Ein Film über Yes in dem Moment, als Progressive Rock lernte, wie groß er werden konnte
Als Yes am 15. und 16. Dezember 1972 im Rainbow Theatre spielten, hatte die Gruppe in nur wenigen Jahren bereits mehrere Identitäten durchlaufen. The Yes Album hatte ein neues kompositorisches Selbstvertrauen etabliert, Fragile Rick Wakeman eingeführt und das instrumentale Vokabular erweitert, und Close to the Edge hatte den Progressive Rock in Langform zu einer strukturellen Ambition geführt, die für den Ruf des Genres zentral werden sollte.
Peter Neals Yessongs bewahrt diese Besetzung an einem ungewöhnlich wichtigen Punkt. Jon Anderson, Chris Squire, Steve Howe und Rick Wakeman werden von Alan White ergänzt, der Bill Bruford im Verlauf des Jahres 1972 ersetzt hatte. Der Film hält daher sowohl den Höhepunkt der Close to the Edge-Ära als auch einen bedeutenden Personalwechsel fest, der mit bemerkenswerter Geschwindigkeit stattgefunden hatte.
Yes sollten sich weiter verändern, doch die visuelle Identität, die die meisten Hörer mit ihrer klassischen progressiven Phase verbinden, ist bereits vorhanden. Wakeman ist von Keyboards umgeben, Howe wechselt zwischen elektrischen und akustischen Aufgaben, Squires Bass fungiert ebenso häufig als Leadinstrument wie als konventionelle Begleitung, und Anderson steht im Zentrum einer Musik, deren Arrangements gewöhnliche Rocksong-Proportionen oft weit überschreiten.
Der Film ist keine aufwendige Dokumentation darüber, wie all dies entstand. Er ist wertvoll, weil die Kameras anwesend waren, als die Maschinerie bereits funktionierte.
Das Rainbow Theatre war beinahe selbst Teil des Progressive-Rock-Instruments
Das Rainbow Theatre wurde zu einem der prägenden Londoner Veranstaltungsorte der frühen 1970er Jahre. Auf seiner Bühne standen David Bowie, King Crimson, Eric Clapton, Roxy Music, Focus, Golden Earring und viele weitere. Seine Architektur eignete sich für Bands, deren Ambitionen über Clubs hinausgewachsen waren, ohne schon dauerhaft an Sportarenen gebunden zu sein.
Für Yes schuf der Ort die richtige Größenordnung. Die Gruppe konnte einen beträchtlichen Bühnenaufbau und eine visuelle Präsentation einsetzen und blieb dem Publikum zugleich nah genug, damit Kameras das individuelle Spiel beobachten konnten. Die erhaltenen Bilder sind dunkler und technisch weniger poliert als modernes Konzertkino, doch auch diese Einschränkung bewahrt etwas Nützliches über die Epoche. Progressive Rock war bereits spektakulär geworden, bevor Konzertaufnahmen jene mühelose Helligkeit, Kameraabdeckung und digitale Flexibilität entwickelten, die spätere Zuschauer erwarten.
Roger Deans Kunst erscheint in der visuellen Rahmung und Titelgestaltung und verbindet den Auftritt mit jener Bildwelt, die von den Yes-Platten bereits untrennbar geworden war. Deans Landschaften hatten für Alben wie Fragile, Close to the Edge und das Liveset Yessongs eine eigene visuelle Welt geschaffen. Im Kino bilden diese Bilder eine Schwelle und keinen Ersatz für die Bühne. Sobald die Band spielt, tragen Instrumente und Musiker den größten Teil der visuellen Last.
Diese Zurückhaltung ist angemessen, denn Yes waren nie einfach eine Band mit dekorativer Fantasiekunst ringsum. Ihre Bühnenidentität beruhte auf sichtbarer Koordination. Die Komplexität der Musik lässt sich leichter verstehen, wenn Zuschauer beobachten können, wie fünf Menschen sie körperlich aushandeln.
Alan White ist bereits Teil der Musik, doch der Personalwechsel ist noch frisch
Bill Brufords Abschied von Yes im Jahr 1972 hätte die Gruppe genau in jenem Moment destabilisieren können, als Close to the Edge äußerst kontrollierte Liveauftritte verlangte. Alan White kam unter bekanntlich komprimierten Umständen hinzu und musste vor der Tournee in kurzer Zeit ein gewaltiges Repertoire aufnehmen.
Bei den Dezemberkonzerten im Rainbow wird er nicht als vorübergehender Ersatz präsentiert. Der Film zeigt die klassische fünfköpfige Yes-Besetzung als Einheit; der historische Zeitpunkt macht Whites Rolle jedoch besonders interessant. Er interpretiert Musik, die stark mit Bruford verbunden ist, und beginnt zugleich den langen Prozess, den rhythmischen Charakter der Band nach seinem eigenen Spiel umzugestalten.
