Vue d’ensemble
The United States of America se forme à Los Angeles en 1967 et ne laisse qu’un album chez Columbia avant de se séparer en 1968. Le compositeur Joseph Byrd et la chanteuse-parolière Dorothy Moskowitz placent une section rythmique rock sous le violon électrique, les claviers, les bandes magnétiques et le traitement électronique, en écartant délibérément la guitare. Cette combinaison compte davantage que l’affirmation habituelle selon laquelle le groupe était simplement « en avance sur son temps » : le disque appartient à une rencontre précise entre rock de la côte Ouest, pratique expérimentale new-yorkaise et théâtre politique de la fin des années 1960.
Le 33-tours éponyme passe de la satire à la sensualité, au sentiment antimilitariste et à des états de rêve plus calmes. Ses effets ne sont pas des ornements ajoutés à des chansons conventionnelles. La modulation en anneau peut transformer le violon de Gordon Marron ou la voix de Moskowitz ; des fragments de bande interrompent les transitions ; les parties écrites de Byrd font du rythme et de l’électronique des éléments de la composition. La réputation ultérieure de l’album grandit grâce aux rééditions, mais son identité originale reste propre à cet ensemble éphémère.
Formation et histoire
Avant le groupe, Byrd étudie à Stanford, travaille dans le milieu new-yorkais de la musique expérimentale et contribue à fonder le New Music Workshop avec le trompettiste Don Ellis à Los Angeles pendant ses études à UCLA. Le projet rock débute avec le compositeur Michael Agnello et s’appuie sur des musiciens liés à la musique expérimentale et à l’ethnomusicologie. Moskowitz rejoint Byrd comme chanteuse et coauteure des textes ; Gordon Marron joue du violon électrique, Rand Forbes de la basse sans frettes et Craig Woodson de la batterie et des percussions. Ed Bogas apporte orgue, piano et calliope à l’album.
Le producteur David Rubinson amène le groupe chez Columbia pendant la période des premières maquettes et de l’Ash Grove. Moskowitz se souvient que les séances principales utilisent un enregistrement huit pistes dans les studios Columbia de Los Angeles, avec de nombreux reports de pistes ; Byrd et Rubinson achèvent le mixage final et ajoutent des éléments électroniques à New York. Columbia publie le 33-tours en mars 1968 sous la référence CS 9614. Les désaccords sur la direction, les tournées et le soutien du producteur s’intensifient après l’enregistrement, et le groupe prend fin dans l’année. Byrd réalise ensuite The American Metaphysical Circus pour Columbia Masterworks avec un autre ensemble de studio.
Son et style
L’absence de guitare est structurelle. La basse sans frettes de Forbes et les percussions de Woodson portent le centre grave et rythmique, tandis que le violon de Marron apporte son soutenu, attaque et, grâce à un modulateur en anneau, poids distordu. Byrd joue du clavecin électrique, de l’orgue, du piano, du calliope et d’un synthétiseur de musique électronique Durrett. Tom Oberheim construit un équipement de modulation en anneau spécialement conçu pour traiter les instruments et la voix de Moskowitz ; sur scène, le groupe utilise également des magnétophones au lieu d’essayer de reproduire acoustiquement chaque élément de collage.
« The American Metaphysical Circus » ouvre sur le souvenir d’un calliope et d’une fanfare avant que Moskowitz n’entre dans un espace électronique progressivement déstabilisé. « Hard Coming Love » rend basse et percussions physiques, tandis que le violon traité occupe le rôle qu’aurait pu remplir une guitare fuzz. Byrd décrit « Cloud Song » comme écrit à sept temps sans mettre en avant sa mesure, et « Love Song for the Dead Ché » retire une grande partie de l’attaque plus dure pour devenir une ballade retenue. La suite finale « American Way of Love » rassemble fragments de chansons, satire et collage de bandes au lieu de résoudre le disque en un style unique.
Album essentiel
Le seul 33-tours original de cette formation est une construction de studio délibérément séquencée, et non une collection d’expériences interchangeables. La première face passe de l’apparat traité de The American Metaphysical Circus à la pulsation physique de Hard Coming Love et à la mesure suspendue de Cloud Song. La seconde oppose l’écriture collective de Where Is Yesterday à Love Song for the Dead Ché, avant que American Way of Love, en trois parties, ne se termine dans la citation et le collage. Son unité vient du retour des voix, des bandes et des timbres instrumentaux transformés à travers des chansons très différentes.
Titres clés : The American Metaphysical Circus · Where Is Yesterday · The American Way of Love
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Pour aller plus loin
La suite publiée par Byrd en 1969 chez Columbia Masterworks emploie un autre ensemble de studio, avec notamment les chanteuses Victoria Bond, Susan de Lange et Christie Thompson. Elle poursuit son intérêt pour l’électronique, le collage et le théâtre politique, mais il ne s’agit pas d’un deuxième album de The United States of America et elle ne doit pas servir à prolonger la formation ou l’histoire de ce groupe.
Ouvrir le guide de l’album → Voir sur Amazon →Le CD augmenté ajoute dix enregistrements après le 33-tours original complet, dont Osamu’s Birthday, No Love to Give et des versions alternatives. Écoutez d’abord la séquence de 1968 : le matériau supplémentaire est précieux pour étudier arrangements et pistes abandonnées, mais il ne constitue pas l’ordre original de l’album.
Pourquoi leur héritage demeure
L’importance historique du groupe repose sur une méthode de travail documentée, non sur une liste invérifiable d’influences ultérieures. Le son électronique est déjà bien établi dans la composition expérimentale, et d’autres musiciens rock explorent bandes et traitement en studio. Ce qui distingue cet album est la constance avec laquelle ces méthodes intègrent un ensemble rock en représentation : le groupe traite en direct voix et violon, voyage avec des magnétophones et conçoit des chansons écrites autour de la transformation électronique.
Le disque préserve aussi la tension entre les arrangements très contrôlés de Byrd et l’identité des musiciens qui les interprètent. Moskowitz peut paraître intime, ironique ou sévère ; le violon de Marron alterne entre ligne de musique de chambre et masse distordue ; la section rythmique empêche les collages de devenir de simples démonstrations. Les rééditions ont facilité l’étude des séances, mais le 33-tours original et concis reste l’expression la plus claire de ce que ce groupe précis a accompli.
Sources et lectures complémentaires
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