Tago Mago

맥락 속의 음반

Tago Mago는 처음부터 전체 규모를 드러내지 않습니다. Paperhouse는 알아보기 쉬운 기타 악구와 부드러운 건반 색채, Damo Suzuki의 낮은 보컬로 시작합니다. 연주는 점차 압력을 모으고 Jaki Liebezeit의 드럼이 앞으로 나아가는 움직임에 고정합니다. Mushroom과 Oh Yeah는 노래와 트랜스 사이의 균형을 이어 갑니다. 청자가 첫 면을 지나고 나서야 앨범은 Halleluhwah와 Aumgn, Peking O로 열리며, 이 세 곡은 잼과 편집, 노래, 사운드 콜라주 사이의 일반적인 구분을 점점 유지하기 어렵게 만듭니다.

Suzuki가 Soundtracks의 일부에 참여한 뒤 함께 만든 Can의 첫 정규 스튜디오 앨범이었습니다. 편성은 베이스의 Holger Czukay, 기타의 Michael Karoli, 드럼의 Liebezeit, 건반의 Irmin Schmidt, 보컬의 Suzuki였습니다. Spoon Records는 밴드 전체를 작곡자와 프로듀서로, Czukay를 엔지니어링과 편집 담당으로 표기합니다. 그 크레딧은 음악을 정확히 묘사합니다. 집단 연주가 테이프를 작곡 도구로 다룬 음악가에 의해 나중에 형태를 얻었습니다.

역사적 맥락

Can은 이례적으로 다양한 배경이 섞여 결성됐습니다. Schmidt와 Czukay는 Karlheinz Stockhausen에게 배웠고 Liebezeit는 프리 재즈 출신이었으며, Karoli는 젊은 기타리스트로서 록과 맺은 관계를 가져왔고 Suzuki는 악구와 질감, 리듬으로 기능할 수 있는 즉흥 보컬 언어를 발전시켰습니다. 그룹의 초기 작업에는 영화음악도 포함됐고, 이는 유연한 형식과 분위기에 대한 빠른 반응을 장려했습니다.

앨범은 1971년 Cologne 인근 Schloss Nörvenich에 있던 Inner Space에서 녹음됐습니다. 이 공간은 전통적인 상업 스튜디오라기보다 그룹이 장시간 연주하고 그 공연을 테이프에 보존할 수 있는 장소에 가까웠습니다. 1971년 후반 Can은 Weilerswist의 옛 영화관에 더 잘 알려진 Inner Space 스튜디오를 세웠지만 Tago Mago는 그 이전 장소의 작품입니다.

더블 앨범 형식은 Can이 응축된 리듬 음악과 가장 추상적인 스튜디오 구성을 어느 한쪽이 다른 쪽을 설명하게 만들지 않고 함께 제시하도록 했습니다. Spoon 공식 역사에서는 1970~72년을 밴드의 돌파 시기로 꼽으며 Tago Mago가 Germany와 Britain, France에서 비평적 관심을 끌었다고 기록합니다.

사운드와 프로덕션

Liebezeit의 드럼은 앨범에 중심을 줍니다. 반복 패턴은 메트로놈처럼 들리지 않으면서 정확하고, 미세한 강세 변화는 맥박을 안정적으로 유지한 채 그룹이 움직이게 합니다. Czukay의 베이스는 화성을 자주 육체적 순환으로 압축합니다. Karoli는 짧게 끊은 악구로 그 순환 안에 머물거나 밝고 불안정한 기타로 가로지를 수 있습니다. Schmidt의 건반은 오르간 색채와 전자음, 방해 사이를 오갑니다.

Halleluhwah는 하나의 그루브를 18분 넘게 확장합니다. 긴 재생 시간은 계속 솔로를 하라는 초대가 아닙니다. 대신 목소리와 바이올린, 기타, 전자적 질감이 드럼과 베이스의 토대를 중심으로 드나들며 청자의 경과 시간 감각을 계속 다시 정의합니다. 반복은 능동적으로 변합니다. 귀는 더 빠른 화성 진행이라면 가렸을 배치와 음색, 미세한 편차를 알아차리기 시작합니다.

