Der Film, den Led Zeppelin drehten, als ein Konzertfilm nicht groß genug war
1973 waren Led Zeppelin zu groß geworden, als dass ein geradliniges Konzertdokument der Mythologie um sie herum genügt hätte. Ihre Platten boten relativ wenig konventionelle Erklärung der Menschen hinter der Musik, Interviews wurden sorgfältig kontrolliert, und Manager Peter Grant schützte das Image der Band mit ungewöhnlicher Härte. Als Filmemacher Joe Massot die Amerikatournee der Gruppe zu drehen begann, versuchte das Projekt daher Musiker einzufangen, die bereits teilweise hinter ihrer eigenen Größenordnung verborgen schienen.
Die drei Konzerte im Madison Square Garden am 27., 28. und 29. Juli 1973 hätten eine einfache Lösung bieten sollen. Man filmt Led Zeppelin in einer der wichtigsten Spielstätten der Vereinigten Staaten, ergänzt Material hinter den Kulissen, schneidet die stärksten Darbietungen zusammen und veröffentlicht einen großen Konzertfilm.
The Song Remains the Same wurde zu etwas wesentlich Seltsamerem. Der fertige Film von 1976 verbindet Konzertaufnahmen, Tourneematerial, Fantasiesequenzen und später rekonstruierte Darbietungsbilder, die nötig wurden, weil sich der ursprüngliche Dreh schwer montieren ließ. Joe Massot begann das Projekt, Peter Clifton vollendete es schließlich, und die dreijährige Produktion wurde beinahe so aufwendig wie die Band, die sie dokumentieren wollte.
Das Ergebnis wird seit Jahrzehnten kritisiert, gefeiert, neu aufgelegt, zitiert und in Spätvorstellungen gesehen, weil es zwei Led Zeppelins zugleich bewahrt: die tatsächlich in New York spielende Band und jene mythologische Version ihrer selbst, von der das Kino etwas Größeres als vier Musiker auf einer Bühne offenbaren sollte.
Der Madison Square Garden stand am Ende einer erschöpfenden Amerikatournee
Die Konzerte wurden während Led Zeppelins Tournee von 1973 zu Houses of the Holy gefilmt. Die offizielle Diskografie der Band bestätigt, dass die Soundtrackdarbietungen von den drei Abenden im Madison Square Garden vom 27. bis 29. Juli stammen.
Dieser Zeitpunkt ist wichtig, denn die Auftritte entstanden nicht am Beginn einer frischen Tournee. Die Gruppe war monatelang durch Nordamerika gereist, und zeitgenössische Berichte beschreiben die angesammelte Erschöpfung rund um die New Yorker Termine. Der berühmte Diebstahl einer großen Bargeldsumme aus dem Hotel der Band während dieser Tage sorgte für eine weitere Störung.
Spätere Zuschauer können leicht annehmen, ein Konzertfilm halte den idealen Abend einer ganzen Tournee fest. Tatsächlich erscheinen Kameras oft dort, wo Zeitpläne, Zugang zur Spielstätte und kommerzielle Möglichkeiten es erlauben. Led Zeppelin standen damit vor dem Problem, aus drei Abenden, die sich für die Musiker nicht zwingend endgültig anfühlten, eine maßgebliche filmische Aussage zu bauen.
Hier beginnt Filmproduktion die Aufführungsgeschichte zu verändern. Der fertige Film kann Augenblicke verschiedener Abende verbinden, visuelle Lücken schließen und Ton mit rekonstruierten Bildern kombinieren. Was als ein einziges monumentales Konzert erscheint, ist eine redaktionelle Schöpfung aus mehreren Darbietungen und späterer Arbeit.
Das macht die Musik nicht künstlich. Es macht den Film zu einem komplizierten Liveartefakt und nicht zu einer transparenten Aufzeichnung.
Drei Minuten Filmmagazin treffen auf siebenundzwanzig Minuten „Dazed and Confused“
Turner Classic Movies bewahrt eine der klarsten Erklärungen dafür, weshalb der ursprüngliche Dreh so schwierig wurde. Massot verwendete handgeführte 35-mm-Kameras mit 400-Fuß-Magazinen, die ununterbrochene Einstellungen auf nur wenige Minuten begrenzten. Das ist bei jedem Konzert eine unbequeme Einschränkung. Zum strukturellen Problem wird sie, wenn Led Zeppelin „Dazed and Confused“ auf mehr als zwanzig Minuten ausdehnen.
