Eine BBC-Dokumentation erscheint Jahrzehnte, nachdem Progressive Rock aufgehört hat, sich für den eigenen Namen zu schämen
Während eines großen Teils der Zeit nach Punk existierte britischer Progressive Rock in einem unbequemen kulturellen Verhältnis. Die Platten verkauften sich weiter, die großen Bands behielten internationales Publikum und jüngere Musiker nahmen die Musik auf; dennoch erschien das Genre in britischer Kritik häufig vor allem als Kürzel für Exzess. Lange Lieder, Umhänge, Konzeptalben, Klappcover, Mellotrons, Schlagzeugsoli und klassische Bezüge galten weniger als musikalische Entscheidungen denn als Beweismittel einer Anklage.
Chris Rodleys Prog Rock Britannia: An Observation in Three Movements erschien im Januar 2009 auf BBC Four, nachdem diese Karikatur zu schwächeln begonnen hatte. Der Zeitpunkt zählt. Progressive Rock hatte mehrere angebliche Tode überlebt, Fachzeitschriften und Internetgemeinschaften hatten Musik und Neubewertung getragen, und Bands, die einst für alles standen, was Punk besiegt habe, wurden zunehmend mit größerem historischem Abstand besprochen.
Rodleys Film nähert sich dem Gegenstand nicht als feierlicher Rehabilitationsakt. Nigel Planers Erzählung behält Humor; Mitwirkende wie Rick Wakeman, Robert Wyatt, Ian Anderson und Carl Palmer können ihre eigene Mythologie durchlöchern. Die Dokumentation erkennt Absurdität an, ohne anzunehmen, sie entwerte die Musik.
Dieses Gleichgewicht macht sie zu einem nützlichen Einstieg. Progressive Rock darf gleichzeitig ehrgeizig, gelegentlich lächerlich, kommerziell erfolgreich, technisch anspruchsvoll und historisch kompliziert sein.
Der erste Satz beginnt, bevor sich irgendjemand auf den Namen Progressive Rock geeinigt hat
Die frühen Abschnitte verbinden das Genre mit britischer Psychedelia, Kunsthochschulexperimenten, Jazz, klassischer Musik, der Underground-Clubszene und dem Zerfall von Popsongregeln in den späten 1960ern. Historisch ist dies stärker als eine Liste kanonischer Bands der 1970er, denn Progressive Rock erschien nicht durch eine Gründungsplatte oder ein Manifest.
Soft Machine und Robert Wyatt führen zur Canterbury- und jazzbeeinflussten Seite der Geschichte. King Crimsons In the Court of the Crimson King bietet einen besonders dramatischen frühen Markstein, weil Mellotron, schwere Gitarre, akustische Passagen und ausgedehnte Strukturen die Möglichkeiten der neuen Musik ungewöhnlich sichtbar machten. Arthur Brown, The Nice und weitere Übergangsfiguren zeigen, dass Theater und klassische Adaption bereits durch den britischen Rock liefen, bevor das Genre ein stabiles Etikett bekam.
Am stärksten ist der Film, wenn diese Wege unordentlich bleiben. Psychedelische Musik „wurde“ nicht einfach Prog. Manche Künstler bewegten sich zum Jazz, manche zu Heavy Rock, Folk, elektronischem Experiment oder kommerziellem Pop. Progressive Rock wuchs aus der Überlappung.
Für RetroForge zählt dies, weil vorhandene Genreseiten Taxonomie leicht in Geschichte verwandeln. Eine heutige Kategorie ist für Navigation nützlich; sie darf nicht rückwärts projiziert werden, als hätten Musiker 1967 Versammlungen über ihre Subgenrezugehörigkeit abgehalten.
King Crimson sind ein nützlicher Anfang, weil sie klingen, als kämen mehrere Geschichten zugleich an
Pete Sinfields Anwesenheit erlaubt dem Film, die literarischen und visuellen Dimensionen um frühe King Crimson ebenso wie die Musik zu behandeln. In the Court of the Crimson King wurde zu einem prägenden Cover und Album des Genres; seine Bedeutung liegt teilweise darin, wie wirkungsvoll mehrere aufkommende Ideen zusammenkommen.
