Der Hendrix-Film, der größtenteils kein Hendrix-Film ist
Rainbow Bridge lockt Zuschauer seit Jahrzehnten unter leicht falschen Voraussetzungen an. Jimi Hendrix’ Name und das für die Produktion gefilmte spektakuläre Maui-Konzert bestimmen den Ruf des Films, weshalb die Erwartung einer Konzertdokumentation vernünftig ist. Der tatsächliche Spielfilm ist etwas weitaus Seltsameres.
Chuck Weins Film ist ein loses gegenkulturelles Experiment über Maui, Laiendarsteller, improvisierte Gespräche, Surfen, Meditation, Astrologie, Yoga, alternative Spiritualität und die abstrakte Idee einer „Regenbogenbrücke“ zwischen gewöhnlichen und erweiterten Bewusstseinszuständen. Hendrix erscheint, weil die problematische Produktion irgendwann ein großes Musikereignis brauchte, nicht weil das ursprüngliche Konzept als Porträt seiner Person entworfen worden war.
Nur ein vergleichsweise kleiner Teil des fertigen Films besteht aus Hendrix’ Maui-Auftritt. Der Rest bewahrt eine der seltsamsten Kollisionen zwischen Hollywood-Finanzierung und der Gegenkultur nach Easy Rider. Diese Kollision ist historisch interessanter, als der Ruf des Films als enttäuschender Konzertfilm vermuten lässt.
Warner Bros., Electric Lady und der kommerzielle Wert der Gegenkultur
Die spätere, mit Experience Hendrix produzierte Dokumentation Music, Money, Madness... Jimi Hendrix in Maui liefert ungewöhnlich detaillierten Kontext zur Finanzierung des Projekts. 1970 gab Hendrix große Summen aus, um die Electric Lady Studios in New York fertigzustellen. Sein Manager Michael Jeffery sicherte umfangreiche Warner-Bros.-Finanzierung im Zusammenhang mit Rainbow Bridge; auch Soundtrackrechte an neuen Hendrix-Aufnahmen waren Teil der größeren kommerziellen Vereinbarung.
Das Projekt entstand nach Easy Rider, dessen gewaltiger Erfolg Studios zu der Annahme gebracht hatte, ein junges gegenkulturelles Publikum könne Filme belohnen, die konventionelle Hollywoodformen ablehnten. Diese Lektion ließ sich leicht missverstehen. Easy Rider hatte locker und systemfeindlich gewirkt, zugleich aber genug Struktur, Handwerk und erzählerischen Antrieb besessen, um als Kino zu funktionieren. Der Erfolg eines unkonventionellen Films bedeutete nicht, man könne herkömmliche Produktionsdisziplin einfach verwerfen.
Rainbow Bridge ging genau in diese Richtung. Wein arbeitete ohne normales Drehbuch und stützte sich stark auf Laiendarsteller und improvisiertes Material. Maui wurde zugleich Schauplatz und Projektionsfläche für gegenkulturelle Festlandsvorstellungen von Spiritualität, Flucht und alternativem Leben. Der Film sammelte Atmosphäre wesentlich leichter als erzählerische Form.
Im Verlauf der Produktion wurde das Problem immer offensichtlicher: Für einen Film ohne überzeugendes Zentrum wurde sehr viel Geld ausgegeben. Hendrix wurde zur Lösung.
Das Maui-Konzert entstand, weil der Film ein Ereignis brauchte
Hendrix, Bassist Billy Cox und Schlagzeuger Mitch Mitchell hatten bereits ein Konzert in Honolulu geplant. Wein entwickelte einen zusätzlichen Maui-Auftritt, der für Rainbow Bridge gefilmt werden konnte. Am 30. Juli 1970 spielte das Trio zwei Sets in der Hochlandlandschaft nahe Haleakala vor einem vergleichsweise kleinen Publikum.