Die offizielle Website von Yes bestätigt, dass der Film die beiden Rainbow-Konzerte vom 15. und 16. Dezember 1972 dokumentiert, und nennt White als Schlagzeuger der Tourneebesetzung nach Brufords Abschied im Sommer. Damit ist Yessongs ein klarerer Nachweis der neuen Bühnenkonfiguration als das gleichnamige Livealbum, denn dieses schöpft aus einem erheblich größeren Aufnahmezeitraum und enthält sowohl Bruford als auch White.
Die Unterscheidung ist wichtig, sobald Film und Platte auf einer Website miteinander verknüpft werden. Sie teilen Kunst, Repertoire, Epoche und Namen, sind aber keine geradlinigen Audio- und Videofassungen desselben Konzerts. Ein Hörer kann Yessongs auf Vinyl besitzen und dennoch Auftritte von anderen Abenden hören als jene im Film.
Das Dreifachalbum und der Film bewahren zwei verschiedene Vorstellungen von Livegeschichte
Das Album Yessongs von 1973 wurde aus Aufnahmen der Tourneephasen zu Fragile und Close to the Edge zusammengestellt. Die offizielle Yes-Diskografie beschreibt Material, das zwischen Februar und Dezember 1972 aufgenommen wurde, mit Bill Bruford auf einigen Stücken und Alan White auf der Mehrheit.
Der Film ist sehr viel enger gefasst. Er konzentriert sich auf die Dezemberauftritte im Rainbow Theatre mit White am Schlagzeug. Dieser Unterschied ist wichtig, weil Livealben häufig versuchen, aus mehreren Abenden das stärkstmögliche Idealkonzert zu bauen, während ein Konzertfilm daran gebunden ist, wo tatsächlich Kameras standen.
Dadurch ist der Film ein spezifischeres historisches Dokument und das Album eine breitere musikalische Zusammenfassung. Keines entwertet das andere. Die Platte kann Darbietungen nach Tonqualität und musikalischer Ausführung auswählen; der Film bewahrt Körper, Instrumente, Bühnenlicht und räumliche Beziehungen, die auf Vinyl nicht existieren können.
Für RetroForge bietet das Paar eine ausgezeichnete Gelegenheit zu erklären, wie Liveveröffentlichungen hergestellt werden. Ein gemeinsamer Titel garantiert keine gemeinsame Quelle. Dasselbe Tourneejahr einer Band kann eine Platte und einen Film hervorbringen, die sich nur teilweise überschneiden, selbst wenn das Marketing dazu einlädt, sie als ein Objekt zu erinnern.
Die Kamera zeigt, weshalb Yes orchestral klingen konnten, ohne zum Orchester zu werden
Progressive Rock wird oft über Größe beschrieben: lange Stücke, klassischer Einfluss, ungewöhnliche Taktarten und große Instrumentenpaletten. Yessongs macht eine weitere Eigenschaft sichtbar. Yes erzeugen einen großen Teil ihrer Dichte durch flexible Rollen statt durch bloße Anzahl.
Chris Squires Bass bewegt sich häufig in einem melodischen und aggressiven Register, das mit der Gitarre konkurriert, statt höflich darunterzuliegen. Steve Howe kann zwischen elektrischem Leadspiel, akustischen Passagen und Texturen wechseln, die die wahrgenommene Größe des Arrangements verändern. Rick Wakemans Keyboardaufbau erlaubt Orgel, vom Klavier abgeleitete Klänge und Synthesizerfarben in schneller Folge. Alan White und Jon Anderson besitzen klar umrissene Aufgaben, doch selbst diese Rollen interagieren mit dem Ensemble, statt über ihm zu stehen.
Die Band zu beobachten ist deshalb für Hörer nützlich, die den Platten zuerst als gewaltigen Studiokonstruktionen begegneten. Die Bühne legt offen, wie viel dieses Klangs von fünf Musikern erzeugt werden kann, die zwischen sorgfältig unterschiedenen Stimmen wechseln.
Der Film macht auch die körperlichen Anforderungen deutlich. Lange Yes-Kompositionen verlangen Konzentration über ausgedehnte Strukturen, in denen ein kleiner Fehler Übergänge viele Minuten später beeinflussen kann. Die Darbietungen sind keine bloßen Solosammlungen. Selbst wenn Howe oder Wakeman visuell im Zentrum steht, erhält der Rest der Band die darunterliegende Architektur aufrecht.
Das unvollkommene Bild ist Teil der historischen Textur des Films geworden
Zeitgenössische und spätere Kritik an Yessongs konzentrierte sich häufig auf Bild und Ton. Time Out beschrieb die Bilder beispielsweise als trüb und durch die Bühnenbeleuchtung abgeflacht, würdigte aber die Roger-Dean-Grafiken und optischen Effekte. Moderne restaurierte Einträge bei Apple TV und Disney+ betonen Remastering und die Wiedereinsetzung früher verlorener Elemente. Das zeigt, wie sehr spätere Ausgaben Material verbessern wollten, das visuell nie makellos war.