Aumgn과 Peking O는 록 앙상블의 방식에서 더 멀리 나아갑니다. Aumgn은 Irmin Schmidt의 보컬과 스튜디오 조작을 중심으로 만들어져 어두운 전기음향 공간으로 전개되다가 퍼커션이 폭력적인 결말로 이끕니다. Peking O는 목소리와 리듬, 전자음을 갑작스러운 에피소드로 해체합니다. Czukay의 편집은 앨범 전체에서 중요하지만 깔끔한 경계를 거의 드러내지 않습니다. 최종 형태가 더 긴 연주 소재로 만들어졌을 때도 컷은 사건이 펼쳐지는 감각을 보존합니다.

핵심 트랙

1. Paperhouse공간감 있는 노래에서 리드미컬한 쇄도로 서서히 변하며 전통적인 단절 없이 상태를 바꾸는 밴드의 능력을 소개합니다.
2. Mushroom간결하고 불안하며 Liebezeit의 드럼 악구가 기타와 건반, Suzuki의 날카롭게 빚은 보컬을 하나로 묶습니다.
3. Oh Yeah역재생 보컬과 오르간, 순환 리듬이 직접적이면서도 살짝 어긋난 듯한 곡을 만듭니다.
4. Halleluhwah모든 등장이 아래의 안정성에서 힘을 얻는 18분짜리 반복 연구입니다.
5. Aumgn목소리와 테이프, 전자음, 퍼커션을 앨범의 가장 추상적인 공간으로 끌어오는 스튜디오 구성입니다.

아트워크와 시각적 정체성

독일 오리지널 슬리브는 밴드명과 회문 같은 앨범 제목을 중심으로 그래픽을 구성했습니다. 이후 지역별로 다른 디자인이 쓰였고, 1971년 영국판은 변경된 아트워크를 사용했으며 Mute는 40주년 발매에서 이를 복원했습니다.

그런 변화는 하나의 고정된 해석을 거부하는 음반에 잘 어울립니다. 밴드 초상을 중심으로 한 슬리브와 달리 Tago Mago의 정체성은 타이포그래피와 추상적 그래픽 형식을 통해 이동했습니다. 청자에게 안의 소리를 설명할 장면이나 인물을 주지 않았습니다.

유산과 영향

Can의 영향은 흔히 포스트 펑크와 실험 록, 전자음악, 루프로 곡을 만드는 아티스트를 통해 그려집니다. Tago Mago가 그 역사의 중심인 이유는 리듬이 반주 트랙도 장식적인 그루브도 아니기 때문입니다. 리듬은 다른 악기들이 결정을 내리는 환경입니다.

이 앨범은 즉흥연주의 힘을 없애지 않고 편집하는 모델도 제시합니다. Czukay의 테이프 작업은 거친 면과 번짐, 놀라움을 유지하면서 반복 가능한 구조를 찾습니다. 긴 연주를 다루는 프로듀서와 밴드는 결과물이 생명 없는 조각을 조립한 듯 느껴지지 않으면서 스튜디오가 시간을 압축하는 방법을 들을 수 있었습니다.

그 뒤에 이어진 것

Can은 Tago Mago에 이어 1972년 더 짧고 대체로 더 탄탄한 Ege Bamyasi를 발매했으며 밴드가 독일 차트에 처음 진입한 Spoon이 수록됐습니다. 1973년 Future Days는 더 가볍고 유동적인 사운드로 나아갔고 Suzuki와 함께한 마지막 Can 스튜디오 앨범이 됐습니다.

그룹은 Soon Over Babaluma에서 고정 리드 보컬 없이 Michael Karoli와 Irmin Schmidt가 보컬을 나눠 맡으며 활동을 이어 갔습니다. 이후 음반에는 추가 멤버 변화와 펑크 및 댄스 리듬과의 더 직접적인 접촉이 찾아왔습니다. 디스코그래피는 계속 움직였지만 Tago Mago의 절제와 위험 사이의 균형은 결정적인 기준으로 남았습니다.