The Slits zählen, weil sie zwei Anweisungen zugleich ablehnten: wie Frauen sich verhalten und wie Punk klingen sollte
Das erste populäre Bild von The Slits kann täuschend einfach sein. Vier jugendliche Frauen gehen aus der Londoner Punkszene hervor, kleiden und verhalten sich außerhalb gewöhnlicher Erwartungen, touren mit The Clash und werden zu einer der erkennbarsten Herausforderungen der Bewegung an die männliche Rockkultur.
William E. Badgleys Here to Be Heard: The Story of The Slits wird interessanter, sobald die Musik sich weigert, innerhalb dieses Bildes zu bleiben.
Als die Band 1979 mit Dennis Bovell Cut aufnimmt, haben Reggae, Dub, spärlicher Rhythmus und ungewöhnliche Gitarrenbeziehungen sie weit von der Vorstellung entfernt, Punk sei schneller verzerrter Rock. Ihre musikalische Unabhängigkeit wird ebenso bedeutsam wie ihr Geschlecht.
Das IFFR katalogisiert den Film als britische Produktion von 2017 mit einer Laufzeit von 86 Minuten und zeigte ihn 2018 international. Google Play nennt 85 Minuten. Das BFI London Film Festival hatte den Film bereits 2017 gezeigt; Tessa Pollitt, Palmolive, Badgley und Produzentin Jennifer Shagawat nahmen später an einem BFI-Gespräch teil.
Die Existenz der Dokumentation ist unmittelbar mit Ari Up verbunden. Shagawat hatte mit ihr bereits an einem Film über die Band gearbeitet, bevor Ari 2010 starb; danach wurde Badgley hinzugezogen, um das Projekt fertigzustellen. Der Film ist daher nicht bloß die spätere Entscheidung eines Außenstehenden, The Slits verdienten Wiederentdeckung. Die Wiederentdeckung hatte im späteren Leben der Band bereits von innen begonnen.
Ari Up war bei der Bandgründung vierzehn, was das Selbstvertrauen im Archivmaterial noch seltsamer wirken lässt
Ariane Forster, bekannt als Ari Up, war außergewöhnlich jung, als The Slits begannen. Die Band entstand 1976 in London; frühe Darstellungen nennen Ari ungefähr vierzehn. Dieses Alter verändert, wie das Archiv angesehen werden sollte.
Lautstärke, Improvisation und visuelles Selbstvertrauen können diese Künstlerinnen wie erfahrene Provokateurinnen erscheinen lassen. Tatsächlich waren mehrere Teenager, die Instrumente, Bühnenkunst und Identität öffentlich in einer Szene lernten, die Kühnheit schneller als technische Ausarbeitung belohnte.
Aris Erziehung verband sie zudem mit einem ungewöhnlichen kulturellen Netzwerk. Ihre Mutter Nora heiratete später John Lydon, wodurch die persönlichen Verbindungen rund um Punk noch dichter wurden. Diese Beziehungen sollten Ari nicht auf jemanden neben berühmten Männern reduzieren. Die Dokumentation ist gerade deshalb wertvoll, weil sie als Musikerin erscheint, deren eigene Entscheidungen sich der Einhegung widersetzen. Ihr Gesang kann spielerisch, konfrontativ und rhythmisch locker sein, ohne gewöhnlichen Rockgesang oder die männlichen Frontleute der Szene nachahmen zu müssen.
Palmolives Schlagzeugspiel gehört zur Gründungsidentität der Band, obwohl sie vor *Cut* geht
Paloma Romero, bekannt als Palmolive, war die ursprüngliche Schlagzeugerin von The Slits und eine Gründungskraft. Ihre Geschichte verbindet mehrere frühe Punknetzwerke, darunter Flowers of Romance und Musiker, die später andernorts zentral wurden. Die Dokumentation gibt ihr eine direkte Stimme. Das ist wesentlich, weil spätere kanonische Geschichte Mitglieder auslöschen kann, die vor dem berühmten Album gehen. Palmolive ist auf frühen Auftritten zu sehen und hilft, den Angriff der Band aufzubauen. Sie verlässt die Gruppe vor Cut und erzeugt damit ein vertrautes historisches Problem. Das Studioalbum wird zum Objekt, das die meisten Hörer kennen; Menschen, die darauf fehlen, wirken rückblickend weniger wichtig, als sie für die tatsächliche Bandgründung waren. Hier kann Dokumentation die Diskografie korrigieren. Eine LP dokumentiert eine Besetzung. Eine Band beginnt vor der LP.
