Ein Festivalfilm, der erst fertig wurde, nachdem sich seine Geschichte bereits verfestigt hatte
Murray Lerner filmte das Isle of Wight Festival im August 1970 mit dem Instinkt eines zeitgenössischen Dokumentaristen, doch Message to Love erreichte sein Publikum erst ungefähr ein Vierteljahrhundert später als fertiger Spielfilm. Diese Verzögerung verleiht ihm eine ungewöhnliche doppelte Perspektive. Die Kameras gehören vollständig ins Jahr 1970, als Jimi Hendrix, The Doors, Joni Mitchell, Miles Davis, The Who, Leonard Cohen, Jethro Tull und Emerson, Lake & Palmer schlicht Teil eines außergewöhnlichen aktuellen Programms waren. Der fertige Film wurde jedoch erst nach Todesfällen, Trennungen, Umkehrungen des Ansehens und jener Kanonbildung gestaltet, die viele dieser Auftritte in historische Meilensteine verwandelte.
Das Rohmaterial enthält deshalb eine Ungewissheit, die der endgültige Schnitt nie vollständig zurückgewinnen kann. Hendrix lebte noch. Jim Morrison stand weiterhin an der Spitze der Doors. Emerson, Lake & Palmer waren eine verblüffende neue Idee und noch kein festgeschriebenes Kapitel der Progressive-Rock-Geschichte. Miles Davis’ elektrische Phase entfaltete sich noch, statt bereits durch Jahrzehnte der Jazzkritik verteidigt und neu bewertet worden zu sein. Als Lerner später aus diesem Material auswählen musste, wusste er, was als Nächstes geschah, und dieser Rückblick beeinflusst unweigerlich das Gewicht einzelner Gesichter und Augenblicke.
Dass Message to Love nicht zu einem einfachen Denkmal wird, liegt an der großen Aufmerksamkeit für das Festival selbst. Die Isle of Wight ist nicht bloß eine Bühne, auf der zufällig berühmte Menschen auftreten. Sie ist ein riesiges, instabiles gesellschaftliches und wirtschaftliches Ereignis, dessen innere Auseinandersetzungen Teil des Films werden.
Als die Festivalkultur über ihre eigenen Ideale hinauswuchs
Die Isle-of-Wight-Festivals waren mit bemerkenswerter Geschwindigkeit gewachsen. Die heutige Festivalorganisation beschreibt die Veranstaltung von 1970 mit mehr als 600.000 Besuchern, während andere historische Darstellungen niedrigere Zahlen nennen. Die genaue Besucherzahl bleibt ungewiss, die praktische Wirklichkeit jedoch nicht: East Afton Farm musste eine Bevölkerung aufnehmen, die alles weit übertraf, was die Organisatoren bei früheren Festivals auf der Insel bewältigt hatten.
Dieser Maßstab machte alte gegenkulturelle Annahmen schwer haltbar. Manche Menschen kamen in Erwartung eines gemeinschaftlichen Treffens, dessen Musik grundsätzlich frei zugänglich sein sollte. Die Veranstalter standen vor der entgegengesetzten materiellen Realität. Ein Programm mit internationalen Stars, groß angelegter Beschallung, Bühnenbau, Sicherheit und Transport erforderte Geld, Verträge und kontrollierten Zugang. Der Streit um Eintrittskarten wurde damit zum Streit darüber, was die Rockkultur ihrem eigenen Verständnis nach sein sollte.
Lerners Kameras bewahren diese Auseinandersetzung, ohne sie auf einen späteren Slogan zu verkürzen. Menschen versammeln sich außerhalb kontrollierter Bereiche. Zäune werden zu Protestobjekten. Die Organisatoren sind sichtbar frustriert. Der Filmtitel mag Liebe versprechen, doch sein stärkstes historisches Material betrifft den Punkt, an dem Freiheitsideale mit den Kosten einer Veranstaltung für Hunderttausende Menschen kollidieren.
Die berühmte wütende Ansprache von Moderator Rikki Farr an Teile des Publikums verdichtet das Problem. Sein Ausbruch ist unangenehm, aber aufschlussreicher als eine geglättete Montage aus Sonnenuntergängen und lächelnden Zuschauern. Die Organisatoren versuchen, die Sprache der Gemeinschaft zu sprechen, während sie Ticketgrenzen durchsetzen und gewaltige Rechnungen bezahlen. Einige Mitglieder des Publikums bestehen darauf, dass die Musik allen gehöre. Keine Seite besitzt eine Lösung, die der Rhetorik rund um die Veranstaltung gerecht werden könnte.
