Die Platte
Auf einen Blick
- Künstler
- Grateful Dead
- Erschienen
- 18. Juli 1968
- Album
- Zweites Album
- Originaltitel
- Fünf indexierte Werke
- Label
- Warner Bros.-Seven Arts
- Produktion
- Grateful Dead und David Hassinger
Warum sie wichtig ist
Die Aufnahme wird zur erfundenen Aufführung
Anthem of the Sun entscheidet sich nicht zwischen Grateful Dead als Studio- und als Liveband. Das Album erschafft eine dritte Form, indem es Aufnahmen aus beiden Umgebungen innerhalb derselben musikalischen Passagen zusammenführt.
Der Schnitt wird zur Ensembleleistung. Raum, Datum und Aufnahmetextur können mitten in einer Phrase wechseln; wiederkehrende Riffs und rhythmische Erinnerung lassen die Collage dennoch gelenkt statt zufällig wirken.
Mickey Harts Einstieg schafft ein System mit zwei Schlagzeugern. Tom Constantens Klavier, präpariertes Klavier und Bandarbeit erweitern die Palette über eine sechsköpfige Rockband hinaus. Diese Ergänzungen verändern die mögliche Form jedes Übergangs.
Die Autorschaft bleibt verteilt. Garcia, Weir, Lesh, Pigpen, Robert Hunter, Robert Petersen und verschiedene Gruppenkombinationen besetzen jeweils andere Bereiche des Programms mit fünf Titeln.
Die Bedeutung des Albums ist technisch und musikalisch, aber nicht bloß technologisch. Die dichte Montage zeigt eine Band, die entdeckt, dass eine Platte die Instabilität eines Konzerts darstellen kann, ohne vorzugeben, eine einzige Nacht wiederzugeben.
1967–1968
Sieben Monate Studios, Bühnen und Rekonstruktion
Das Debütalbum von Grateful Dead war 1967 unter David Hassinger schnell aufgenommen worden. Beim zweiten Album verfolgte die Band einen grundlegend anderen Maßstab und eine andere Arbeitsweise.
Die Aufnahmen begannen im September 1967 und dauerten bis März 1968. Studioarbeit fand in Los Angeles, New York, San Francisco und Miami statt; Konzertbänder stammten aus mehreren Spielstätten an der Westküste.
Zu den Konzertquellen zählen Shrine Exposition Hall, Eureka, Eagles Auditorium, Crystal Ballroom, Kings Beach und Carousel Ballroom. Das Album kennzeichnet nicht jeden hörbaren Wechsel als neuen Take.
Hassinger begann das Projekt als Produzent, während Grateful Dead zunehmend die Kontrolle übernahmen. Dan Healy erhielt den Credit als Executive Engineer, Bob Matthews den als Assistant Engineer.
Tom Constanten steuerte Klavier, präpariertes Klavier und elektronische Bandarbeit bei, noch bevor er später regulär mit der Band auftrat. Mickey Harts Perkussion trat neben Bill Kreutzmanns Schlagzeug.
Auch der abschließende Mischprozess führte durch weitere Studios, darunter Olmstead in New York und Criteria in Miami. Warner Bros.-Seven Arts veröffentlichte die LP schließlich am 18. Juli 1968.
Band und Tontechniker
Eine neue Sprache aus sieben Musikern und einem Kreis von Tontechnikern
Garcias Gitarre wirkt häufig als Kontinuitätssignal. Eine erkennbare Phrase kann einen Wechsel des Quellenbands überdauern und das Ohr davon überzeugen, dass mehrere Aufführungen zu einer einzigen fortlaufenden Geste gehören.
Weir liefert sowohl geschriebene Architektur als auch rhythmische Unterbrechung. The Other One und Born Cross-Eyed nutzen sein Gespür für verschobene Akzente, um komponierte Passagen instabil wirken zu lassen.
Lesh tritt ungewöhnlich deutlich als Komponist, Arrangeur und instrumentaler Farbgeber hervor. New Potato Caboose beruht auf seinem lang angelegten Entwurf; zugleich verbindet die Bassbewegung mehrere aufgenommene Räume.
