Isle of Wight 1970: kolosalny festiwal u kresu epoki

Dlaczego to wydarzenie jest ważne

Isle of Wight Festival z 1970 roku był trzecim wydarzeniem zorganizowanym przez braci Foulk i momentem, w którym ich eksperyment przerósł każdą stabilną kategorię. Trwał dłużej niż zwykły weekend koncertowy, był większy, niż infrastruktura wyspy mogła wygodnie przyjąć, i muzycznie szerszy, niż sugerowało słowo „pop”. Brytyjski rock progresywny, amerykańska psychodelia, singer-songwriterzy, hard rock i jazz elektryczny zajmowały tę samą scenę przez pięć dni.

Skala nie stworzyła jednego nastroju. Festiwal obejmował niezwykłe występy, długie oczekiwanie, spory o płatność i dostęp, nacisk ludzi zgromadzonych poza biletowaną areną oraz coraz bardziej publiczny konflikt między organizatorami a częścią kontrkultury. Znajduje się u kresu epoki, ponieważ idea wielkiego otwartego zgromadzenia nie była już niewinna. Każdy mógł zobaczyć koszt jego budowy.

Zanim otwarto bramy

Festiwale Isle of Wight szybko rosły. Wydarzenie z 1968 roku było stosunkowo małe; edycja z 1969 roku zwróciła międzynarodową uwagę powrotem Boba Dylana do wielkich występów na żywo. W 1970 roku organizatorzy przenieśli się na Afton Down niedaleko Freshwater i zestawili program zdolny przyciągnąć publiczność z Wielkiej Brytanii i spoza niej. Promy i wyspiarskie drogi stały się częścią produkcji, zanim ktokolwiek dotarł na pole.

Teren był otwarty i rozległy. Jego geografia tworzyła naturalną arenę, lecz komplikowała dźwięk, dostęp i kontrolę. Ludzie mogli gromadzić się na otaczającym gruncie bez przechodzenia przez oficjalne bramy. Ten fizyczny fakt podsycał polityczny spór o to, czy festiwal powinien być bezpłatny. Nie była to abstrakcyjna debata prasowa. Uwidaczniała się w relacji między ogrodzoną areną, zboczem i tysiącami ludzi na zewnątrz.

Miejsce i ludzie

Fotografie Rolanda Godefroya pokazują wydarzenie jako krajobraz. Scena jest odległą konstrukcją na tle szerokiego pola; ciała wypełniają zbocza i ścieżki; tymczasowe życie rozlewa się poza obszar, który jedna kamera potrafi policzyć. To cenne dokumenty właśnie dlatego, że nie redukują festiwalu do słynnej twarzy. Pokazują, co masowa frekwencja zrobiła z przestrzenią.

Frekwencja pozostaje sporna. „Ponad pół miliona” często powtarzają oficjalna historia festiwalu, instytucje turystyczne i muzea, podczas gdy inne szacunki są wyższe lub niższe. Dokładne liczenie utrudniali ludzie poza płatnym terenem oraz przepuszczalna granica między wyspą, kempingiem i areną. Przedział jest bardziej odpowiedzialny niż ogłaszanie rekordu. Ważne, że tymczasowa populacja dorównywała normalnej ludności wyspy lub wielokrotnie ją przekraczała.

Program muzyczny

Program łączył uznane gwiazdy z nowymi formacjami progresywnymi. The Who przybył jako jeden z najpotężniejszych koncertowych zespołów rockowych świata. The Doors wystąpili pod koniec działalności z Jimem Morrisonem. Jimi Hendrix zagrał ostatni duży brytyjski koncert niespełna trzy tygodnie przed śmiercią. Joni Mitchell i Leonard Cohen przynieśli piosenki wymagające skupienia, nie głośności. Miles Davis wniósł jazz elektryczny do środowiska festiwalu rockowego.

Brytyjskiej muzyki progresywnej nie reprezentowało jedno brzmienie. Jethro Tullz hard rockiem prowadzonym przez flet, świeżo utworzony Emerson, Lake & Palmer, Moody Blues, Family, Procol Harum, Pentangle i Free odmiennie podchodzili do struktury, improwizacji i dynamiki. Hawkwind pojawił się w szerszym środowisku festiwalu, związany z bezpłatną sceną poza główną areną. Program pokazuje, dlaczego „progresywny” w 1970 roku lepiej działał jako pole ruchu niż sztywna szuflada gatunkowa.

Występy definiujące wydarzenie

Występ Hendriksa niesie nieunikniony ciężar retrospekcji. Był jego ostatnim dużym występem w Wielkiej Brytanii, lecz publiczność tamtej nocy nie wiedziała, że stanie się częścią finałowego rozdziału. Nagrania zachowują set naznaczony problemami technicznymi i chwilami niezwykłej gry. Traktowanie go wyłącznie jako tragicznego pożegnania podporządkowuje muzykę opowieści napisanej później.

The Who zagrał długi, potężny set, który stał się jednym z najważniejszych zachowanych nagrań wydarzenia. Emerson, Lake & Palmerwystęp pomógł przedstawić grupę masowej publiczności na bardzo wczesnym etapie jej istnienia. Set Joni Mitchell ujawnił napięcie między kameralną muzyką a niespokojnym polem festiwalowym; zachowany film pokazuje, jak negocjuje przerwy, zamiast grać w odizolowanej sali recitalowej. Leonard Cohen pojawił się w ostatnich godzinach, gdy wyczerpanie zmieniło publiczność i teren.