Offizielle Hendrix-Quellen bezeichnen die Veranstaltung als „Rainbow Bridge Vibratory Color Sound Experiment“ und nennen ungefähr 500 Zuschauer. Die Berichte darüber, wie die Teilnahme organisiert wurde, unterscheiden sich; die Zusammenkunft war jedoch eindeutig kein gewöhnliches Arenakonzert mit Eintrittskarten. Das Publikum wurde rund um die improvisierte Bühne sogar nach Sternzeichen angeordnet – ein Detail, das die Weltsicht der Produktion effizienter einfängt als jede spätere Erklärung.
Der Schauplatz war außergewöhnlich. Starker Wind, offene Landschaft und das Fehlen herkömmlicher Arenaarchitektur gaben dem Auftritt eine visuelle Identität, die sich von den meisten erhaltenen Hendrix-Aufnahmen unterschied. Das Trio spielte umfangreiches Material aus Hendrix’ Repertoire, darunter neuere Lieder, die sich 1970 noch entwickelten.
Die technischen Bedingungen waren allerdings weit weniger ideal, als die Bilder nahelegen. Wind und Aufnahmeprobleme beeinträchtigten den Schlagzeugklang so stark, dass Mitch Mitchell später in die Electric Lady Studios zurückkehrte und Teile seines Auftritts neu einspielte.
Ein Livekonzert, dessen Tonspur später repariert werden musste
Mitchells nachträgliche Einspielungen gehören zu den wichtigsten Tatsachen über das Maui-Material, weil sie die einfache Unterscheidung zwischen „live“ und „Studio“ erschweren. Die Bilder bewahren ein echtes Konzert vom 30. Juli 1970, und die musikalischen Darbietungen entstanden dort. Teile der in späteren Präsentationen hörbaren Schlagzeugspur wurden dennoch nach der Veranstaltung rekonstruiert, weil die Originalaufnahme unzureichend war.
Eddie Kramer, Hendrix’ langjähriger Toningenieur, lobte später Mitchells Fähigkeit, sein eigenes Spiel mit bemerkenswerter Genauigkeit zu reproduzieren. Diese technische Leistung verdient Aufmerksamkeit, denn neu aufgenommenes Schlagzeug mit vorhandenen 16-mm-Bildern und erhaltenem Ton zu synchronisieren, ist keineswegs trivial.
Der Zeitpunkt macht den Vorgang bewegender. Hendrix starb am 18. September 1970, bevor die Reparatur abgeschlossen war. Mitchell polierte also nicht bloß einen aktuellen Konzertfilm, während die ganze Band für weitere Entscheidungen verfügbar war. Er half, Belege eines Auftritts zu retten, der plötzlich Teil eines endlichen Archivs geworden war.
Das macht das Maui-Material nicht unauthentisch. Es macht daraus ein nützliches Beispiel dafür, wie Konzertfilme häufig aus wirklichen Ereignissen und späteren technischen Eingriffen konstruiert werden. Kamera und Publikum halten einen Abend fest; die Postproduktion bestimmt, wie erfolgreich dieser Abend überlebt.
Weshalb sich das Publikum getäuscht fühlte
Die moderne Produktionsgeschichte von Experience Hendrix gibt an, dass im ursprünglichen Spielfilm nur ungefähr siebzehn Minuten Hendrix-Konzertmaterial erschienen. Dieses Ungleichgewicht wurde für die Rezeption zentral. Hendrix war der stärkste kommerzielle Grund, Rainbow Bridge zu sehen, doch der Film blieb im Kern Weins gegenkulturelles Experiment.
Von Hendrix angezogene Zuschauer begegneten daher langen Abschnitten mit improvisierten Gesprächen, Surfern, Suchenden und Figuren alternativer Lebensformen, bevor sie das vergleichsweise kurze Konzertmaterial erreichten. Die Enttäuschung ist verständlich, zumal das Maui-Konzert visuell spektakulär und musikalisch gehaltvoll genug für einen viel stärkeren eigenständigen Film war.