Pigpen zieht die zweite Seite in Richtung Blues und unmittelbarer Tanzflächenenergie. Alligator und Caution gewinnen durch seine direkte Stimme eine klare Identität, bevor das Ensemble ihre Songrahmen überschreitet.
Kreutzmann und Hart erzeugen überlagerte Zeit statt bloß zusätzliches Gewicht. Zwei Perkussionisten ermöglichen, dass ein Puls weiterläuft, während eine andere Textur bereits den nächsten Übergang vorbereitet.
Constanten erweitert Rhythmus und Harmonie über gewöhnliche Keyboards hinaus. Anschläge des präparierten Klaviers und Bandereignisse können als Perkussion, Atmosphäre oder strukturelle Zeichensetzung funktionieren.
Montage als Konstruktion
Montage, verdoppelte Zeit und überladene Klangfarbe
Der ursprüngliche Mix von 1968 rückt die Quellenwechsel in den Vordergrund. Raumklang, instrumentale Entfernung und Stereoposition können plötzlich umspringen und die Konstruktion offenlegen, ohne die musikalische Kontinuität zu zerstören.
Studio-Overdubs polieren nicht nur Livegrundlagen. Trompete, Cembalo, präpariertes Klavier, Glocken, Röhrenglocken, Gongs und Tonband verändern den wahrgenommenen Umfang des Ensembles.
Die erste Seite ist trotz ihrer Komplexität klar gegliedert: eine Suite, eine lange Lesh-Komposition und eine kurze Weir-Miniatur. Die zweite Seite verhält sich eher wie eine sich ausweitende Aufführung, die in zwei Titel aufgeteilt wurde.
Stimmen erfüllen von Titel zu Titel andere Aufgaben. Garcia und Weir tragen komponierte Erzählungen, Ensemblestimmen verdichten Übergänge, und Pigpen treibt mit Wiederholung körperlichen Schwung an.
Das Metrum ist ein dramatisches Mittel. Die kreisende Kraft von The Other One, die Abschnittsbewegung von New Potato Caboose und die Beschleunigung von Caution machen rhythmische Identität zur Landkarte durch wechselnde Aufnahmen.
Der Remix von 1971 ist eine echte alternative Fassung, kein Remaster. Der Vergleich mit der Version von 1968 legt Entscheidungen über Balance, Schnitte und Dichte offen, nicht bloß Verbesserungen der Klangtreue.
Titelguide
Fünf Titel mit zahlreichen inneren Welten
That's It for the Other One
Vier gedruckte Abschnitte bilden die Eröffnungssuite. Garcias Cryptical Envelopment beginnt mit erkennbarer Songarchitektur, bevor Perkussion, Quellenwechsel und Weirs The Other One das Zentrum verlagern. Bass und zwei Schlagzeuger erzeugen einen kreisenden Vortrieb, der abrupte Unterschiede in Raumklang und Textur übersteht. Quadlibet for Tender Feet und die Schlussübergänge machen Montage als Bewegung statt als Unterbrechung hörbar. Das Werk führt Anthems Grundidee ein: Eine Komposition kann mehrere Aufführungen enthalten, deren Widersprüche mehr zeigen als ein einziger geglätteter Mastertake.
New Potato Caboose
Phil Leshs Musik und Robert Petersens Text ergeben den aufwendigsten eigenständigen Entwurf des Albums. Abschnitte öffnen und schließen sich um beweglichen Bass, Gitarrengegenstimmen, Keyboardfarben und wechselnde Stimmdichte. Das Stück entwickelt sich weniger wie ein Strophensong als wie eine Folge verbundener Räume, die jeweils Spuren des vorherigen bewahren. Seine Länge erlaubt den Weg von einer zarten, beinahe kammermusikalischen Balance zu schwererer Ensemblebewegung. Nach der offensichtlichen Montage des Auftakts zeigt New Potato Caboose, dass Komplexität auch aus komponierten Proportionen entstehen kann.