Czego doświadczyła publiczność

Pięć dni zmieniało znaczenie uczestnictwa. Słuchacz musiał zarządzać snem, jedzeniem, pogodą, dystansem i informacją, a także wyborem muzyki. Istniała jedna główna scena, więc problemem nie był wybór między równoczesnymi występami gwiazd. Chodziło o fizyczną obecność przez opóźnienia i gwałtowne zmiany stylu. Cicha piosenka mogła nastąpić po nagłośnionym widowisku; dzień przechodził w noc, gdy trwały zmiany sprzętu.

Kamera często znajduje odpoczywających ludzi, bo odpoczynek był kluczowy. Koce, prowizoryczne obozowiska i ciała na ziemi nie są dekoracyjnymi znakami hipisowskiej wolności. To infrastruktura przyniesiona przez samych uczestników. Publiczność tworzyła równoległą warstwę produkcji, po prostu znajdując sposoby pozostania na terenie.

Scena, dźwięk i produkcja

Dźwięk na Afton Down musiał mierzyć się z odległością i wiatrem na odsłoniętym terenie. Współczesne i techniczne relacje różnią się akcentami, lecz żaden dowód nie wspiera fantazji o jednolicie doskonałym odsłuchu. System wystarczająco duży dla masowej publiczności nadal dawał nierówne wyniki zależnie od miejsca. Monitoring i zakłócenia radiowe wpływały na wykonawców; długie zmiany sprzętu i potrzeby techniczne naciskały na harmonogram.

Ekipa filmowa Murraya Lernera stworzyła inny rodzaj ciągłości. Message to Love, ukończony i wydany znacznie później, łączy występy ze sporami i scenami z terenu. Jak każdy film festiwalowy dokonuje wyboru. Jego wartość częściowo polega na zachowaniu konfliktu o cel wydarzenia: biletowana produkcja płacąca artystom i dostawcom, wspólne zgromadzenie, platforma polityczna czy niestabilne połączenie wszystkich trzech.

Konflikt o bezpłatny festiwal

Ludzie gromadzili się na zboczu poza areną, a aktywiści kwestionowali zasadność pobierania opłat za dostęp do muzyki i ziemi. Fragmenty ogrodzenia przełamano. Pod koniec wydarzenia organizatorzy ogłosili bezpłatny wstęp, lecz opisywanie tego jako prostego zwycięstwa hojności ignoruje załamującą się już strukturę finansową. Artyści, pracownicy, promy, sprzęt i bezpieczeństwo nie stawały się darmowe po otwarciu bramy.

Zachowany film pokazuje konfrontację, lecz najbardziej dramatyczna wymiana nie powinna reprezentować każdego uczestnika. Wielu przyjechało słuchać muzyki, czekało, spało i wyjechało bez udziału w sporze ideologicznym. Konflikt jest ważny, bo ujawnił ekonomiczną sprzeczność festiwali kontrkulturowych. Wolność w wielkiej skali wymagała zasobów; żądanie ich bez wykonalnego sposobu zapłaty przenosiło ciężar gdzie indziej.

Co wydarzyło się później

Pierwotny festiwal nie powrócił w 1971 roku. Parlament następnie uchwalił Isle of Wight County Council Act 1971, dający władzom lokalnym uprawnienia wobec wielkich nocnych zgromadzeń. Ustawę często opisuje się jako bezpośrednią odpowiedź na wydarzenie z 1970 roku. Niezależnie od szerszego kontekstu związek pokazuje, że kultura festiwalowa stała się kwestią prawa i samorządu, nie tylko promocji muzycznej.

Nazwa festiwalu powróciła w 2002 roku pod inną organizacją i modelem produkcji. Dimbola Museum and Galleries niedaleko Freshwater prowadzi wystawę o pierwotnym wydarzeniu, a teren Afton pozostaje celem odwiedzających. Ta lokalna pamięć jest ważna: zakotwicza festiwal w historii wyspy, zamiast pozwalać światowej mitologii rockowej odrywać się od ludzi i krajobrazu, które ją niosły.

Filmy, nagrania i zachowane dokumenty

Message to Love zmontowano z obszernego materiału, lecz w znanej formie wydano dekady po festiwalu. Ten dystans ma znaczenie. Film łączy bezpośrednią obserwację z późniejszą wiedzą redakcyjną o tym, którzy wykonawcy stali się legendami i które konflikty miały definiować epokę. Osobne wydawnictwa koncertowe The Who, Hendriksa, Milesa Davisa i innych oferują pełniejsze dokumenty muzyczne, zawężając ramę społeczną.

Fotografie Godefroya robią coś innego. Szerokie kadry przywracają skalę między sceną, polem i horyzontem. Wystawy w Dimbola dodają lokalne wspomnienia i materialne pamiątki. Archiwum jest najsilniejsze, gdy formy te pozostają odrębne, zamiast zlewać się w jedną gładką opowieść retrospektywną.

Dziedzictwo

Isle of Wight 1970 pokazał zarówno artystyczną obietnicę, jak i administracyjne wyczerpanie wielkiego festiwalu kontrkulturowego. Oferował jeden z najszerszych programów epoki i stworzył nagrania, które pozostają znaczące. Ujawnił też, że skala tłumu może przeciążyć wstęp, komunikację i lokalną zgodę.

Wydarzenie nie „zakończyło lat sześćdziesiątych” w jeden teatralny weekend. Okresy historyczne nie kończą się wraz z demontażem sceny. Ujawniło jednak przemianę. Kultura festiwalowa miała trwać, lecz powtarzalne wydarzenia coraz częściej wymagały wynegocjowanych licencji, mocniejszej infrastruktury, profesjonalnej ochrony i jaśniejszych relacji z władzami lokalnymi. Ogromne pole na Afton Down uczyniło tę przyszłość nieuniknioną.

Nagrania obowiązkowe