The Beatles spielen kaum in dem Film mit, der zu einem der reinsten visuellen Ausdrücke der Beatlemania wurde
Yellow Submarine enthält einen wunderbaren Widerspruch. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison und Ringo Starr beherrschen Musik, Identität und fiktive Welt. Sie sprechen ihre animierten Gegenstücke jedoch nicht hauptsächlich selbst.
Das offizielle Beatles-Archiv nennt John Clive als John, Geoffrey Hughes als Paul, Peter Batten als George und Paul Angelis als Ringo und Chief Blue Meanie; Dick Emery und Lance Percival übernehmen wichtige Nebenrollen. Die tatsächlichen Beatles tragen durch ihre Aufnahmen bei und erscheinen am Ende in einer Realfilmsequenz. George Dunning führt Regie, Al Brodax produziert, und Heinz Edelmanns künstlerische Leitung liefert jene visuelle Sprache, die heute für die meisten Zuschauer untrennbar mit der Band verbunden ist.
Das BFI verzeichnet den Langfilm mit 87 Minuten, während die heutige Apple-TV-Fassung ungefähr 85 Minuten läuft. Die offizielle Beatles-Filmseite datiert die britische Premiere auf den 17. Juli 1968. Einer der berühmtesten „Beatles-Filme“ ist damit zugleich eine außergewöhnliche Übersetzungsleistung. Hunderte Künstler nehmen Musik, öffentliche Persönlichkeiten und visuelle Kultur um vier Musiker und bauen eine animierte Welt darum herum. Der Abstand gibt dem Film Freiheit.
Das Projekt beginnt teilweise als vertragliche Pflicht und entkommt der Pflicht durch Gestaltung
The Beatles waren bereits in einer Animationsserie aus dem Umfeld Al Brodax' dargestellt worden, einem Projekt mit begrenzter unmittelbarer Beteiligung der Gruppe. Der Langfilm ging aus dieser breiteren Beziehung hervor und nicht aus dem Plan der Band für ihre nächste große persönliche Kinoaussage. Dieser Abstand hätte Wegwerfware erzeugen können, doch das Kreativteam nutzte die Freiheit für etwas weit Seltsameres. Edelmanns visuelle Sprache lehnt sowohl Realismus nach Disney-Art als auch die einfache Vorstellung ab, vier Berühmtheiten beim Singen zu zeichnen: Körper dehnen sich, Landschaften werden zu grafischen Systemen, Farbe verhält sich psychologisch, und Typografie, Collage und Pop-Art-Empfinden bewegen sich durchs Bild. Die Animatoren versuchen nicht, The Beatles so täuschend echt nachzubilden, dass jemand darauf hereinfällt; sie schaffen ein visuelles Gegenstück zu dem Gefühl der Platten.
Heinz Edelmann gibt Pepperland ein Gestaltungssystem, das stark genug ist, jenseits der Gesichter der Band zu bestehen
Edelmanns künstlerische Leitung ist zentral. Die historische Bedeutung des Films für Animation lässt sich nicht nur durch psychedelische Farbe erklären. Pepperland, Sea of Holes, Blue Meanies, Nowhere Man und die vielen Übergangsumgebungen besitzen eigenständige grafische Identitäten und bleiben zugleich Teil einer beweglichen Welt. Das offizielle Beatles-Material zur Restaurierung von 2012 betont die handgezeichnete Kunst und die damaligen Risiken eines Animationsfilms außerhalb des Disney-Modells. Edelmann selbst sprach später darüber, wie ungewiss die kommerzielle Lebensfähigkeit eines solchen Projekts schien. Diese Ungewissheit zählt, weil der fertige Film heute unvermeidlich aussieht. Langfilmanimation außerhalb des Disney-Modells besaß eine zerbrechliche kommerzielle Geschichte. Yellow Submarine nutzt die berühmteste Band der Welt als genug finanzielle Schwerkraft, damit Designer etwas weniger Gewöhnliches versuchen können. Beliebtheit finanziert Experiment.