Viv Albertines Gitarrenspiel zeigt, wie Unerfahrenheit zur Sprache werden kann, wenn Nachahmung nicht das Ziel ist
Viv Albertine kam nicht als gewöhnliche Virtuosin zu The Slits. Ihr Ansatz entwickelte sich durch die Punk-Erlaubnis, vor der Meisterschaft anzufangen, und durch aktive Ablehnung vertrauter Rollen der Rockgitarre. Das bedeutet nicht, Technik sei bedeutungslos gewesen. Technik konnte sich vielmehr um andere Prioritäten entwickeln. Kantige Akkordformen, Raum, rhythmische Unterbrechung und Zusammenspiel mit Bass und Schlagzeug werden nützlicher als das Kopieren von Bluesrocksolos. Albertines spätere Texte über Punk und die Erfahrung von Frauen machten sie zu einer der sprachlich stärksten historischen Zeuginnen der Szene. Der Film nutzt diese Perspektive, ohne zuzulassen, dass spätere Einsicht die unsichere junge Musikerin im Archiv auslöscht. Das ist eine wichtige Unterscheidung. Die Person, die den Klang Jahrzehnte später erklärt, weiß, was aus der Band wurde. Die Person, die ihn erfand, wusste es nicht.
Tessa Pollitts Bass wird zum Mittelpunkt, sobald die Band entdeckt, wie viel Raum Reggae schaffen kann
Tessa Pollitt ersetzte die frühe Bassistin Suzy Gutsy und wurde zu einer der prägenden Musikerinnen von The Slits. Ihr Spiel ist besonders während der Bewegung zu Reggae und Dub wichtig. Der gewöhnliche Punkmythos betont Gitarre als Aggression. The Slits stellen Bass und Rhythmus zunehmend ins Zentrum. Das verändert die gesamte Bandarchitektur.
Eine tiefe Basslinie kann Melodie und Groove tragen, während Albertines Gitarre Lücken lässt, statt sie zu füllen. Das Schlagzeug kann beweglicher mit dem Bass zusammenspielen. Aris Stimme gewinnt Raum, sich zu bewegen, ohne ständig gegen dichte Verzerrung anzukämpfen. Der Klang wird gerade deshalb bedrohlicher, weil er weniger überfüllt ist. Deshalb sollte die Bezeichnung „Punky Reggae“ vorsichtig verwendet werden. Die Band legte nicht einfach einen Reggaebeat unter Punklieder. Sie lernte eine andere Art, musikalischen Raum zu ordnen.
Die White-Riot-Tour von The Clash gab The Slits 1977 ein Publikum, bevor die meisten von ihnen genug Erfahrung für gewöhnliche Rockmaßstäbe besaßen
The Slits tourten 1977 auf der White-Riot-Tour mit The Clash, neben Bands wie Buzzcocks und Subway Sect. Diese Aufmerksamkeit war für eine so junge Band gewaltig. Sie stellte sie zugleich vor ein Publikum, dessen Toleranz für öffentlich lernende Frauen häufig viel kleiner war als für Männer, die dasselbe taten. Feindseligkeit konnte daher aus mehreren Richtungen kommen. Manche Hörer mochten die Musik nicht. Andere widersetzten sich Frauen, die visuelle und verhaltensbezogene Erwartungen an Künstlerinnen verweigerten. Das Archiv der Dokumentation wird kraftvoll, weil die Band nicht vor Urteilen geschützt erscheint. Sie erfindet eine Rolle, während Menschen zurückschreien. Darin liegt die praktische Schärfe späterer Beschreibungen als Wegbereiterinnen. Ein Pfad sieht romantisch aus, nachdem jemand anderes ihn gegangen ist. Die Ersten bekommen den Schlamm ab.