Eine Kamera kann auslaufen, während das Lied weitergeht. Nachladen braucht Zeit. Eine andere Kamera kann die Lücke nur dann schließen, wenn sie den richtigen Winkel besitzt und mit dem brauchbaren Ton synchron bleibt. Über drei Abende sammelten die Filmemacher ein gewaltiges Puzzle aus Fragmenten.
Nachdem Massot das Projekt verlassen hatte, wurde Peter Clifton schließlich hinzugezogen, um das Schnittproblem zu lösen. Zu seiner Lösung gehörte die Rekonstruktion visuellen Materials in den Shepperton Studios. Dort konnte die Band synchron zum vorhandenen Konzertton spielen, während Kameras jene Einstellungen nachstellten, die im ursprünglichen Madison-Square-Garden-Material fehlten.
Diese Technik erschwert den Begriff „Konzertaufnahme“. Manche Bilder zeigen tatsächlich New York im Juli 1973. Andere stellen die Darbietung später visuell nach, um den Film zusammenhängend zu machen. Geschickte Montage lässt die Grenze schwer erkennbar werden.
Für Filmhistoriker ist diese Produktionsgeschichte faszinierend. Für Zuschauer erklärt sie, weshalb The Song Remains the Same zugleich intensiv live und eigentümlich komponiert wirken kann.
Die Fantasiesequenzen verwandeln Rockstar-Privatsphäre in selbst verfasste Mythologie
Eine konventionelle Dokumentation hätte Led Zeppelins relative öffentliche Rätselhaftigkeit mit Interviews lösen können. Die Band wählte Fantasie.
Der Film verlässt den Madison Square Garden für individuelle Sequenzen, die die Musiker und Peter Grant mit symbolischen oder imaginären Identitäten verbinden. Jimmy Pages Bildwelt greift bekanntlich die Figur des Eremiten auf, während sich die anderen Sequenzen durch pastorale, historische, häusliche und surreale Schauplätze bewegen. Biografische Erklärungen im gewöhnlichen Sinn sind sie nicht.
Ihr Wert liegt darin, was sie über die damalige Vorstellung von Rockruhm offenbaren. Mitte der 1970er konnte eine so große Band wie Led Zeppelin ein Image entwerfen, in dem Geheimnis wertvoller war als Zugang. Das Publikum musste weder erfahren, was Jimmy Page zum Frühstück aß, noch wie John Paul Jones sein Bankkonto organisierte. Das Kino konnte stattdessen jene Welt erweitern, die Albumkunst, okkulte Verweise, Bühnenlicht und Pressemythologie andeuteten.
Die Sequenzen spalteten Zuschauer schon immer. Manche sehen selbstgefällige Fantasie, die ein großartiges Konzert unterbricht. Andere sehen den seltenen Fall einer Rockband, die die Mittel eines Spielfilms nutzt, um ein eigenes symbolisches Universum zu bauen.
Beide Reaktionen sind nachvollziehbar, denn der Film verweigert die moderne Annahme, Authentizität verlange ein Bekenntnis hinter der Bühne. Led Zeppelins bevorzugte Antwort auf die Frage „Wer sind diese Menschen?“ ist kein Interview. Sie ist ein Traum.
John Bonham macht Mythologie überflüssig, sobald die Kamera zum Schlagzeug zurückkehrt
Das Fantasiematerial kann die Diskussion beherrschen, weil es ungewöhnlich ist; das dauerhafte Zentrum des Films bleibt jedoch die Darbietung. John Bonhams Schlagzeugspiel ist besonders wichtig, weil der Film seine körperliche Technik mit einer Klarheit zeigt, die Studioplatten nicht bieten können.
Die Größe von Led Zeppelins Klang kann Hörer einen viel umfangreicheren rhythmischen Apparat als einen einzigen Schlagzeuger vermuten lassen. Die Kamera zeigt, wie viel dieses Gewichts aus Anschlag, Timing, Dynamik und dem Zusammenspiel von Bonhams Gliedmaßen stammt und nicht aus bloßer Komplexität des Aufbaus.
John Paul Jones ist ähnlich aufschlussreich. Sein öffentliches Bild war stets ruhiger als das von Page oder Plant, doch auf der Bühne lässt sich seine Rolle nicht als zweitrangig behandeln. Bass, Keyboards und unterstützende Arrangements bewegen sich mit einer Präzision durch das Konzert, die den auffälligeren Teilen der Band erlaubt, sich auszudehnen.