Aus der Distanz heutiger Festivalkultur wirkt der Konflikt beinahe grundlegend. Moderne Festivals haben die Marktbeziehung durch Ticketsysteme, Sponsoren, abgestufte Zugänge und umfassende Sicherheitsmaßnahmen weitgehend formalisiert. 1970 war die Vorstellung, Rock könne außerhalb solcher Strukturen bleiben, noch lebendig genug für eine echte Konfrontation.
Hendrix auf der Isle of Wight ohne die Mythologie eines Schlusskapitels
Jimi Hendrix’ Auftritt trägt im Rückblick mehr Gewicht als fast jeder andere Teil des Films. In der praktischen Festivalchronologie fand er in den frühen Morgenstunden des 31. August statt, nach dem angekündigten Sonntagsprogramm, und wurde zu seinem letzten großen britischen Festivalauftritt. Hendrix starb am 18. September 1970 in London, weniger als drei Wochen später.
Dieses Wissen kann das Material verzerren. Ein müder Ausdruck kann prophetisch erscheinen, ein technisches Problem zum Beleg des Niedergangs werden, und jede gelungene Passage lässt sich als letztes Vermächtnis rahmen. Nützlicher ist es, sich daran zu erinnern, dass Hendrix weiterhin aktiv arbeitete. Er spielte Material in Entwicklung, absolvierte einen europäischen Tourplan und versuchte, unter schwierigen Festivalbedingungen aufzutreten. Nichts an diesem Abend verriet den Musikern oder dem Publikum, dass die Geschichte ihn bald zu einer seiner letzten großen öffentlichen Äußerungen erstarren lassen würde.
Lerners Archiv wurde zunehmend bedeutend, weil er so umfangreich filmte. Dasselbe Isle-of-Wight-Material trug später künstlerbezogene Veröffentlichungen über Hendrix, The Who, Miles Davis, Jethro Tull, Leonard Cohen, The Doors, Taste und andere. Diese Filme verändern den Maßstab der Belege. Message to Love nutzt einzelne Darbietungen, um die Geschichte der Veranstaltung zu erzählen, während die späteren Konzertfilme ein vollständiges Set oder einen Künstler zum Gegenstand machen können.
Diese Unterscheidung macht den breiten Spielfilm zu einem nützlichen Einstieg und nicht zum letzten Wort. Er zeigt, wie sich das Festival als Ganzes anfühlte, und lädt danach in ein sehr viel tieferes Archiv ein.
Joni Mitchell und die Verletzlichkeit der frühen Festivalbühne
Joni Mitchells Set liefert eines der deutlichsten Beispiele dafür, wie physisch ungeschützt Künstler auf großen frühen Festivals sein konnten. Ihr Auftritt wurde inmitten der größeren Auseinandersetzungen um freien Zugang und Festivalpolitik gestört, und ein Protestierender gelangte auf die Bühne. Schließlich wandte sich Mitchell direkt an das Publikum und versuchte, überhaupt erst die grundlegende Möglichkeit herzustellen, aufzutreten, ohne dass der Konflikt um die Veranstaltung ihr Set überwältigte.
Aus heutiger Stadionperspektive wirkt die Szene verblüffend. Große Künstler sind inzwischen gewöhnlich durch Sicherheitszonen, Absperrungen, Bühnenhöhe und sorgfältig geregelten Zugang vom Großteil des Publikums getrennt. Auf der Isle of Wight konnte Prominenz kulturell gewaltig sein, während die physische Grenze um den Künstler vergleichsweise zerbrechlich blieb.
Mitchells Erfahrung zeigt außerdem, weshalb es irreführend ist, von „der Menge“ zu sprechen, als hätten mehrere Hunderttausend Menschen eine einzige politische Position geteilt. Das Festivalpublikum umfasste Aktivisten, engagierte Fans, beiläufige Besucher, Menschen, die nicht bezahlen wollten, Menschen mit Eintrittskarte, berauschte Zuschauer, Idealisten und viele andere, deren Beweggründe wenig gemeinsam hatten. Lerners Film wird immer dann stärker, wenn er diese Unterschiede sichtbar bleiben lässt, statt der Versammlung eine einzige gegenkulturelle Persönlichkeit zu geben.