Born Cross-Eyed
Weirs kurze Komposition beendet die erste Seite, indem sie Instabilität auf kaum mehr als zwei Minuten verdichtet. Gesangsphrasen, Gitarrenakzente und Studiobearbeitung prallen ohne den ausgedehnten Auslauf der vorherigen Werke aufeinander. Diese Kompression macht das Stück weder zur konventionellen Single noch zum nebensächlichen Zwischenspiel. Es wirkt wie ein scharfer Schnitt im Maßstab des Albums: Die rhythmische Verschiebung aus The Other One wird zum eigenständigen Song. Der abrupte Schluss räumt die Seite frei, verweigert aber den Trost einer stabilen Kadenz.
Alligator
Pigpens und Hunters Text, vertont von Pigpen und Lesh, eröffnet die zweite Seite bewusst erdiger. Der gesungene Teil etabliert einen wiederholten körperlichen Groove, bevor Perkussion und Gitarren den Rahmen erweitern. Kazoos und geschichtete Rhythmusfarben bewahren Humor innerhalb der Intensität. Im weiteren Verlauf wird die Grenze zwischen Song, Jam und Studiomontage immer durchlässiger. Pigpens direkte Ansprache ist entscheidend, weil sie dem langen instrumentalen Aufbruch einen sozialen Ausgangspunkt gibt, statt Abstraktion um ihrer selbst willen zu bieten.
Caution (Do Not Stop on Tracks)
Der gemeinsam zugeschriebene Schlusstitel entsteht aus Alligators Schwung, statt als isolierte Komposition zu beginnen. Ein wiederholtes Riff und Pigpens stimmlicher Druck liefern den ersten Motor; allmählich überwuchert das anwachsende Ensemble den vertrauten Bluesrock-Rahmen. Gitarre, Bass, Orgel und doppelte Perkussion treiben auf eine Grenze zu, an der Verzerrung, Tonband und Aufführungsenergie schwer zu trennen sind. Caution beendet die zweite Seite, indem es eine klare Unterscheidung zwischen Konzerthöhepunkt und Studiokonstruktion verweigert. Die Warnung im Titel wird formal: Anhalten würde genau die Bewegung zerstören, die das Stück bestimmt.
Keine durchgehende Handlung
Bewegung, Bruch und gemeinschaftliche Verwandlung
Anthem of the Sun besitzt keine fortlaufende lyrische Geschichte. Seine Einheit ist methodisch: Getrennte Zeiten, Orte und schriftstellerische Identitäten werden in eine Erfahrung von Albumgröße verwandelt.
Bewegung kehrt in Fahrzeugen, Rädern, Gleisen, Kreisformen und Reisen wieder. Diese Bilder gehören jedoch unterschiedlichen Autoren und Situationen, nicht einer einzigen Handlung. Die erste Seite bevorzugt instabile Wahrnehmung und abschnittsweise Komposition; die zweite bringt Tierhumor, Bluessprache und wachsende rhythmische Kraft.
Gemeinschaft ist als Koordination unter Druck zu hören. Sieben Musiker und mehrere Techniker bewahren die gemeinsame Richtung, selbst wenn sich die Aufnahme unter ihnen verändert.
Der Titel deutet eine Verkündigung an, doch die Musik bietet keine einzelne Lehre. Ihre Hymne ist der Akt, Unterschiede zusammenzufügen, ohne sie auszulöschen.
Warner WS 1749
Bill Walkers expandierendes menschliches Mandala
Bill Walker schuf die Coverillustration, Ed Thrasher übernahm die Art Direction, und Tom Weir steuerte Fotografien zur ursprünglichen Verpackung bei. Die zentrale Form verbindet Gesichter, Gliedmaßen und strahlende Farbe zu einem Bild, dessen einzelne Figuren kaum vom Ganzen zu trennen sind. Diese visuelle Verdichtung entspricht der Audiomontage: Unterschiedliche Körper und Gesten bleiben vorhanden und nehmen zugleich an einem größeren Organismus teil. Das dicht illustrierte Cover bereitet auf ein Album vor, das sich nicht aus einem flüchtigen Blick auf fünf Titelnamen erschließt.