Das Auftreten der Band im Umfeld von Rock Against Racism gehört zu einem größeren politischen Punk-Reggae-Netzwerk
Die musikalische Beziehung von The Slits zu Reggae machte sie zu naheliegenden Beteiligten am breiteren antirassistischen Kulturumfeld des Punk. Daraus entsteht eine klare historische Brücke zu White Riot, ohne beide Geschichten austauschbar zu machen. RAR war eine organisierte Bewegung mit eigenen Aktivisten, Drucksachen und politischer Struktur; The Slits waren eine Band, deren Musik und gesellschaftliche Beziehungen jene Punk-Reggae-Grenze überschritten, die RAR häufig feierte. Diese Verbindung wird durch Menschen wie Dennis Bovell und Don Letts am stärksten. Sie gehören zur schwarzen britischen Musik und zur Punkkultur, ohne dass eine Szene die andere verschlucken muss. Ihre Anwesenheit macht das Netzwerk wesentlich genauer sichtbar als die träge Behauptung, „Punk habe Reggae entdeckt“.
Don Letts zeigt, dass Reggae durch Menschen, Clubs und Platten in die Punkkultur gelangte statt durch abstrakten Einfluss
Don Letts wurde als Reggae-DJ im Roxy sowie durch spätere Film- und Musikarbeit berühmt. Eine Zeit lang managte er auch The Slits und erscheint in der Dokumentation. Seine Anwesenheit zählt, weil Genreeinfluss häufig körperlos wird. Eine Geschichte sagt, Punk sei von Reggae beeinflusst worden. Die Frage lautet: wie? Menschen tragen Platten in Clubs. DJs entscheiden, was den Raum zwischen Livebands füllt. Freundschaften entstehen. Musiker hören Produktionstechniken und rhythmische Ideen unmittelbar. Letts gehört zu den Menschen, durch die dieser Verkehr sichtbar wird. Der spätere Klang von The Slits ist nicht das Ergebnis eines DJs. Der kulturelle Austausch besitzt Gesichter.
Dennis Bovells Produktion von *Cut* poliert The Slits nicht zu Professionalität; sie hilft ihnen zu hören, was aus ihrer Rauheit werden kann
Island Records nahmen The Slits unter Vertrag und brachten sie für das 1979 veröffentlichte Cut mit Reggaeproduzent Dennis Bovell zusammen. Islands eigene Geschichte nennt Bovell als Produzenten. Die Wahl war entscheidend. Ein gewöhnlicher Rockproduzent hätte die Band womöglich straffen wollen, indem er jene Unregelmäßigkeiten verringerte, die The Slits unverwechselbar machten. Bovell verstand Raum, Bass und Dub tief genug, um diese Unregelmäßigkeiten zu einer zusammenhängenden Studiosprache zu entwickeln. Das Ergebnis ist eines der großen Beispiele für Produktion als Übersetzung. Die Band klingt weder wie eine Reggaegruppe, die jamaikanische Tradition nachahmt, noch länger wie die rohen Live-Slits von 1977. Das Studio offenbart eine dritte Identität. Deshalb braucht die Produktion des Albums ihre eigene Geschichte. „Produziert von Dennis Bovell“ ist nicht bloß eine Angabe. Es erklärt, weshalb die Punk-Reggae-Beziehung der Band nicht länger theoretisch klingt.
Budgies Einstieg am Schlagzeug verändert die Studioband, ohne Palmolives Gründungsrolle auszulöschen
Nach Palmolives Abschied wurde Budgie Teil der Aufnahmegeschichte von The Slits und später durch Siouxsie and the Banshees und The Creatures berühmt. Sein Schlagzeugspiel trägt zur unverwechselbaren rhythmischen Raffinesse von Cut bei. Dadurch entsteht ein weiteres Problem der Besetzungsgeschichte, weil Gründungsbild und kanonische Albumbesetzung nicht identisch sind. Die Interviews helfen, indem Palmolive, Pollitt, Albertine und spätere Beteiligte getrennte Phasen erzählen dürfen, statt eine einzige vierköpfige Konfiguration für jede Periode von The Slits stehen zu lassen. Selbst eine Band mit nur wenigen bedeutenden Platten kann eine komplizierte Mitgliedergeschichte besitzen.