Mehr als zweihundert Künstler und Animatoren machen es bewusst schwierig, die Autorschaft auf ein Genie zu reduzieren
Offizielles Beatles-Material stellt fest, dass Dunning ungefähr elf Monate lang mehr als 200 Künstler und Animatoren beaufsichtigte, ein Umfang, der einzelne Autorschaft besonders irreführend macht. Die fertige visuelle Identität mag stark mit Edelmann, Dunning, Stokes und Balser verbunden sein, doch einzelne Sequenzen verlangten Designer, Hintergrundkünstler, Folienkoloristen, Animatoren, Kameraleute und Produktionspersonal, das an Tausenden Zeichnungen arbeitete. Zu sagen, „The Beatles machten Yellow Submarine“, ist kulturell verständlich und produktionsgeschichtlich unvollständig: The Beatles lieferten Musik, Persönlichkeiten und kommerzielle Schwerkraft; ein großes Animationsteam brachte den Film in Bewegung.
Die Dialogsprecher überzeugen, weil die Nachahmung stilisiert statt kriminaltechnisch genau ist
Die Sprecher der Beatles versuchen nach heutigen Maßstäben von Stimmenimitatoren keine vollkommenen Reproduktionen. Sie schaffen erkennbare Zeichentrickpersönlichkeiten. John ist trocken und sprachlich verspielt. Paul trägt eine lebhaftere, ordnende Energie. George wirkt distanziert und philosophisch. Ringo wird zum verletzlichen komischen Mittelpunkt. Die Vereinfachung ist unvermeidlich, weil ein Langfilm vier animierte Figuren braucht, die sich schnell unterscheiden lassen. Überraschend ist, wie bequem die Stimmen nach wenigen Minuten verschwinden. Das Publikum akzeptiert die Figuren, weil die Musik sie fortwährend mit der echten Band verbindet. Lieder beglaubigen die Zeichnungen stärker, als Stimmenimitation es könnte. Auch deshalb mussten The Beatles nicht jede Zeile selbst sprechen, damit der Film kulturell ihnen gehörte.
Ringo wird zum emotionalen Mittelpunkt, weil seine öffentliche Persönlichkeit einem Zeichentrick-Archetyp bereits am nächsten kam
Der animierte Ringo ist einsam genug, Jeremy Hillary Boob, den Nowhere Man, in die Reise der Gruppe einzubeziehen. Er gerät in Schwierigkeiten. Er hat Mitgefühl mit seltsamen Kreaturen. Seine Traurigkeit kann komisch werden, ohne grausam zu sein. Diese Persönlichkeit schöpft aus der öffentlichen Ringo-Identität, die bereits in den Realfilmen und der Pressekultur der Beatles entwickelt worden war. Die Animation übertreibt sie. Das Ergebnis ist erzählerisch nützlich, weil die Reise jemanden braucht, der bereit ist, die Formation zu verlassen und sich um eine Figur zu kümmern, welche die anderen zurücklassen könnten. Ringos fiktive Sanftheit wird zur Handlungsmechanik. Das Lied des echten Schlagzeugers gibt zudem dem gesamten Gefährt seinen Titel. Wenige Bandfilme bauten je so viel Architektur um jenes Mitglied, das beim Songwriting am häufigsten als am wenigsten zentral gilt.
Die Blue Meanies funktionieren, weil die Feinde Farbe, Musik und Freude angreifen statt eine realistische politische Ideologie darzustellen
Pepperlands Feinde sind die Blue Meanies, die Musik und Farbe beseitigen wollen. Das ist breit genug, um Kinderfantasie und gegenkulturelle Deutung für Erwachsene zugleich zu tragen. Der Film erschien in einer Zeit von Krieg, Protest und Generationenkonflikt. Er hätte die Schurken leicht in unmittelbare politische Karikaturen verwandeln können. Stattdessen bleibt Unterdrückung symbolisch. Das gibt der Geschichte ungewöhnliche Beständigkeit. Ein Kind versteht, dass die Meanies Spaß hassen. Ein Erwachsener erkennt autoritäre Kontrolle über Ausdruck. Keine Deutung braucht eine genaue fiktive Verfassung. Die Gestaltung verrichtet durch Form und Verhalten die ideologische Arbeit.