Die Diskrepanz zeigt außerdem die kommerzielle Kraft von Rockprominenz im Jahr 1970. Hendrix’ Anwesenheit konnte einem Projekt Zusammenhang und Vermarktbarkeit geben, das ihn ursprünglich nicht ins Zentrum gestellt hatte. Sein Bild lenkte Aufmerksamkeit auf Material, das andernfalls im riesigen Stapel gescheiterter gegenkultureller Produktionen jener Zeit verschwunden wäre.
Deshalb ist der Film nützlicher, wenn man ihn nicht ausschließlich als Hendrix-Vehikel beurteilt. Als Konzertfilm ist er frustrierend; als Beleg für den Moment, in dem alternative Kultur zu etwas wurde, das Studios kaufen, finanzieren und verpacken wollten, ist er erheblich aufschlussreicher.
Das Soundtrackalbum, das nicht der Maui-Soundtrack ist
Noch verwirrender wird das Projekt durch das posthum veröffentlichte Album Rainbow Bridge. Ein Hörer könnte vernünftigerweise annehmen, ein Album mit demselben Filmtitel und Künstler enthalte Musik vom Maui-Konzert. Das tut es nicht.
Die posthume LP Rainbow Bridge wurde aus Studioaufnahmen zusammengestellt und enthielt bedeutendes spätes Hendrix-Material wie „Dolly Dagger“ und „Hey Baby (New Rising Sun)“, funktionierte jedoch nicht als Live-Soundtrack zu Maui. Die Beziehung zwischen Film und Album war kommerziell und projektbezogen, nicht jene geradlinige Soundtrackbeziehung, die der Titel nahelegt.
Für RetroForge ist diese Unterscheidung besonders wichtig, weil die Website Filme, Alben und Darbietungen miteinander verknüpft. Ein Film namens Rainbow Bridge, ein Hendrix-Album namens Rainbow Bridge und ein Hendrix-Konzert auf Maui sind drei sich überschneidende historische Objekte, deren Audioinhalte jedoch nicht austauschbar sind.
Die Verwirrung ist keine nebensächliche diskografische Kuriosität. Sie zeigt, wie posthume Veröffentlichungsstrategien, Filmfinanzierung und Archivverwaltung Bezeichnungen schaffen können, die klar wirken und dennoch komplizierte Quellengeschichten verbergen.
Maui als wirklicher Ort und gegenkulturelle Fantasie
Auch das spirituelle Material des Films verlangt historische Distanz. Rainbow Bridge nutzt Maui als Schauplatz für importierte Vorstellungen von alternativem Leben, Astrologie, Meditation und erweitertem Bewusstsein. Einzelne Beteiligte mögen aufrichtig daran geglaubt haben, doch die Produktion ist keine dokumentarische Darstellung indigener hawaiianischer Spiritualität oder hawaiianischer Geschichte.
Diese Unterscheidung verhindert, dass die gegenkulturelle Sicht des Films mit der Insel selbst verwechselt wird. Maui fungiert teils als realer Ort und teils als Fantasieraum, auf den Suchende vom Festland Vorstellungen von Flucht und Erleuchtung projizieren. Die Bilder sind historisch wertvoll, weil sie zeigen, was ein bestimmtes Milieu von 1970 in Hawaii sehen wollte.
So betrachtet werden die Exzesse des Films zu Belegen statt bloß zu Peinlichkeiten. Seine langen Gespräche und spirituelle Rhetorik bewahren Haltungen, die ein disziplinierterer Spielfilm womöglich gekürzt oder entfernt hätte. Der große Ernst, mit dem sich alles selbst betrachtet, ist Teil des Archivs.
Weshalb ein gescheiterter Film zum nützlichen Dokument werden kann
Zeitgenössische und spätere Urteile über Rainbow Bridge waren häufig hart, und die Kritik ist leicht nachvollziehbar. Die Struktur ist instabil, das improvisierte Material kann anstrengend sein, und der Film verwechselt den Mangel an konventioneller Form oft mit Offenbarung.