Das Mellotron liefert orchestrales Ausmaß ohne Orchester. Michael Giles’ Schlagzeug besitzt jazzbasierte Beweglichkeit. Greg Lakes Stimme gibt dem Material genug konventionelle Rockpräsenz, damit die Platte nicht zum abstrakten Experiment wird; Robert Fripps Gitarre und die dynamischen Extreme der Gruppe weisen zu schwererer Musik. Rodleys Film verdichtet diese Geschichte zwangsläufig, doch produktiv: King Crimson demonstrieren, wie schnell sich das Rockvokabular erweitert hatte.
Die Gefahr liegt darin, das Debüt zur Geburtsurkunde allen Prog zu machen. Pink Floyd, The Moody Blues, The Nice, Soft Machine, Procol Harum, The Beatles und andere hatten bereits an der breiteren Ausdehnung von Albumform, Instrumentierung und Studiomöglichkeit teilgenommen. Ein Genre beginnt selten am Veröffentlichungstag. Crimson liefern einen Moment, in dem viele später mit Progressive Rock verbundene Merkmale ungewöhnlich schwer zu übersehen wurden.
ELP bringen Virtuosität und Showgeschäft in denselben Satz
Emerson, Lake & Palmer sind beinahe für den Ton der Dokumentation entworfen. Keith Emersons klassische Adaptionen, Carl Palmers technisches Schlagzeug und Greg Lakes Stimme und Songwriting geben dem Trio offensichtliche musikalische Qualifikation; die Bühnendarstellung liefert genug theatralischen Exzess für jahrzehntelange Witze.
Carl Palmers Aussagen sind besonders aufschlussreich, weil er Unterhaltung nicht als Verrat an Musikalität behandelt. Seine Philosophie liegt näher am Showgeschäft: Spiele auf hohem Niveau, aber vergiss nicht, dass ein Publikum im Raum ist.
Diese Haltung erschwert das verbreitete rückblickende Argument, Progressive Rock sei erst lächerlich geworden, als Musiker vergaßen, Menschen zu unterhalten. ELPs Extravaganz war häufig bewusst Unterhaltung.
Schwierig ist das Verhältnis. Ein rotierendes Klavier kann zum einzigen erinnerten Bild werden und komplexes Repertoire zum Zirkustrick verkürzen. Rodleys Film kann das Spektakel verwenden, weil Auftrittsclips und Aussagen zugleich die musikalische Arbeit darunter begründen.
Für RetroForge verbindet Prog Rock Britannia unmittelbar mit Pictures at an Exhibition und der späteren Seite Beyond the Beginning. Die Fernsehgeschichte führt das Phänomen ein; die künstlerbezogenen Filme halten Zuschauer lange genug bei ELP, damit Witz und Musikalität nicht mehr konkurrieren.
Yes zeigen, dass Virtuosität zum kollektiven Arrangement statt zur Soloreihe werden kann
Steve Howe, Rick Wakeman und die weitere Yes-Geschichte eröffnen einen anderen Weg in den technischen Ruf des Genres. Die spätere Karikatur stellt sich Prog oft als Musiker vor, die nacheinander Können zeigen, während die Lieder geduldig warten.
Die klassischen Yes-Arrangements sind stärker integriert. Chris Squires Bass kann melodisch funktionieren, Bill Bruford oder später Alan White können das Metrum vom Schlagzeug aus umformen, Howe wechselt zwischen radikal verschiedenen Gitarrentexturen, Wakemans Keyboards ergänzen orchestrale und elektronische Farbe, und Jon Andersons Stimme verhält sich beinahe wie ein weiteres Instrument im Arrangement.
Das breite Format kann keine seitenlange Komposition vollständig analysieren, zeigt aber, weshalb technische Fähigkeit wichtig wurde. Längere und unkonventionellere Strukturen verlangen Musiker, die Material über ausgedehnte Zeiträume erinnern, ausführen und variieren können.
Hier braucht der Filmhumor über „seltsame Taktarten“ Kontext. Ungerades Metrum ist als Fernsehkürzel komisch, weil es akademisch klingt. In wirklicher Musik wird Metrum zur Kompositionsentscheidung, die einen Abschnitt instabil, fließend oder unerwartet natürlich wirken lässt. Das Versagen des Genres bestand nie darin, dass Musiker zu viel lernten. Interessanter ist, was sie mit dem Gelernten taten.
Genesis machen Englischsein durch Erzählung, Theater und den seltsamen Maßstab kleiner Anfänge sichtbar
Phil Collins, Mike Rutherford und Tony Banks helfen dem Film, Genesis von einer vergleichsweise zerbrechlichen frühen Band zu einem der theatralischsten großen Progressive-Rock-Acts zu verfolgen. Das Englischsein der Gruppe wird Teil der breiteren These, ausgedrückt durch pastorale Bilder, exzentrischen Humor, literarisches Erzählen und Peter Gabriels Bühnenfiguren.
