電子音楽史が「男たちのクラブ」に見えたのは、歴史が男たちばかりを写真に残してきたからでもある
一般に流通している電子音楽史のイメージは、機械の隣に立つ男性で埋め尽くされている。Robert Moogは巨大なmodular synthesizerの前に立ち、Kraftwerkは完璧に統制された電子的modernismの象徴となり、Brian Enoはテープマシンやsynthesizerの並ぶstudioで語られる。progressive rockの巨大keyboard setup、Berlin Schoolのsequencer、後年のcomputer musicまで重なると、電子音楽はほとんど男性中心の技術文化から発展したように見えてしまう。
Lisa RovnerのSisters with Transistorsは、その男性たちが重要ではなかったとは主張しない。このfilmが問うのは、Clara Rockmore、Daphne Oram、Bebe Barron、Pauline Oliveros、Delia Derbyshire、Maryanne Amacher、Éliane Radigue、Suzanne Ciani、Laurie Spiegelを含む並行した歴史が、なぜ標準的な物語の中で遥かに見えにくかったのかということだ。
AFI FESTは2020年にworld premiereとして本作を上映し、上映時間を86分と記録した。Eye Filmmuseumも2020年・86分のdocumentaryとしている一方、film公式ニュースには2022年の別編集である52分のArteテレビ版が記録されている。Laurie Andersonのナレーションはアーカイブに連続性を与えるが、画面上の女性たちを「歴史家の説明」に置き換えない。中心的な訂正は「女性もそこにいた」という程度ではない。女性たちは、しばしばその音楽言語そのものを開発していた。
Clara Rockmoreはsynthesizer cultureにstarが生まれる前からelectronic instrumentにvirtuosoがいたことを証明する
RockmoreはScreening Roomではすでにtheremin: An Electronic Odysseyに登場しており、そこで彼女の厳格な演奏技法がthereminを本格的なconcert instrumentとして成立させている。Sisters with Transistorsの中では、彼女はさらに広い系譜の一部になる。
この配置によって強調点が変わる。Rockmoreは「一つの奇妙な楽器に結びついた例外的な女性」ではなく、synthesizerがpopular musicへ入る以前から、女性が電子演奏史の重要な位置にいた証拠になる。
thereminにはほとんど触覚的手掛かりがない。音程は連続した空間にあり、もう一方の手が音量を制御する。Rockmoreは不気味なglissandoを鳴らすだけでなく、正確なintonationと表情豊かなphrasingを再現可能にする技法を発達させた。broader documentaryにとってこれは効果的な出発点になる。文化が予想するより深くperformerがinstrumentを理解した時、技術的制約そのものが芸術言語になり得るからだ。Rockmoreは後の電子音楽sceneにthereminを正当化してもらう必要などなかった。忘れていたのは後世のhistoryの方だった。
Daphne OramはDelia Derbyshire以前の「前座」ではなくBBC Radiophonic Workshopの創設者の一人として扱うべき
British electronic music historyではBBC Radiophonic Workshopが中心に置かれることが多い。radio/televisionを通じ何世代ものlistenerへelectronic soundを聞かせた機関だからだ。Daphne Oramはそのinstitutionを可能にした人物の一人で、1958年のRadiophonic Workshop設立に関わり、その後BBCを離れてindependentな道を進み、Oramics systemやbroader compositional practiceを発展させた。
このdepartureは重要だ。institutional successはresourcesを提供する一方、creative freedomを狭めることもある。broadcasting workshopにはschedule、commission、production responsibilityがある。Oramは番組のためのservice workを越えてelectronic compositionを探求したかった。
Bebe BarronはHollywood最初期の重要なelectronic scoreが、業界側に適切なcredit languageすらなかった時代に作られたことを示す
Bebe BarronとLouis Barronは1956年のForbidden Planetでelectronic soundsを制作し、electronic film scoring史のlandmarkの一つを作った。creditではconventional music creditの代わりに"electronic tonalities"という表現が使われたことで知られる。electronically generated soundのstatusを巡るindustry/union complicationsもその背景にあった。このwordingは問題を完璧に表している。soundsはscoreとして機能しているのに、industryにはそれを作ったpeopleをどうcategoriseすべきかcomfortably分からなかった。
Bebe Barronのimportanceは、historyが"The Barrons"と一括してしまうと特に消えやすい。collaborationは保持すべきだが、女性のauthorshipをsurname pairへ溶かしてはいけない。documentaryはLouisのroleも認めながらBebe individual presenceを戻す。このfilmが繰り返し行うhistoriographical correctionの一つだ。partnershipはinvisibilityを意味しない。
Delia Derbyshireは*Doctor Who* themeを「realise」した。作曲者はRon Grainer
electronic television musicでoriginal Doctor Who themeほど文化的に長く残った作品は少ない。そのcredit historyはしばしば雑に単純化される。
Ron Grainerがthemeをcomposeした。BBC Radiophonic WorkshopのDelia Derbyshireが、tape、oscillators、膨大なelectronic manipulationを使って実際に観客が聞いたrecordingをrealiseした。