Doch Scheitern kann kulturelle Belege bewahren, die ein erfolgreicher Film geglättet hätte. Eine polierte Studioproduktion hätte dasselbe Material wahrscheinlich in erkennbare Figuren und eine handhabbare Handlung verwandelt. Wein lässt dagegen einen großen Teil der Rhetorik offen liegen. Zuschauer hören Menschen über Bewusstsein, Energie, Astrologie und alternative Gesellschaftsformen reden, ohne dass viel spätere Interpretation sie vor ihrer eigenen Großspurigkeit schützt.
Diese Eigenschaft macht Rainbow Bridge zu einem aufschlussreichen Begleiter von Medicine Ball Caravan. Beide Projekte zeigen Firmengeld beim Versuch, gegenkulturelle Lebensformen zu dokumentieren, die sich teilweise im Gegensatz zum amerikanischen Großunternehmen definieren. Medicine Ball Caravan gewinnt natürliche Struktur aus Bewegung, Begegnungen und der Logistik einer Reise durchs Land. Rainbow Bridge bleibt sehr viel statischer und diffuser und legt dadurch die Schwächen seiner Methode deutlicher offen.
Der Vergleich ist wertvoll, weil er zeigt, dass gegenkultureller Inhalt allein noch keine wirksame Dokumentation hervorbringt. Form bleibt wichtig.
Die Dokumentation von 2020 trennt die Geschichten endlich richtig
Die Veröffentlichung von Music, Money, Madness... Jimi Hendrix in Maui im Jahr 2020 veränderte den möglichen Zugang zum ursprünglichen Film. Die unter Regie von John McDermott und unter Beteiligung von Experience Hendrix entstandene spätere Dokumentation rekonstruiert die eigentümliche Produktionsgeschichte durch Interviews mit Billy Cox, Eddie Kramer, Vertretern von Warner Bros., Beteiligten an Rainbow Bridge und Chuck Wein. Begleitende Veröffentlichungen zeigten zudem die erhaltenen Maui-Auftritte erheblich vollständiger, mit restauriertem 16-mm-Material und neu aufbereitetem Ton.
Für Zuschauer, die sich vor allem für Hendrix interessieren, ist das Projekt von 2020 der nützlichere Ausgangspunkt. Es erklärt, weshalb das Maui-Konzert stattfand, wie die Aufnahmeprobleme behoben wurden und wie das Material mit einem Film verstrickt wurde, der niemals gut als Konzertdokument funktionierte.
Das befreit Rainbow Bridge von der unmöglichen Aufgabe, jener Hendrix-Film zu sein, den das Publikum immer erwartet hatte. Stattdessen lässt er sich als fehlerhaftes, aber ungewöhnlich aufschlussreiches Artefakt von 1970 untersuchen: teils Geschichte des Musikgeschäfts, teils gescheitertes Experiment, teils spirituelle Zeitkapsel und teils zufälliger Behälter wesentlichen Hendrix-Materials.
Seine Veröffentlichungsgeschichte ist ähnlich unordentlich. Das AFI katalogisiert den Film als 1972, bewahrt aber einen Copyrightvermerk von 1971 und Rezensionen aus Los Angeles vom Dezember 1971; zeitgenössische Laufzeiten schwanken zwischen 108, 120 und 123 Minuten. Diese Unterschiede gehören in die Fassungsgeschichte und dürfen nicht zu einem vermeintlich exakten Datenpunkt eingeebnet werden.
Der Film ist voller Kategorien, die nicht sauber zusammenpassen. Das ist kein Grund, ihn zu verwerfen. Es ist der Grund, weshalb diese Seite ihn sorgfältig erklären muss.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Rainbow Bridge darf nicht als vollständiger Hendrix-Konzertfilm präsentiert werden. Das AFI verzeichnet historische Laufzeiten von 108, 120 und 123 Minuten und eine Veröffentlichungsgeschichte, die von Ende 1971 bis zur Katalogisierung unter 1972 reicht. Angaben zu Jahr und Laufzeit sollten deshalb nach Möglichkeit an die konkrete Ausgabe gebunden werden.
Für die Hendrix-Darbietungen selbst sollten Leser zum Restaurierungsprojekt *2020 Music, Money, Madness... Jimi Hendrix in Maui / Live in Maui*** geführt werden.