Mellotron이란?

Mellotron은 일반적인 의미의 신시사이저가 아닙니다. 전자 파형을 생성한 뒤 가공하지 않습니다. 현대 디지털 샘플러도 아닙니다. 클래식 기종에서는 건반을 누르면 녹음된 테이프 조각이 재생 헤드 아래에서 움직이고, 건반을 놓으면 테이프가 시작 위치로 돌아갑니다.

이 차이가 악기의 성격을 설명합니다. 모든 음은 녹음된 연주에서 시작하지만 음높이 변화와 테이프 마모, 헤드 정렬, 이송 장치가 결과에 색채를 더합니다. 익숙한 사운드는 따라서 연주자와 녹음, 기계가 함께 만든 것입니다.

Mellotron은 어떻게 작동하는가?

단일 매뉴얼 M400에서는 각 건반이 고유한 테이프 조각을 제어합니다. 압력 패드가 테이프를 재생 헤드에 밀착시키고 핀치 롤러는 계속 회전하는 캡스턴에 닿게 합니다. 건반을 놓으면 스프링이 테이프를 되감습니다. 테이프가 루프가 아닌 직선형이라 음은 끝에 닿기 전 약 8초만 지속됩니다.

M400 테이프에는 평행하게 녹음된 세 트랙이 있습니다. 트랙 선택기를 움직이면 헤드가 한 트랙 위나 이웃 트랙 사이에 놓여 연주자가 장착된 소리를 선택하거나 섞을 수 있습니다. 분리형 테이프 프레임으로 세 가지 소리 묶음을 다른 것으로 바꿀 수 있었지만 즉석 프리셋 선택이 아니라 물리적 교체였습니다.

8초의 한계는 연주 기법을 빚었습니다. 연주자는 음을 놓았다 다시 치고, 화음 음을 엇갈리게 누르거나 각 테이프가 돌아오는 동안 전위 사이를 이동할 수 있었습니다. Mellotron은 다른 음이 바뀌는 동안 화음을 지속할 수 있습니다. 진짜 제약은 같은 음이 처음부터 다시 울리려면 해당 건반의 테이프가 되감겨야 한다는 점입니다.

Mellotron은 어디에서 왔는가?

이야기는 California의 Harry Chamberlin에서 시작합니다. Chamberlin은 1940년대 후반부터 테이프 재생 리듬 악기와 건반악기를 개발했습니다. 1960년대 초 그의 판매원 Bill Fransen은 Chamberlin 기계 두 대를 영국으로 가져가 Birmingham에 있던 Bradley 형제의 엔지니어링 회사 Bradmatic을 찾아갔고, 처음에는 아이디어가 Chamberlin의 소유라는 사실을 밝히지 않았습니다.

Leslie와 Frank, Norman Bradley는 생산을 위해 기구를 다시 설계하고 훗날 Streetly Electronics가 된 회사를 통해 악기를 제조해 Eric Robinson과 David Nixon이 관련된 판매 조직 Mellotronics에 공급했습니다. Harry Chamberlin이 상황을 알게 된 뒤 분쟁은 1966년 금전 합의로 끝났습니다. 따라서 Mellotron은 독립적으로 발견된 것이 아니라 미국 발명품을 영국에서 발전시킨 악기였습니다.

최초의 Mellotron은 1963년 생산에 들어갔습니다. 초기 듀얼 매뉴얼 기종은 리드 사운드와 미리 녹음된 리듬 및 필인을 결합했습니다. 훗날의 M400은 악기를 35음 건반 하나와 분리형 테이프 프레임으로 줄였습니다. 무게가 122파운드로 여전히 상당했지만 상대적인 휴대성과 1,800대 이상의 판매량 덕분에 1970년대 가장 유명한 모델이 됐습니다.

록 음악에 들어온 과정

Mike Pinder는 the Moody Blues를 결성하기 전 Streetly에서 일했습니다. 밴드의 공식 역사에 따르면 그는 중고 Mellotron을 구해 개조하고 1967년 싱글 ‘Love and Beauty’부터 사용하며 현악 테이프를 흐르는 앙상블 질감으로 바꾸는 데 기여했습니다. 그 경험은 까다로운 투어 악기를 계속 작동시키는 데도 도움이 됐습니다.

The Beatles는 이 악기에 가장 알아보기 쉬운 팝 음악의 입구를 마련했습니다. Abbey Road는 1966년 말 ‘Strawberry Fields Forever’를 위해 녹음된 Mellotron 플루트 도입부의 연주자가 Paul McCartney라고 밝힙니다. 그 소리는 현악 섹션도, 음반의 오케스트라 엔딩도 아니라 시작 부분에 노출된 짧은 플루트 음형입니다.

2년 뒤 King Crimson은 Mellotron의 덩어리감이 In the Court of the Crimson King의 중심이 되게 했습니다. DGM 공식 크레딧은 보컬 겸 베이시스트 Greg Lake가 아니라 Ian McDonald를 건반과 Mellotron 연주자로 명시합니다. 현악 사운드는 ‘Epitaph’와 타이틀곡의 규모를 키우고 McDonald의 어쿠스틱 플루트는 ‘I Talk to the Wind’와 타이틀곡 안에 다른 색채를 더합니다.

