RetroForge Recordsによるオリジナル編集アートワーク。
The Moody BluesはBirminghamのリズム＆ブルース・グループから、アルバム志向のシンフォニック・ロックとサイケデリック・ロックへ変貌し、その主要な設計者の一組となった。古典期の作品は簡潔な作曲を、反復する主題、朗読詩、Mellotron、スタジオ内の移行で結び、印象的な単独シングルも生みうる旅を作った。この組み合わせは野心的なロックを軽薄にせず、親しみやすいものにした。
バンドの重要性は『Days of Future Passed』だけにあるのではない。1967年から『Seventh Sojourn』まで、Justin Hayward、John Lodge、Mike Pinder、Ray Thomas、Graeme Edgeは、共同の作者性と鮮明に異なる役割からなる連作を維持した。HaywardとLodgeが旋律の推進力の多くを担い、Pinderは重みと鍵盤の構築性、Thomasは牧歌的かつサイケデリックな色彩を加え、Edgeのドラムと作品を縁取る詩が別々の声を一つの識別できるサウンドへ結んだ。
The Moody Bluesは1964年5月、Graeme Edge、Denny Laine、Mike Pinder、Ray Thomas、Clint WarwickによりBirminghamで結成され、当初はR&B志向のポップを演奏した。Laineは初期のヒット『Go Now』を歌ったが、彼とWarwickは1966年に脱退した。同年10月、ギター兼歌手Justin Haywardとベース兼歌手John LodgeがEdge、Pinder、Thomasに加わり、古典期の作品で知られる5人編成が成立した。
『Days of Future Passed』はDeccaのDeramによる音響実験の文脈から始まり、London Festival OrchestraとPeter Knightの編曲を用いた。しかし真の企画となったのはバンド自身の曲で、オーケストラの間奏が一日の流れをつないだ。『In Search of the Lost Chord』では5人が拡張楽器を自ら演奏し、シタール、タブラ、フルート、Mellotron、スタジオ効果を取り入れた。
バンドはThreshold Recordsを設立し、古典期の7作連続を『Seventh Sojourn』まで1972年に続けた。1974年以後は公演活動を休止し、5人は再結集して『Octave』を録音し、同作は1978年に発売された。Pinderは同作後に脱退し、後期編成はより簡潔でシンセサイザーを意識したサウンドを発展させた。最後の公演はRock & Roll Hall of Fame入りと同じ2018年に行われた。
Mike PinderのMellotronがもっとも即座に識別できる音色だが、The Moody Bluesのサウンドは同じほど声のハーモニーと対照的な作曲家たちに依存する。Haywardのアコースティック／エレクトリック・ギターは明瞭な旋律線を運び、Lodgeはベースを推進力ある対旋律として扱い、Thomasはフルートと穏やかなサイケデリック色を加え、Edgeのドラムと詩が別々の曲をアルバム規模の弧へ結ぶ。
彼らの編曲は技巧そのものを追うことがほとんどない。代わりにクロスフェード、反復、朗読による接続が、簡素な曲の文脈上の聞こえ方を変える。管弦楽の壮麗さ、インド楽器、フォーク風旋律、初期電子効果は、複雑さの勲章でなく雰囲気と連続性の道具として現れる。
『Days of Future Passed』は夜明けから夜までの一日をたどり、バンドの曲とPeter Knightのオーケストラ間奏を交互に置く。構想は理解しやすいほど簡潔だが、感情の動きは精緻で、『Tuesday Afternoon』は日常の時間を宙づりの驚異へ変え、『Nights in White Satin』は勝利の終幕でなく未解決の憧れで循環を閉じる。London Festival Orchestraとバンドは別々の力として録音され、Mellotronがロック部分にも独自のシンフォニック色を与えた。歴史的な出発点であると同時に、有名曲2曲の収録先にとどまらず、完全な連続作品として今も効力を持つ。
主要曲：The Day Begins · Tuesday Afternoon · Nights in White Satin
Amazonで見る『In Search of the Lost Chord』は外部オーケストラを外し、5人自身に拡張世界を作らせる。シタール、タンブーラ、タブラ、フルート、チェロ、Mellotron、重ねた声が、知識、自己、音楽、変性意識をめぐる緩やかな探索に仕える。『Ride My See-Saw』が前進力を与え、『Legend of a Mind』はサイケデリックな賛歌と風刺へ伸び、『The Actor』は規模を私的な不確かさへ戻す。前作より色彩豊かで形式上の対称性は弱い。凝縮したポップ技巧と没入的音響を対立させず往来できたスタジオ実験家としてのThe Moody Bluesを捉える。
主要曲：Departure / Ride My See-Saw · Legend of a Mind · The Actor
Amazonで見る『To Our Children’s Children’s Children』は有人宇宙飛行が目前の現実となった時代に、地球からの出発を想像する。『Higher and Higher』は打上げ効果と切迫した朗読で始まり、『Gypsy』は旅を絶え間ない運動へ変え、『Watching and Waiting』は孤独と壊れやすい希望で終わる。濃密なMellotron、残響する声、圧縮した移行が、作品を自身の大気内へ封じたように感じさせる。舞台での再現は困難だったが、そのスタジオ限定性も個性の一部だ。古典期作品中もっとも持続的な宇宙環境であり、空間、距離、世代の視点に惹かれる聴き手への明確な選択肢となる。
主要曲：Higher and Higher · Gypsy · Watching and Waiting
Amazonで見るつながるアーカイヴ経路
The Moody Bluesは、旋律的な直接性を保ちながら主題、雰囲気、感情の旅を持続できるロック・アルバムという発想を定着させた。作品はサイケデリック・ポップ、アート・ロック、プログレッシブ・ロックの境界にあり、一つの分類へ押し込むより、その位置こそ歴史的に有用である。
彼らは共同作曲がバンドの個性を分断する必要はないとも示した。5つの異なる声が、ハーモニー、楽器編成、曲順を通じて繰り返し合流する。後のシンフォニック系グループは技術的規模を広げたが、形而上的／宇宙的な題材をラジオ向けに親密で、途切れないアルバム鑑賞に十分大きく感じさせるThe Moody Bluesの力に並ぶ例は少ない。
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