Man könnte diese technischen Grenzen als zu entschuldigende Mängel behandeln. Sie sind tatsächlich vorhanden, und einem an moderne 4K-Konzertproduktionen gewöhnten Zuschauer darf nichts versprochen werden, was der Film nicht leisten kann. Doch die Dunkelheit erzählt auch etwas über die Bedingungen des Rockkinos der frühen 1970er. Bühnenlicht war für den Raum konzipiert, nicht für künftige HDR-Bildschirme; ein sich rasch wandelndes Konzert mit damaliger Technik zu filmen, brachte Einschränkungen mit sich, die kein Remaster vollständig beseitigen kann.
Restaurierung kann Informationen zurückgewinnen. Sie kann weder nie gefilmte Kameraeinstellungen noch eine Belichtung erfinden, die das Negativ nie korrekt erreichte. Die beste moderne Ausgabe verbessert daher den Zugang, ohne Yessongs in eine heutige Produktion zu verwandeln.
Diese Ehrlichkeit ist vorzuziehen. Der Wert des Films liegt in seiner Nähe zur Darbietung, nicht in technischer Vollkommenheit.
Roger Deans Bildwelt und die Bühne gehören aus verschiedenen Gründen zur selben Yes-Welt
Die Verbindung zwischen Yes und Roger Dean wurde so stark, dass sich Musik und Bildsprache nur schwer trennen lassen. Deans Albumverpackungen dekorierten die Platten nicht bloß; sie gaben Hörern imaginäre Geografien, durch die sie sich den langen Kompositionen der Band nähern konnten.
Der Konzertfilm zeigt die Grenze dieser Beziehung auf interessante Weise. Dean kann den Film einleiten, den Titel rahmen und die umgebende Identität formen, doch sobald die Musiker spielen, kann er ein Stück wie „Close to the Edge“ nicht visuell erklären. Die Bühne muss ihre eigene Logik durch Licht, Bewegung und instrumentale Interaktion erzeugen.
Das verhindert, dass Yessongs zu einer Fantasieillustration mit untergelegtem Konzertmaterial wird. Die Bilder deuten den erweiterten geistigen Raum an, der mit Yes verbunden ist; die Darbietung erinnert daran, dass der Klang aus einem sehr physischen Prozess mit schweren Instrumenten, Kabeln, Verstärkern und konzentrierten Menschen im Bühnenlicht stammt.
Diese Balance ist ein Grund dafür, dass der Film wertvoller bleibt, als sein technischer Ruf vermuten lässt. Er bewahrt beide Seiten des klassischen Yes: die vorgestellte Welt und die Arbeit, die nötig ist, um sie hörbar zu machen.
Eine Veröffentlichung von 1975 blickt nur drei Jahre zurück
Der Film kam erst 1975 ins Kino. Zu diesem Zeitpunkt hatten Yes bereits Tales from Topographic Oceans, Rick Wakemans ersten Abschied, Relayer und einen weiteren großen Klangwandel durchlaufen. Drei Jahre waren chronologisch kurz, im Progressive Rock der frühen 1970er jedoch lang.
Dadurch war Yessongs beinahe schon bei seinem Erscheinen archivalisch. Der Film bewahrte eine Besetzung und ein Repertoire aus einer Phase, die die Band durch nachfolgende Alben bereits komplizierter gemacht hatte. Diese Distanz ist nur gewachsen. Heute lässt sich der Film sehen, ohne entscheiden zu müssen, ob 1972 einen künstlerischen Höhepunkt darstellte, denn sein dokumentarischer Wert ist von Ranglisten unabhängig.
Er zeigt Yes in einem jener Augenblicke, als Progressive Rock selbstbewusst genug war, Komplexität zum Teil des populären Spektakels zu machen. Die Arrangements sind lang, instrumentale Technik wird offen vorgeführt, und wenig deutet darauf hin, dass die Gruppe ihre Musik für die Kamera verkürzen müsste.
Für einen Vorführraum zur Geschichte progressiver Musik macht das Yessongs weniger zu einem optionalen Fanextra als zu einer primären visuellen Quelle.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Moderne Plattformen nennen gewöhnlich ungefähr 71–72 Minuten, während auch historische Angaben von etwa 75–76 Minuten existieren. Die restaurierte Ausgabe sollte anhand ihrer genauen Laufzeit und Quelle ausgewiesen werden. Der Film Yessongs muss getrennt vom Dreifach-Livealbum von 1973 verknüpft bleiben und darf nicht als dessen direkter visueller Soundtrack beschrieben werden.