このdistinctionは重要。"composer"と"realiser"はordinary authorshipの感覚にはきれいに対応しない。Derbyshireのtechnical decisionsはtimbre、rhythm、phrasing、そしてrecordingの不気味なphysical identityをshapeした。modern synthesizer、sampler、digital editing以前の作業であり、tapeをcutしloopしspeedをalterし、physicalにassembleしなければならなかった。
Pauline Oliverosは「聴くこと」自体をcompositional technologyにする
Pauline Oliverosはfilmをmachinesのhistoryから外へ広げる。tape、electronic processing、improvisation、later Deep Listening practiceを通じ、attentionそのものをactive musical methodとして扱う。
electronic musicはtheremin、tape recorder、oscillator、modular synthesizer、computerというdevice sequenceとして語られがちなのでimportant。Oliverosが問うのはtechnologyがsound production/listeningを変える時、perceptionへ何が起こるか。new deviceはpossibilityをexpandするが、そのpossibilityをmeaningfulにする聴き方をartistが見つけて初めて進歩になる。
Maryanne Amacherはnetworked performanceがordinaryになる前からtelecommunicationsをmusical spaceへ変える
Maryanne Amacherのworkはpopular synthesizer narrativeへ簡単に収まらないため、このfilmでも特にvaluableなcorrectiveの一つ。distanceを越えてtransmitされるsound、architectural listening、psychoacoustic effectsを探求し、location自体をcompositional materialとして扱った。
Éliane RadigueはARP 2500をprogressive rockのsynthesizer heroicsとは正反対の方法で使えると示す
ARP 2500はlarge Moog systemsやspectacular rock keyboard rigsが生まれたsame broad analogue-synthesizer eraに属する。Éliane Radigueはelectronic technologyをradically different goalへ向ける。
彼女のlong-form worksはsustained toneの極めてgradualな変化で展開し、virtuoso gestureよりtiny variationsへattentionをinviteする。instrument自体がlistening processの中へalmost disappearする。
Suzanne CianiはBuchlaをexperimental composition、advertising、concert work、commercial sound designへ横断させる
Suzanne Cianiのcareerはelectronic-music historiesが別々に扱いがちなworldsをcrossするためespecially useful。Buchla systemsを使ったworkはexperimental synthesisに属し、commercial sound designではelectronic timbresをadvertising/brandingへ持ち込んだ。later recording/performance projectsではcomposition/spaceとのanother relationshipをdevelopした。
Laurie Spiegelはsoftware musicがordinaryになる前にcomputerをcompositional partnerへ変える
Laurie Spiegelはfilmをcomputer music/software systemsへextendする。Bell Labs technology、later Music Mouseを通じanalogue electronic instrumentsからinteractive composition through computersへのtransitionを示す。
Laurie Andersonのnarrationがeffectiveなのはhistoryのinsideにいながらcentreにならないから
conventional narratorならdocumentaryはexternal historianによる「訂正講義」に聞こえ得る。Laurie Andersonにはdifferent relationshipがある。own careerがexperimental performance、electronics、voice processing、multimedia artのinsideにある。
all-archival methodがpresent-day recognitionをhistorical neglectへの「補償」のように見せない
Rovnerはdocumentaryをall archivalとdescribeする。このchoiceはimportant。
52分Arte版はtelevisionがcorrective historyを再びcompression problemへ戻し得ることを示す
film公式2022 news archiveにはFrench/German audiences向け52-minute Arte television cutが記録されている。86-minute featureよりmaterially shorter。
filmは「女性を含めてください」と頼むのを止め、timelineそのものを書き換える時に成功する
weakest versionなら、basic structure unchangedのelectronic-music historyへwomen deserve more recognitionと訴えるだけだっただろう。
視聴・コレクション上の注意
86分の2020 featureをcanonical workとして使用する。2022年に記録された52分Arte television cutは別のbroadcast editionとして保持する。EyeとAFIはいずれも2020 production identityを支持している一方、一部streaming catalogueではterritorial release yearとして2021を使用する。