Dies kann leicht zum Nationalklischee werden. Nicht jede britische Proggruppe sang über viktorianische Rasenflächen, Mythologie oder exzentrische Aristokraten; viele wichtige Einflüsse kamen aus amerikanischem Jazz, europäischen klassischen Traditionen, elektronischen Experimenten und globalem Austausch. Genesis bleiben nützlich, weil sie zeigen, wie lokales Kulturmaterial international erfolgreich werden konnte, ohne in allgemeine amerikanische Rocksprache übersetzt zu werden.
Gabriels Kostüme zeigen außerdem etwas über die Zeit vor routinemäßigem Konzertvideo. Ein visueller Stunt in einer Stadt konnte durch Fotografie und Mundpropaganda legendär werden, lange bevor die meisten Fans professionelle bewegte Bilder davon sehen konnten. Der Screening Room enthält Genesis: In Concert, weil Filmgeschichte heute einen Teil dieser Lücke füllt.
Caravan und Egg verhindern, dass die Dokumentation nur zur Siegesparade der Giganten wird
Eine der wichtigsten redaktionellen Entscheidungen ist die Aufnahme kommerziell weniger dominanter Künstler wie Caravan und Egg. Eine Genregeschichte nur aus Yes, Genesis, ELP, King Crimson und Jethro Tull würde die kommerzielle Hierarchie reproduzieren, die sie erklären will. Mont Campbells Teilnahme stellt Egg in einen experimentelleren Zweig britischer progressiver Musik; Caravan verbinden die Geschichte mit Canterbury und einem anderen Gleichgewicht aus Melodie, Jazzeinfluss, Humor und Langformkomposition.
Diese Künstler zeigen auch die Schwäche, „Prog“ als einen Klang zu behandeln. Egg klingen nicht wie Genesis. Caravan klingen nicht wie ELP. Soft Machines Weg zur Jazzfusion schafft ein weiteres Problem für jede starre Definition.
Das breite Etikett funktioniert historisch, weil die Musiker genug Kulturraum, Publikum und Annahmen über das Fassungsvermögen des Rock teilten. Irreführend wird es erst, wenn der Schirm für musikalische Einheitlichkeit gehalten wird. Die späteren Romantic Warriors-Dokumentationen dieses Batches wählen den Gegenansatz und gehen tiefer in Nischen und Netzwerke, die ein BBC-Überblick nur kurz benennen kann.
Mike Oldfield zeigt, dass progressiver Ehrgeiz ohne konventionelle Band zum kommerziellen Phänomen werden konnte
Tubular Bells erschwert die gesamte bandzentrierte Erzählung. Mike Oldfields multiinstrumentale Studiokonstruktion wurde zur Veröffentlichung, die Virgin Records startete, und errang gewaltigen internationalen Erfolg. Die Archivbehandlung zeigt, wie progressive Musik Studiotechnik nicht bloß zur Dokumentation einer spielenden Gruppe, sondern zur Konstruktion von Musik nutzen konnte, die eine Person nicht gleichzeitig aufführen kann. Das stellt Oldfield ebenso in eine Tradition von Mehrspuraufnahme und Studiokomposition wie in die Live-Prog-Szene.
Sein Erfolg erschwert außerdem Behauptungen, lange Instrumentalmusik sei von Natur aus kommerzieller Selbstmord. Unter den richtigen Umständen wollten Publika sich eindeutig auf ungewöhnliche Form einlassen.
Der Film kann die vielen Gründe für die enorme Reichweite von Tubular Bells, darunter Virgins Werbung und die spätere Verbindung mit The Exorcist, nur andeuten. In der Prog-Geschichte zählt, dass eine der kommerziell bedeutendsten experimentellen Platten der Ära schlecht in das übliche Keyboard-Gitarre-Bass-Schlagzeug-Modell passt. Eine durch Regelbruch definierte Bewegung sollte unbequeme Beispiele hervorbringen.