프로그레시브 록은 왜 이 악기를 사랑했나?

Mellotron은 건반 연주자 한 명이 앙상블을 투어에 데려가지 않고도 녹음된 현악과 금관, 플루트, 목소리를 밴드 편곡에 더할 수 있게 했습니다. 그 실용적 장점은 중요했지만 이 악기가 프로그레시브 록에서 차지한 위치를 완전히 설명하지는 못합니다. 어택과 제한된 음 길이, 들리는 입자는 지속 화음에 오르간이나 후대 신시사이저와 다른 성격을 부여했습니다.

음악가마다 그 성격을 다르게 사용했습니다. Pinder는 Moody Blues의 교향악적 파도에 층층이 쌓았고, Ian McDonald는 불길하고 기념비적으로 만들었으며, Tony Banks는 합창과 현악, 금관 색채로 Genesis의 전환을 확대했고, Rick Wakeman은 Yes 편곡에서 오르간과 신시사이저 곁에 놓았습니다. Mellotron은 모든 오케스트라 악기의 대체물이 아니라 건반 팔레트의 뚜렷한 구성원이었습니다.

Mellotron의 문제점

Mellotron에는 건반 압력과 핀치 롤러, 스프링, 테이프 정렬, 재생 헤드, 모터 속도, 벨트 장력처럼 서로 맞아야 하는 조정 요소가 많습니다. 먼지와 마모된 테이프, 잘못된 조정은 불균일한 레벨과 느린 복귀, 오트래킹, 음 실패를 만들 수 있습니다. 온도와 전원 상태는 모터 속도와 그에 따른 음높이에 영향을 줄 수 있습니다.

투어는 이런 취약성을 키웠습니다. Moody Blues의 역사에는 미국 공연에서 Pinder의 악기 뒷면이 열려 테이프가 쏟아진 일이 기록돼 있습니다. 그는 공장 경험 덕분에 수리할 수 있었습니다. King Crimson 아카이브에도 초기 Newcastle 공연에서 Mellotron이 고장 난 일이 기록돼 있습니다. 이런 사건은 실제였지만 잘 관리된 기계가 사운드의 일부로 고장 나도록 설계된 것은 아닙니다.

악기는 음악적 규율도 요구했습니다. 연주자에게는 건반마다 약 8초, 제한된 건반 범위, 유한한 장착 테이프 묶음이 있었습니다. 이런 제약은 엇갈린 보이싱과 세심하게 시간을 맞춘 진입을 장려했습니다. 그렇다고 다성 연주가 불가능했던 것도, 모든 연주가 불안정하게 들려야 했던 것도 아닙니다.

오늘날의 Mellotron

생산 역사는 1980년에 깔끔하게 끝나지 않았습니다. 기업 변화로 Streetly 제작 악기가 Novatron 이름으로 등장했고 Streetly는 1987년 영업을 중단했습니다. 테이프 라이브러리와 남은 기계에 대한 관심은 이어졌습니다. Mellotron Archives는 원본 마스터를 복원했고 부활한 제조사들은 나중에 새 테이프 기반 악기와 디지털 제품을 모두 내놓았습니다.

현재 Mellotron 카탈로그에는 1999년에 나온 테이프 기반 Mark VI와 2009년에 나온 디지털 M4000D가 있습니다. 회사는 디지털 모델이 원래 1세대 테이프 라이브러리에서 가져온 비압축 24비트 녹음을 재생한다고 설명합니다. 따라서 소프트웨어 악기와 하드웨어 재현품은 원본 이송 장치의 동작을 생략하거나 모델링하면서 녹음된 원천 소재를 매우 가깝게 재현할 수 있습니다.

어느 쪽이 더 나은지는 사실의 서열이 아니라 예술적 선택입니다. 복원된 테이프 기계에는 기계적 변화와 유지보수, 물리적 상호작용이 따릅니다. 디지털 악기는 반복 가능성과 더 가벼운 투어, 더 넓은 라이브러리를 제공합니다. 둘 다 같은 역사적 테이프 아카이브에서 이어진 녹음을 사용할 수 있습니다.

지금도 중요한 이유

Mellotron은 녹음 역사에서 중요한 중간 지대를 차지합니다. 녹음을 연주 가능한 건반 재료로 바꾸지만 모든 건반은 여전히 테이프에 담긴 유한한 연주에 묶여 있습니다. 그래서 연주자가 단순한 화음을 누르고 있어도 이웃한 음들의 어택과 튜닝, 활 긋기, 호흡이 다를 수 있습니다.

따라서 중요성은 값싼 오케스트라를 제공했다는 주장보다 큽니다. Beatles는 플루트 테이프를 노출된 훅으로 사용했고, Moody Blues는 현악 테이프를 흐르는 밴드의 목소리로 다뤘으며, King Crimson은 밀도와 공포를 위해 사용했습니다. 같은 기계 언어가 친밀하고 교향악적이며 위협적일 수 있었고, 후대 샘플러는 8초의 기계적 한계를 물려받지 않으면서 기본 발상을 이어받았습니다.