die Geschichte ist voll von Künstlern, deren Nachahmer einen größeren Markt erben als die Erfinder erhielten. Jarmuschs Liebesbrief ist daher auch ein Film über verspätete Anerkennung.
Iggys Drogengeschichte sollte nicht zur Erklärung seiner Bühnenintensität werden
Die frühe Laufbahn von The Stooges umfasste schweren Drogenkonsum; Iggy Pops Sucht wurde Teil des Zusammenbruchs der Band. Ein gefährlicher Mythos entsteht, wenn spätere Zuschauer den Rausch als Quelle seiner extremen Bühnenkunst behandeln, obwohl die körperliche Sprache bereits als Aufführungsintelligenz bestand und Drogen das Funktionieren zunehmend erschwerten. Sucht ist keine kreative Technik; sie kann neben Kreativität bestehen und anschließend die Bedingungen beschädigen, unter denen Kreativität geschieht. Jarmuschs Zuneigung zur Band macht Genauigkeit hier besonders wichtig, denn The Stooges waren trotz der Beschädigung fesselnd und nicht, weil Beschädigung automatisch fesselnde Musik erzeugt.
Die Wiedervereinigung von 2003 beweist, dass Einfluss in den ursprünglichen Körper zurückkehren kann, ohne Jugend nachzubauen
The Stooges vereinigten sich Anfang der 2000er wieder und brachten Iggy mit Ron und Scott Asheton zusammen; später waren auch Steve Mackay und Mike Watt beteiligt. Was leicht zum Kulturerbetheater hätte werden können, erlaubte einer Band mit instabiler ursprünglicher kommerzieller Laufbahn, das Publikum zu erleben, das teilweise durch ihren späteren Einfluss entstanden war. Jüngere Generationen kannten die Platten bereits, sodass die Musiker bei ihrer Bühnenrückkehr die Welt nicht mehr von der Bedeutung des Materials überzeugen mussten. Die historische Macht hatte sich verschoben: Die Frage lautete nun, wie man Lieder spielt, die als Kanon gelten, nachdem ihre Folgen größer als die ursprüngliche Band geworden waren.
Ron Ashetons Tod und Scott Ashetons späterer Tod geben dem Wiedervereinigungsmaterial eine weitere emotionale Ebene, die der Film nicht billig ausnutzt
Ron Asheton starb 2009. Scott Asheton starb 2014. Als Gimme Danger 2016 das Publikum erreichte, gehörten Iggy und James Williamson zu den wichtigsten überlebenden Stimmen, die große Kapitel unmittelbar erklären konnten. Jarmusch verwendet Archivinterviews und Aussagen, um die Bedeutung der fehlenden Mitglieder zu bewahren. Die Freundschaft des Films mit Iggy hätte die gesamte Geschichte um einen überlebenden Star zusammenfallen lassen können. Dieser Anziehung entgeht er nicht vollständig. Er bemüht sich ernsthaft, The Stooges als Band zu erhalten. Diese Entscheidung ist historisch richtig. Iggy wurde das berühmteste Mitglied. Die Musik kam nicht von einem Menschen.
James Kerrs Animation gibt fehlender Geschichte Bewegung, ohne so zu tun, als seien die Zeichnungen dokumentarische Belege
Der Film verwendet spielerische Animationen und Ausflüge in die Popkultur. Darin liegt eine der unverwechselbarsten Berührungen Jarmuschs. Die Methode erkennt Archivknappheit an, ohne jede Lücke zur Tragödie zu machen. Für manche Geschichten existiert schlicht kein brauchbares Material. Animation kann Rhythmus und Humor liefern und zugleich offen signalisieren, dass das Bild deutend ist. Das ist nachgestellten Szenen vorzuziehen, die wie Archivmaterial aussehen sollen. Zuschauer wissen stets, dass der Film spielt. Die Geschichte von The Stooges überlebt einen Witz.
Die Laufzeit von 108 Minuten ist ungewöhnlich stabil
Cannes, Film at Lincoln Center, IFFR und weitere wichtige Festival- oder Katalogquellen nennen sämtlich 108 Minuten. Das Jahr ist ebenso eindeutig: 2016.
Magnolia begann den US-Veröffentlichungszyklus am 28. Oktober 2016. Damit ist Gimme Danger nach mehreren Reihen mit Versionschaos erfrischend einfach. Die historische Komplexität befindet sich in der Band. Die Metadaten benehmen sich.
Die Zuneigung der Dokumentation ist eine Stärke, weil The Stooges nie einen weiteren Film brauchten, der so tut, als verlange Coolness emotionale Distanz
Jarmusch liebt die Band deutlich. Iggy kennt den Filmemacher. Das Ergebnis besitzt eine Wärme, die für ein mit Konfrontation verbundenes Thema ungewöhnlich ist. Diese Wärme zähmt die Musik nicht. Sie erlaubt The Stooges, komisch zu sein. Primitiv, anspruchsvoll, lächerlich und einflussreich können im selben Film bestehen. Die Band wird wichtiger, sobald sie weniger statuenhaft wird.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Verwende den 108-minütigen Langfilm von 2016 als maßgebliches Werk. Cannes zeigte ihn außer Konkurrenz in den Midnight Screenings; Magnolia und Amazon begannen den hauptsächlichen US-Kinostart am 28. Oktober 2016.