Punk erscheint als Ende, weil Fernsehen saubere Enden mehr liebt als Geschichte
Der dritte Satz führt zu Exzess und Kommerzialisierung des Progressive Rock Mitte der 1970er und zur Ankunft von Punk. Dies ist der vertrauteste historische Bogen: Bands werden größer, Bühnenshows extravagenter, Musik entfernt sich von gewöhnlicher Jugendkultur, und Punk erscheint mit kurzen Liedern, billigen Gitarren und Verachtung für die Dinosaurier.
In dieser Geschichte steckt Wahrheit. 1976 und 1977 veränderte sich die Kultursprache um britischen Rock dramatisch; Punks Feindseligkeit gegenüber etablierten progressiven Acts war real genug, Kritik und Medienaufmerksamkeit zu verändern. Problematisch ist das Wort „Ende“.
Genesis machten weiter und wurden kommerziell noch viel erfolgreicher. Yes, ELP und Jethro Tull blieben große Tour- und Aufnahmeacts. Progressive Ideen wanderten in elektronische Musik, Neo-Prog, Metal, Post-Rock und zahllose andere Formen, auch als das ursprüngliche Etikett unmodern wurde. Punk selbst war musikalisch weniger einfach als der Mythos; Post-Punk öffnete Experimente mit Elektronik, ungewöhnlichen Strukturen, Dub und Kunsthochschulideen beinahe sofort wieder. Rodleys Dreiaktstruktur braucht einen Sturz, weil Erzählung Auflösung verlangt. Geschichte wechselt nur das Zimmer.
Die Mitwirkenden sind alt genug, über sich zu lachen, ohne den Ernst ihrer Arbeit aufzugeben
Ein Hauptgrund für den Erfolg der Dokumentation ist das Alter der Interviewten. Sie haben Triumph, Gegenreaktion und Rehabilitation des Progressive Rock lange genug durchlebt, um zu sprechen, ohne jede alte Entscheidung schützen zu müssen.
Rick Wakeman kann komisch über die Ära sein. Robert Wyatt kann die Richtung mancher progressiver Musik weiterhin kritisieren. Carl Palmer kann Showmanship verteidigen. Ian Anderson kann Jethro Tulls eigentümlichen Platz nahe und innerhalb des Genres behandeln, ohne eine offizielle Definition zu verlangen. Diese Mischung verhindert eine Fandokumentation, in der alle Beteiligten darin übereinstimmen, die Musik sei von unwissenden Kritikern unfair verfolgt worden.
Einige Kritiken waren verdient. Manche Platten waren zu lang, manche Bühnenshows selbstgefällig, und kommerzieller Erfolg ermutigte Bands zu Entscheidungen, deren Maßstab ihre Ideen überstieg. Diese Fehler entwerten das breitere Experiment nicht. Die Großzügigkeit des Films liegt darin, Musiker Torheiten zugeben zu lassen und den Ehrgeiz dennoch ernst zu nehmen.
Der eigene Kontext der Dokumentation von 2009 ist heute Teil der Geschichte
2009 war die Rehabilitation des Progressive Rock noch aktiv genug, um bemerkenswert zu wirken. Fachfestivals, Zeitschriften, Neuauflagen und jüngere Künstler hatten ein Publikum jenseits reiner 1970er-Nostalgie geschaffen; das Genre war jedoch noch nicht so normalisiert wie in späterer Jubiläumskultur.
Ein BBC-Four-Film besaß daher institutionelle Bedeutung. Das Netzwerk, das viele dieser Musiker in ihrer ursprünglichen Zeit ausgestrahlt hatte, baute nun ein historisches Argument um das Genre selbst. Die begleitende Zusammenstellung Prog at the BBC verstärkte die Archivbeziehung durch die Rückkehr zu erhaltenen BBC-Studioauftritten.
Heute kann die Dokumentation beinahe konventionell wirken, weil Progressive Rock seither so ausführlich besprochen wurde. Ihre historische Bedeutung liegt teilweise in der Erinnerung, dass diese Normalität nicht garantiert war. Ein Genre, das einst als Pointe diente, war zum Gegenstand von neunzig Minuten öffentlich-rechtlicher Fernsehgeschichte geworden.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Verwende den etwa 89-minütigen BBC-Film von 2009 als kanonisches Werk. Manche sekundären Fernsehdatenbanken zeigen kürzere Episodenlaufzeiten; BBC-nahe Katalogeinträge und die erhaltene Sendung liegen jedoch nahe anderthalb Stunden. Genaue Plattform- und Laufzeitmetadaten sollten bei einer künftigen kommerziellen Verlinkung ausgabenspezifisch bleiben.