Robert Plant und Jimmy Page liefern das offensichtliche visuelle Drama, doch der Film funktioniert am besten, wenn er die gegenseitige Abhängigkeit aller vier bewahrt. Zeppelins lange Improvisationen bestehen nicht aus einem umherziehenden Gitarristen, während alle anderen warten. Sie verlangen eine Rhythmusgruppe, die der Form eines Stücks folgen, sie vorhersehen und umlenken kann.
Deshalb kehren selbst Zuschauer, die sich über die Fantasiesequenzen ärgern, häufig zum Film zurück. Das Konzertmaterial enthält Belege, die keine Mythologie ersetzen kann.
„Dazed and Confused“ zeigt Glanz und Problem von Zeppelin 1973 zugleich
Die ausgedehnte Sequenz von „Dazed and Confused“ wurde zu einer der prägenden Darbietungen des Films. Sie gibt Page Raum für mit dem Bogen erzeugte Gitarrentexturen, Riffs und improvisierte Abschnitte, während die Band das Stück über eine für eine gewöhnliche Rocksingle kaum vorstellbare Dauer umformt.
Für Bewunderer ist das Led Zeppelins Livesprache in voller Größe. Die Gruppe kann zwischen Gewalt, Stille, vom Blues abgeleiteten Phrasierungen, Lärm und spontanen Übergängen wechseln, ohne ein Lied als festes Studioarrangement zu behandeln.
Für Kritiker zeigt dieselbe Sequenz jene Selbstgefälligkeit, die den Arena-Rock der 1970er für spätere Gegenreaktionen angreifbar machte. Die Dauer kann übermäßig wirken, und der enorme Raum für einzelne instrumentale Darbietungen verkörpert genau jene Rockmonumentalität, die Punk bald angreifen sollte.
Die nützliche historische Haltung besteht nicht darin, diesen Streit zu entscheiden. Die Darbietung ist wertvoll, weil sie den Einsatz sichtbar macht. Led Zeppelin waren mächtig genug, vom Publikum zu erwarten, einem Stück auf einer ausgedehnten improvisatorischen Reise zu folgen, und ihre Konzertkultur belohnte diesen Maßstab.
Ein Artikel im Vorführraum sollte Zuschauer selbst entscheiden lassen, ob das Ergebnis befreiend oder selbstherrlich wirkt, ohne eine Reaktion zur historisch richtigen zu erklären.
Soundtrackalbum und Film sind verwandt, aber keine identischen Behälter
Wie bei Yessongs erzeugt die Titelgleichheit leicht Verwirrung. Das ursprüngliche Soundtrackalbum von 1976 verwendete Material aus dem Madison Square Garden, doch Reihenfolge und Inhalt bildeten nicht einfach alles ab, was in den Konzerten gezeigt oder gespielt wurde.
Spätere Neuauflagen machten die Beziehung komplizierter. Led Zeppelins offizielle Website hält fest, dass der remasterte Soundtrack auf fünfzehn Stücke erweitert wurde, darunter Material, das auf dem ursprünglichen Album fehlte. Auch die Heimvideoausgaben von 2007/2008 enthielten mehr als vierzig Minuten Bonusmaterial mit zusätzlichen Auftritten wie „Over the Hills and Far Away“, „Celebration Day“, „Misty Mountain Hop“ und „The Ocean“.
Entscheidend ist die Trennung zwischen ursprünglichem Spielfilm, ursprünglichem Soundtrackalbum, erweiterten späteren Audioausgaben und Bonus-Videodarbietungen. Sie alle schöpfen aus derselben Konzertquelle von 1973, verpacken sie jedoch verschieden.
Für Sammler sind Editionsdaten deshalb wirklich nützlich. Eine moderne Box kann wesentlich mehr Material aus dem Madison Square Garden enthalten, als ein Zuschauer aus dem Kinofilm von 1976 erinnert. Das bedeutet aber nicht, dass der ursprüngliche Film stillschweigend um jedes erhaltene Lied erweitert wurde. Das Archiv wird verständlicher und historisch nützlicher, wenn diese Objekte getrennt bleiben.
Drei Produktionsjahre machten den Film schon vor seiner Premiere zum Zeitstück
Die offizielle Led-Zeppelin-Pressemitteilung vom Oktober 1976 betonte, dass der Film drei Jahre bis ins Kino gebraucht hatte. In dieser Zeit hatte sich die Band selbst verändert. Physical Graffiti war erschienen, Presence aufgenommen worden, und Robert Plants schwerer Autounfall von 1975 hatte die Tourneepläne unterbrochen.
Der Film erschien daher als Dokument des Zeppelin von 1973 zu einem Zeitpunkt, als 1973 bereits wie eine andere Phase wirkte. Die Verzögerung verstärkte den Eindruck, Zuschauer sähen ein versiegeltes Bild der imperialen amerikanischen Periode der Band und keinen aktuellen Tourneefilm.