Ein Programm, das zu breit für den Begriff Classic Rock ist
Das Programm der Isle of Wight war so umfangreich, dass rückblickende Genrebegriffe es beinahe automatisch einebnen. Miles Davis befand sich mitten in der elektrischen Verwandlung, die mit Bitches Brew und der darauf folgenden Musik verbunden ist. Joan Baez vertrat eine Tradition von Folk und politischem Lied. Joni Mitchell gehörte zur sich rasch verändernden Singer-Songwriter-Welt. The Who arbeiteten auf dem Höhepunkt einer Form von Rocktheatralik, während Emerson, Lake & Palmer eine andere Vision von Größe und technischem Ehrgeiz präsentierten. Zum Programm gehörten außerdem Free, Taste, Ten Years After, The Moody Blues, Jethro Tull, The Doors, Leonard Cohen und viele weitere.
Lerners Konzertmaterial ist unter anderem deshalb wertvoll, weil es sich der Bequemlichkeit eines einheitlichen „Rockklangs von 1970“ widersetzt. Miles Davis bleibt unverkennbar Teil der elektrischen Grenze des Jazz. Leonard Cohen kann ein riesiges Festival auf etwas Intimes reduzieren. Mitchell benötigt weder dieselbe physische Maschinerie noch dieselbe musikalische Sprache wie The Who. Die Veranstaltung hielt diese Unterschiede zusammen, weil die Kategorie Festival breit genug für sie war – nicht weil die Künstler musikalisch austauschbar gewesen wären.
Das macht Message to Love innerhalb der größeren RetroForge-Struktur besonders nützlich. Der Film verbindet Progressive Rock, Folk, Jazz, Bluesrock, Singer-Songwriter-Kultur und Festivalgeschichte, ohne so zu tun, als erkläre ein Genre alle anderen.
Der Rückblick hilft dem Film und macht ihn zugleich komplizierter
Als Lerner den Spielfilm zusammenstellte, hatte das Isle of Wight Festival bereits eine Erzählung angenommen. Hendrix und Morrison waren tot. Progressive Rock war zu außerordentlicher Bedeutung aufgestiegen, hatte Gegenreaktionen erlebt und war in eine lange Phase der Neubewertung eingetreten. Punk hatte verändert, wie über die frühen 1970er Jahre gesprochen wurde. Die ursprüngliche Festivalreihe auf der Isle of Wight war nach 1970 verschwunden und ließ die Veranstaltung im kulturellen Gedächtnis schweben.
Dieser Rückblick erlaubte Lerner, jene Augenblicke zu erkennen, die durch die Geschichte wichtig geworden waren. Zugleich brachte er die Gefahr mit sich, das Jahr 1970 danach zu ordnen, was spätere Jahrzehnte darin sehen wollten. Der Fokus des Films auf das Überwinden von Absperrungen, kommerzielle Konflikte und die Zerbrechlichkeit gegenkultureller Ideale beruht auf echtem Material, bleibt aber eine redaktionelle Konstruktion aus einem gewaltigen Ereignis.
Am produktivsten betrachtet man Message to Love deshalb als historische Deutung, die aus ungewöhnlich reichen zeitgenössischen Belegen gebaut wurde. Der Film bietet nicht das ganze Festival, und das muss er auch nicht. Seine Stärke liegt darin, sowohl die Darbietungen als auch die Auseinandersetzungen um sie herum zu bewahren.
Die ursprüngliche Isle-of-Wight-Festivalreihe kehrte nach 1970 erst mit der Wiederbelebung der Veranstaltung im Jahr 2002 zurück. Lerners Material wurde zu einem der wichtigsten Wege, über die die fehlenden Jahrzehnte auf diese letzte Zusammenkunft zurückblicken konnten. Das Archiv hielt das Ereignis nicht als eine maßgebliche Erinnerung am Leben, sondern als Sammlung sich überschneidender Filme, Alben und Auftritte. Message to Love bleibt der breiteste filmische Zugang zu diesem Material, weil es die Musik gemeinsam mit jenem gesellschaftlichen Druck zeigt, der das Festival historisch unverwechselbar machte.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Die kanonische Fassung ist der Mitte der 1990er Jahre fertiggestellte Dokumentarfilm. Er sollte von den zahlreichen künstlerbezogenen Konzertfilmen getrennt bleiben, die später aus Murray Lerners Isle-of-Wight-Material zusammengestellt wurden.
Für den Spielfilm wird weithin eine Laufzeit von 127 Minuten katalogisiert, während einige moderne Dienste und Ausgaben kürzere oder längere Werte nennen. Die Laufzeit gehört zur jeweiligen Ausgabe.