Das Cover von *Cut* zwang Betrachter, dem weiblichen Körper ohne die gewöhnliche Grammatik des Glamours zu begegnen
Das Coverbild des Albums, auf dem die Band schlammverschmiert und oben ohne erscheint, wurde zu einer der meistdiskutierten Fotografien des Punk. Es lässt sich in entgegengesetzten Richtungen oberflächlich deuten. Eine Lesart sieht reine Befreiung. Eine andere sieht Sexualisierung durch die Plattenindustrie. Das Bild ist schwieriger. Die Band setzte sich bewusst mit Vorstellungen von Weiblichkeit, Nacktheit, Schönheit und Anstand auseinander. Schlamm stört die polierte erotische Sprache, die von weiblichen Popbildern erwartet wird. Die Frauen blicken in die Kamera zurück, statt sich wie passive Dekoration zu verhalten. Nichts davon bedeutet, das Bild entkomme kommerzieller Zirkulation. Es ist weiterhin ein Albumcover, das Aufmerksamkeit anziehen soll. Handlungsmacht und Vermarktung können nebeneinander bestehen. Die auf Frauen konzentrierten Aussagen der Dokumentation sind hier besonders wertvoll, weil spätere Zuschauer nicht erfinden müssen, was die Beteiligten dachten, ohne sie anzuhören.
„Typical Girls“ legt die politische Methode der Band besser offen, als ein Manifest es könnte
The Slits mussten wiederholt Fragen dazu beantworten, wie Frauen klingen, aussehen und was sie wollen sollten. Ihre Musik antwortet durch Form ebenso wie durch Worte. Ein Lied kann Stereotype verspotten und zugleich gewöhnliche weibliche Gesangsdarbietung sowie gewöhnliches Rockarrangement verweigern. Deshalb sollte der Feminismus der Gruppe nicht auf Textinhalte reduziert werden. Die Band überhaupt zu gründen war unter den umgebenden Bedingungen politisch. Instrumente öffentlich zu lernen war politisch. Die Weigerung, zu dekorativen Begleitsängerinnen zu werden, war politisch. Rhythmus und Lärm seltsam bleiben zu lassen war politisch. Das überzeugendste Argument ist der Klang.
Palmolives späterer Abschied und ihr Leben zeigen, weshalb Punkbiografien das Verlassen der Musik nicht als historisches Scheitern deuten sollten
Palmolive entfernte sich schließlich vom Weg des professionellen Punk und ging in ein anderes Leben. Musikgeschichten behandeln Abschied häufig als Verschwinden. Eine Jahrzehnte später entstandene Dokumentation kann dieser Entscheidung Handlungsmacht zurückgeben. Nicht alle Beteiligten einer berühmten Szene möchten dauerhaft Berufsmusiker bleiben. Der Wert eines Beitrags hängt nicht davon ab, ihn in eine vierzigjährige Laufbahn zu verwandeln. Das korrigiert die Besessenheit der Rockkultur von Langlebigkeit. Die Band kann historisch zählen, auch wenn Einzelne eine andere Richtung wählen.
Die Auflösung von 1982 bestätigt, dass musikalische Eigenständigkeit keine nachhaltige Organisation garantiert
The Slits wurden kommerziell nicht gewaltig. Besetzungswechsel, Branchenbedingungen und interne Dynamik trugen um 1982 zum ursprünglichen Ende der Band bei. Der spätere Einfluss wurde wesentlich größer als die unmittelbaren Verkäufe. Dieses Muster ist andernorts in der Punkgeschichte vertraut, besonders bei The Stooges und The Velvet Underground. Die kanonische Platte überlebt leichter als die wirtschaftlichen Bedingungen, die sie hervorbrachten. Eine spätere Generation kann daher ein selbstbewusstes Bild erben, ohne zu verstehen, wie zerbrechlich die ursprüngliche Laufbahn tatsächlich war. Die Dokumentation stellt diese Zerbrechlichkeit wieder her. Einfluss kam spät. Rechnungen kamen pünktlich.