„Eleanor Rigby“ verwandelt Liverpool in eine visuelle Stadt der Einsamkeit, bevor The Beatles die Handlung überhaupt vollständig betreten
Die Sequenz zu „Eleanor Rigby“ gehört zu den stärksten Beispielen dafür, wie Lied und Animation zu einer eigenständigen Kurzform verschmelzen. Stadtbilder, Isolation und grafische Komposition schaffen eine Stimmung, die sich von der helleren später mit Pepperland verbundenen Fantasie unterscheidet. Die Sequenz erinnert daran, dass psychedelische Gestaltung nicht automatisch fröhlich ist. Farbe, Collage und surreale Perspektive können Einsamkeit ebenso wirksam wie Feier sichtbar machen. Das zählt, weil spätere Nostalgie die Beatles-Kultur von 1967–68 häufig in hellem Optimismus zusammendrückt. Die Musik enthält wesentlich dunkleres emotionales Material. Animation gibt ihm einen weiteren Weg an die Oberfläche.
„Lucy in the Sky with Diamonds“ zeigt, wie Animation psychedelischen Bildern nahekommen kann, ohne vorzugeben, psychedelische Erfahrung zu dokumentieren
Die Sequenz verwendet rasch wechselnde Farben, Bewegung und visuelle Verwandlungen. Realfilm-Psychedelia versuchte häufig, durch optische Effekte, Solarisation und Collage veränderte Wahrnehmung anzunähern. Animation besitzt einen anderen Vorteil. Nichts muss überhaupt der physischen Wirklichkeit gehorchen. Ein Körper kann zum Muster werden. Die Perspektive kann innerhalb eines Bildes wechseln. Farbe kann sich vom Gegenstand lösen. Der Film muss nicht behaupten, so sehe LSD „aus“. Er baut ein visuelles Feld, das zu Musik passt, die bereits von psychedelischer Deutung umgeben ist. Die Unterscheidung ist nützlich. Kunst kann eine veränderte Kultur ausdrücken, ohne als neurologisches Diagramm zu funktionieren.
„All You Need Is Love“ wird zur ideologischen Lösung des Films, weil die Einfachheit der Formulierung zur Einfachheit des Märchenkonflikts passt
Der Höhepunkt nutzt eines der weltweit bekanntesten Beatles-Lieder als Waffe gegen die Unterdrückungswelt der Blue Meanies. In gewöhnlicher politischer Geschichte ist „Liebe“ kein ausreichendes Programm gegen autoritäre Organisation. Innerhalb eines musikalischen Märchens funktioniert die Einfachheit. Das Lied war bereits in der Satellitensendung Our World von 1967 einem gewaltigen internationalen Publikum vorgestellt worden. Sein Einsatz im Film trägt diese öffentliche Geschichte in die Fiktion. Das Stück kommt mit einer Bedeutung an, die größer als Pepperland ist. Die Animation macht die Metapher anschließend wörtlich. Musik verändert die Welt. Ein Slogan wird zur Landschaft.
„Hey Bulldog“ zeigt, weshalb Editionsgeschichte den Rhythmus des Films tatsächlich verändert
Die Sequenz zu „Hey Bulldog“ wurde zu einem der wichtigsten Unterschiede zwischen historischen Fassungen. Sie gehörte zum ursprünglichen europäischen oder britischen Kontext, fehlte aber in manchen späteren Präsentationen für den US-Markt. Das Beatles-Archiv bestätigt sowohl, dass das Stück für den Film aufgenommen wurde, als auch, dass seine historische Leinwandpräsenz schwankte. Ein Zuschauer, der sich an eine Fassung ohne „Hey Bulldog“ erinnert, hat die Abwesenheit daher nicht erfunden. Spätere restaurierte Editionen können teilweise deshalb vollständiger wirken, weil die Sequenz zurückkehrt. Das zeigt, dass Restaurierung Tempo und musikalische Struktur verändern und nicht bloß die Bildqualität verbessern kann.