Sie trug außerdem zur kritischen Feindseligkeit bei. Bis 1976 hatte sich die Kultur rund um Rock verändert, und ein langer Spielfilm voller Fantasiesequenzen und gewaltiger Soli konnte wie ein Denkmal genau jenes Übermaßes wirken, das jüngere Szenen zunehmend ablehnten.
Fans reagierten anders. TCM verweist auf die Kluft zwischen scharfen Kritiken und begeistertem Publikum, während der Film im Mitternachtskino ein langes Nachleben fand. Die Uneinigkeit wurde Teil seiner Identität und bleibt eines der klarsten Beispiele für die Distanz, die sich bei einem Konzertfilm zwischen kritischem Urteil und Fanverehrung öffnen kann.
Die Laufzeit hängt davon ab, welche Veröffentlichung tatsächlich im Regal steht
Die Unterlagen des BBFC zeigen, dass The Song Remains the Same ohne Einschränkung keine universelle Laufzeit erhalten kann. Die Kinoklassifizierung von 1976 läuft 136 Minuten und 47 Sekunden. Eine Klassifizierung physischer Medien von 1987 nennt 126 Minuten und 52 Sekunden, während eine Heimunterhaltungsfassung von 2000 131 Minuten und 57 Sekunden läuft.
Das sind erhebliche Unterschiede. Wer einen Streamingdienst, eine ältere Veröffentlichung aus der VHS-Ära und eine Kinoangabe vergleicht, kann deshalb drei verschiedene Zahlen finden, ohne dass eine davon zwingend ein Tippfehler ist.
Die richtige Archivlösung besteht darin, den Kinofilm von 1976 als wichtigste historische Werkreferenz zu behandeln und spätere Laufzeiten ihren Ausgaben zuzuordnen. Bonusmaterial moderner Blu-ray-Veröffentlichungen gehört nicht in die Spielfilmlaufzeit.
Led Zeppelins offizielle Website dokumentiert außerdem spätere, unter Aufsicht der Band neu gemischte und remasterte Ausgaben, sodass Tonangaben auf Editionsebene ebenso wichtig sind.
Bei einem Film, der von Beginn an durch so viel Rekonstruktion entstand, ist es seltsam passend, dass auch seine spätere Heimvideoidentität kompliziert bleibt.
Ein fehlerhafter Film kann dennoch der richtige Film für Led Zeppelin sein
Eine sauberere Dokumentation wäre womöglich würdevoller gealtert. Sie hätte die Fantasie entfernen, die Improvisationen kürzen, die Tournee erklären und die vier Musiker in Interviews vorstellen können. Ein solcher Film wäre wahrscheinlich leichter zu empfehlen, könnte aber weniger über die kulturelle Stellung offenbaren, die Led Zeppelin tatsächlich besaßen.
The Song Remains the Same ist übermäßig, weil Led Zeppelin 1973 in Größe, Ehrgeiz und kultureller Position übermäßig waren. Die Produktionsprobleme des Films, seine symbolischen Fantasien und langen Konzertpassagen gehören zur selben historischen Welt wie Privatflugzeuge, ausverkaufte Arenen und die wachsende Überzeugung, Rockgruppen könnten Mythologien in einer Größenordnung schaffen, die früher Kinostars vorbehalten war.
Der Film dokumentiert diese Mythologie nicht bloß von außen. Er beteiligt sich an ihr – manchmal brillant und manchmal unbeholfen.
Das macht ihn zu einer komplizierteren historischen Quelle als ein vollkommen effizienter Konzertfilm es wäre. Nicht alle Fehler sind Tugenden, aber sie sind Belege.
Sobald die Kamera in den Madison Square Garden zurückkehrt und sich die Band in der Musik verzahnt, braucht das Projekt plötzlich keine Verteidigung mehr. Der übrige Film erklärt, weshalb vier gemeinsam spielende Musiker wichtig genug geworden waren, dass alle Beteiligten glaubten, die Wirklichkeit allein genüge nicht mehr.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Als historische Referenz dient der Kinofilm von 1976 mit ungefähr 137 Minuten; die kürzeren, vom BBFC dokumentierten Heimvideofassungen bleiben getrennt. Moderne remasterte Blu-ray- und DVD-Ausgaben fügen umfangreiches Bonus-Konzertmaterial hinzu, das nicht in die Laufzeit des Spielfilms eingerechnet werden darf.