Die Wiedervereinigung von 2005 macht die Dokumentation zu einem Film über Kontinuität statt bloßer Wiederentdeckung
Ari Up und Tessa Pollitt belebten den Namen The Slits in den 2000ern mit einer späteren Besetzung wieder. Das ließe sich leicht als Kulturerbemarke abtun. Die Wiedervereinigung hatte eine weitere Funktion. Ari hatte außerhalb der kommerziellen Laufbahn der ursprünglichen Band als Musikerin weitergelebt; die neu belebte Gruppe erlaubte einem jüngeren Publikum, Material zu erleben, dessen historischer Ruf erheblich gewachsen war. Hollie Cooks Beteiligung schuf eine weitere Generationenverbindung. Die Band baute die Besetzung von 1979 nicht genau nach. Deshalb muss die Phase ein späteres Kapitel bleiben, statt als Beleg behandelt zu werden, „The Slits“ hätten bis 2010 unverändert bestanden. Kontinuität kann durch Verwandlung überleben.
Ari Ups Tod wird Teil der Produktionsgeschichte des Films statt eine nach Projektbeginn hinzugefügte Schlussszene
Ari starb 2010, während mit Jennifer Shagawat bereits an einer Dokumentation über die Band gearbeitet wurde. Die offizielle Filmseite erklärt, dass Shagawat Badgley nach Aris Tod kontaktierte, um das Projekt fertigzustellen. Diese Tatsache verändert die emotionale Struktur des Films. Ari ist keine verstorbene Ikone, die Jahre später als Thema ausgewählt wurde. Sie hatte am Vorgang der Geschichtsbewahrung teilgenommen. Die fertige Dokumentation wird notwendigerweise posthum. Ihr Ursprung war es nicht. Dieser Unterschied zählt. Der Film trägt einen Teil von Aris eigener Archivpräsenz in ein Projekt, dessen Fertigstellung sie nicht mehr erlebte.
„Die erste reine Frauen-Punkband der Welt“ ist ein nützliches Werbekürzel und gefährliche Universalgeschichte
Die eigene Website des Films und mehrere kommerzielle Beschreibungen nennen The Slits die erste reine Frauen-Punkband der Welt. Diese Formulierung vermittelt ihren wegweisenden Status wirkungsvoll, doch globale Behauptungen über „die Ersten“ lassen sich über Undergroundszenen mit unvollständiger Dokumentation nur schwer umfassend beweisen. Historisch stärker ist die Einordnung von The Slits unter die frühesten und folgenreichsten reinen Frauenbands des britischen Punk, nachdem sie 1976 in London entstanden waren. Ihr Pionierstatus braucht keine unbeweisbare Stoppuhr.
Die größte Leistung des Films besteht darin, The Slits im positiven Sinne unfertig klingen zu lassen
Spätere Kanonisierung kann Cut in ein vollkommenes Objekt und die Band in eine ordentliche historische Lehre über Frauen im Punk verwandeln. Here to Be Heard stellt Bewegung wieder her. Menschen kommen und gehen. Fähigkeiten entwickeln sich. Reggae verändert die Arrangements. Die Band löst sich auf. Ari bewegt sich weiter. Eine Wiedervereinigung baut eine andere Fassung. Die Geschichte bleibt unordentlich genug, um einer Gruppe von Menschen statt einer These zu ähneln. So sollte man sich an The Slits erinnern.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Verwende 2017 als Filmjahr. IFFR und Galway dokumentieren beide eine 86-minütige Festivalfassung, während Google Play derzeit 85 Minuten nennt. Bewahre beide Angaben bei ihren jeweiligen Editionen oder Katalogen. Der Film ging aus einer Dokumentation hervor, die Ari Up und Jennifer Shagawat bereits vor Aris Tod im Jahr 2010 entwickelt hatten.