Das Realfilmende erinnert das Publikum daran, dass die gezeichneten Beatles die tatsächliche Gruppe nie vollständig ersetzen sollten
Am Ende erscheinen Lennon, McCartney, Harrison und Starr selbst. Der Wechsel von Animation zu Realfilm ist kurz und strukturell klug. Nach mehr als einer Stunde stilisierter Doppelgänger kommen die echten Gesichter beinahe wie ein Witz. Die Band erkennt Gegenstände aus dem Abenteuer wieder und schickt das Publikum in die gewöhnliche Wirklichkeit zurück, ohne die Fantasie zu zerstören. Dieser Gastauftritt klärt außerdem die Darstellerangaben. The Beatles sind in Yellow Submarine. Sie sind nicht im gesamten animierten Körper die wichtigsten Dialogsprecher. Beide Tatsachen müssen sichtbar bleiben.
George Martins Orchesterpartitur macht den Soundtrack breiter als ein Album mit Beatles-Liedern
Die ursprüngliche Soundtrack-LP stellt Beatles-Lieder auf die eine und George Martins neu aufgenommene Orchesterpartitur auf die andere Seite, während der Film selbst seine Musik nutzt, um Szenen zu verbinden, in denen kein Popsong die Struktur trägt. Spätere kulturelle Erinnerung kann von den Liedern beherrscht werden, doch ein Langfilm braucht außerdem Übergänge, Spannung und Umgebungsmusik. Martin liefert eine Kontinuität, welche die Beatles-Aufnahmen allein nicht leisten können. Das britische Soundtrackalbum von 1969 ist daher ein Mischobjekt, teilweise Beatles-Katalog und teilweise orchestrale Filmmusik. Der spätere Yellow Submarine Songtrack ordnet die Musik erneut und schafft eine getrennte Audioedition statt eines ewigen Soundtracks.
Das Soundtrackalbum erschien Monate nach dem Film und sollte nicht zur Datierung des Films verwendet werden
Das offizielle Albumarchiv der Beatles erklärt, Yellow Submarine sei am 17. Januar 1969 in Großbritannien veröffentlicht worden, ungefähr sechs Monate nach der britischen Filmpremiere. Suchergebnisse vermischen die Objekte häufig, weil ein Titel ein Lied von 1966, einen Film von 1968 und eine wichtige Soundtrack-LP bezeichnet, die 1969 in Großbritannien erschien. Diese Daten gehören zu getrennten Werken und müssen getrennt bleiben, besonders weil spätere Songtrack-Editionen unter fast demselben Namen ein weiteres Audioobjekt schaffen.
Die Wiederaufführung von 1999 und die Restaurierung von 2012 zeigen, wie sich Animationsarchive durch Technik verändern können, ohne neu gezeichnet zu werden
Der Film kehrte 1999 mit neuer Heimvideo- und Kinoaufmerksamkeit prominent zurück, gefolgt von einer wesentlich ehrgeizigeren technischen Restaurierung im Jahr 2012. Das offizielle Beatles-Archiv erklärt, Fachleute hätten den Film in 4K restauriert und die empfindlichen handgezeichneten Bilder ohne automatisierte Software Bild für Bild manuell gereinigt. Statt Heinz Edelmanns Gestaltung zu modernisieren oder neue Bilder zu erzeugen, sollte das Projekt die fotochemische Kunst mit größerer Stabilität, Farbe und Detailtreue zurückgewinnen. Das Restaurierungsteam arbeitete am historischen Objekt, statt es durch eine Nachahmung zu ersetzen.