Juli 1968
Ein zweites Album ohne stabile Kategorie
Warner Bros.-Seven Arts veröffentlichte Anthem of the Sun am 18. Juli 1968 als zweites Album von Grateful Dead. Die ursprüngliche LP umfasst fünf indexierte Titel und läuft ungefähr neununddreißig Minuten. Ihre Mischung aus Studiokomposition, Konzertaufführung und Bandmontage widersetzte sich einer einfachen Einordnung als Live- oder Studioalbum, gehört jedoch zum Studioalbumkatalog.
Die Produktionsgeschichte markiert außerdem den Weg der Band zu mehr Kontrolle darüber, wie ihre Musik aufgenommen und zusammengesetzt wurde. Spätere Ausgaben und der Remix von 1971 haben verändert, welcher Fassung viele Hörer zuerst begegneten; deshalb gehört die genaue Mixangabe zu einer verantwortungsvollen Besprechung.
Psychedelische Studioform
Das Studio-Live-Problem wird zur Methode
Anthem of the Sun bleibt das deutlichste Studiodokument dafür, wie Grateful Dead Aufführungsbänder als kompositorisches Rohmaterial behandelten.
Live/Dead sollte die Bühne bald unmittelbarer darstellen, während Aoxomoxoa die Schichtung auf sechzehn Spuren verfolgte. Anthem besetzt den instabilen Raum zwischen diesen Lösungen.
The Other One, New Potato Caboose, Alligator und Caution entwickelten sich im Konzert weiter. Damit erwiesen sich ihre Albumformen als Eingriffe, nicht als endgültige Definitionen. Die breite Instrumentalpalette weist auf spätere Studioexperimente voraus, doch die Montagemethode blieb ungewöhnlich spezifisch für diese Platte. Ihr Wert liegt weder in chaotischem Übermaß noch in technischer Neuheit, sondern in dem disziplinierten Versuch, aufgezeichnete Zeit wie Gruppenimprovisation funktionieren zu lassen.
Welcher Mix?
Der Mix von 1968 neben seiner Überarbeitung von 1971
Mit dem ursprünglichen Mix von 1968 beginnen und erst danach die Überarbeitung von 1971 vergleichen. Die fünf Titel bilden das vollständige Originalalbum; späteres Livematerial ist Kontext aus dem Archiv. Lückenlose Wiedergabe verwenden, weil der Übergang von Alligator zu Caution auf Seite zwei strukturell ist.
Ein aufschlussreiches Mastering sollte plötzliche räumliche Wechsel bewahren, statt sie zu einem einheitlichen Klangbild zu glätten. Das Winterland-Konzert der Ausgabe von 2018 entstand vor dem fertigen Album und darf nicht als direkte, unbearbeitete Aufführung hinter allen fünf Titeln beschrieben werden.
Ein Hörweg
Schnittstellen, Klangfarben und wechselnder Autorschaft folgen
- Zuerst den Wechseln von Raumklang und Stereoposition innerhalb von That's It for the Other One folgen.
- New Potato Caboose abschnittsweise kartieren und darauf achten, wann Leshs Bass einen neuen Bereich ankündigt.
- Born Cross-Eyed als verdichtete Verschiebung statt als konventionelle Pause hören.
- Alligator und Caution ohne Unterbrechung abspielen und den Punkt verfolgen, an dem sich die Songrollen auflösen.
- Zum Schluss die beiden offiziellen Mixe vergleichen und konkrete Unterschiede in Balance oder Schnitt benennen, statt sie abstrakt zu bewerten.
Recherche und Quellen
Quellen und weiterführende Lektüre
- Veröffentlichungsgruppe von Anthem of the Sun — Institutionelle MusicBrainz-Datenbank
- Originalveröffentlichung von Anthem of the Sun — Institutionelle MusicBrainz-Datenbank
- Session- und Creditnachweis zu Anthem of the Sun — Institutionelle MusicBrainz-Datenbank
- Titel und Credits zu Anthem of the Sun — AllMusic
- Dan Healy und die Anthem-Bänder — Offizielle Geschichte von Grateful Dead
- Anthem of the Sun zum fünfzigsten Jubiläum — Rhino Media