Die 4K-Restaurierung zeigt außerdem, weshalb Animationsbewahrung sich von der Reinigung von Realfilmfotografie unterscheidet
Jede Filmrestaurierung beschäftigt sich mit physischem Ausgangsmaterial, doch Animation fügt eine weitere Ebene hinzu, weil das fotografierte Bild bereits handgeschaffene Kunst mit absichtlicher Flachfarbe, Linie und Textur darstellt. Aggressive automatische Reinigung kann Unterschiede in der Zeichnung mit Schäden verwechseln, weshalb der manuelle Ansatz des Teams von 2012 besonders passend war. Bewahrung muss Staub von einer Bleistiftlinie unterscheiden; das sauberere Bild macht schließlich die disziplinierte grafische Arbeit unter der scheinbaren psychedelischen Spontaneität leichter sichtbar.
Die spätere Zuneigung der Beatles steht in starkem Gegensatz dazu, wie wenig Begeisterung sie anfangs für unmittelbare Beteiligung besaßen
Offizielle Beatles-Seiten bewahren spätere Kommentare von George und Ringo, welche die Eigenständigkeit und Beständigkeit des Films loben. Diese rückblickende Zuneigung ist verständlich. Das fertige Ergebnis wurde künstlerisch erfolgreicher, als die vertragliche Ausgangslage erwarten ließ. Daraus entsteht ein wunderbarer Gegensatz zu Magical Mystery Tour. Der von The Beatles eng kontrollierte Film wurde zu einem berühmten kritischen Fehlschlag. Der Film, den sie weitgehend anderen Künstlern überließen, um ihn um sie herum zu bauen, wurde zum Animationsklassiker. Kreative Kontrolle garantiert keine gute Kunst. Abstand garantiert keine schlechte Markenware. Manchmal verstehen Menschen außerhalb der Band, was aus der Musik visuell werden kann.
Ihn einen „Kinderfilm“ zu nennen, ist richtig und unvollständig
Die Handlung ist mit komischen Figuren und einer direkten Moral für Kinder zugänglich, doch nichts davon macht die visuelle Sprache einfach. Erwachsene können Verweisen auf Pop Art, Surrealismus, psychedelische Gestaltung und Gegenkultur der 1960er folgen, während Kinder lediglich die Blue Meanies und seltsamen Meere genießen. Diese doppelte Lesbarkeit ist ein Grund dafür, dass der Film über Generationen hinweg überlebt. Ringos spätere Bemerkung, junge Kinder entdeckten ihn weiterhin, erfasst das praktische Ergebnis: Ein historisches psychedelisches Objekt funktioniert weiterhin als Unterhaltung, statt nur als Nostalgie zu überleben.
*Yellow Submarine* gehört in den Screening Room, weil der Film zeigt, dass Musik ein fiktives Universum erzeugen kann, ohne dass die Musiker es selbst spielen müssen
Die meisten Musikfilme beginnen mit Darbietung. Dieser beginnt mit Liedern, die bereits kraftvoll genug sind, damit Künstler eine eigene Welt bauen. Die Stimmen können Schauspielern gehören. Die Körper können Zeichnungen sein. Liverpool kann zum Portal werden. The Beatles bleiben erkennbar, weil die musikalische Identität die Übersetzung überlebt. Das ist eine andere Art von Beleg kultureller Macht, als ein Konzertfilm liefert. In Monterey Pop beweist die Kamera, was Musiker taten. In Yellow Submarine beweist Animation, wie weit die Bedeutung ihrer Musik gereist war.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Verwende die 2012 in 4K restaurierte Edition als bevorzugte heutige Präsentation und bewahre den Langfilm von 1968 als zugrunde liegendes Werk. Das BFI nennt 87 Minuten, Apple TV derzeit 85 Minuten; die Laufzeit muss daher editionsspezifisch bleiben. Das britische Premierendatum ist der 17. Juli 1968. The Beatles liefern Lieder und Gesang und erscheinen im Realfilmepilog, doch professionelle Schauspieler sprechen den wichtigsten animierten Dialog.