Syntezator wchodzi do historii brytyjskiego popu dwa razy: najpierw jako maszyna z przyszłości, potem jako coś, na co młodzi muzycy rzeczywiście mogą sobie pozwolić
Synth Britannia śledzi przemianę, która wydaje się nieunikniona dopiero po czterech dekadach elektronicznego popu. Pod koniec lat 70. syntezator miał już rozległą historię w kompozycji eksperymentalnej, progressive rocku i muzyce studyjnej. Duże systemy modularne mogły być drogie, trudne w obsłudze i kojarzone z muzykami, których konfiguracje techniczne przypominały bardziej laboratoria niż punkowe kluby. Dokument Benjamina Whalleya dla BBC Four z 2009 roku zaczyna się w miejscu, w którym to skojarzenie zaczyna się rozpadać.
Mniejsze i bardziej przystępne cenowo instrumenty elektroniczne trafiają do muzyków ukształtowanych przez postawy punkowe i post-punkowe. Technologia nie musi już oznaczać wirtuozerskiego nadmiaru ani instytucjonalnego eksperymentu. Młody zespół może użyć syntezatora właśnie dlatego, że pozwala niewielkiej liczbie osób tworzyć dźwięki niedostępne dla konwencjonalnej grupy gitarowej. Rezultat jest jednym z wielkich odwróceń w historii muzyki popularnej. Instrument kojarzony z futurystyczną trudnością staje się częścią zwięzłego popu. Około dziewięćdziesięciominutowa konstrukcja dokumentu śledzi tę zmianę od elektronicznych enklaw undergroundu przez Gary'ego Numana, Human League, Depeche Mode, Soft Cell, OMD, Yazoo, New Order i szerszą kulturę, która w końcu zamienia syntezatory w zwyczajny język głównego nurtu.
Kraftwerk stają się kluczowym zagranicznym przykładem, ponieważ sprawiają, że muzyka elektroniczna wygląda jak tożsamość, a nie demonstracja sprzętu
Brytyjscy muzycy syntezatorowi nie wynaleźli elektronicznego popu w izolacji. Wpływ Kraftwerk jest centralny dla dokumentu, ponieważ niemiecka grupa pokazała już wcześniej, że elektronika może wspierać kompletną estetykę obejmującą rytm, ubiór, wizerunek, nowoczesny transport, architekturę i kontrolowany występ. Ten wpływ jest głębszy niż usłyszenie nowego brzmienia klawisza. Kraftwerk oferują model odrzucenia odziedziczonych zachowań rockowych.
Zespół nie potrzebuje bluesowego gitarzysty w centrum. Wokalista nie musi imitować amerykańskich manier wokalnych. Powtórzenie może być zdyscyplinowane, a nie prymitywne. Maszyny mogą pozostać widoczne bez zamieniania występu w targi technologiczne. Dla brytyjskich muzyków post-punkowych szukających wyjścia z rockowej konwencji jest to wyzwalające. To powiązanie czyni także Synth Britannia naturalnym uzupełnieniem obu dokumentów o Krautrocku z tej partii. Niemiecki eksperyment elektroniczny wchodzi do brytyjskiej kultury młodzieżowej i staje się czymś nowym, ponieważ warunki społeczne są inne. Wpływ jest tłumaczeniem.
J. G. Ballard daje scenie wyobrażoną Brytanię, zanim muzycy zbudują dla niej ścieżkę dźwiękową
Streszczenie BBC wyraźnie łączy wczesnych artystów elektronicznych z pisarzem J. G. Ballardem, którego wizje nowoczesnej architektury, alienacji, technologii i psychologicznego rozszczepienia tworzyły literacką atmosferę bardzo zgodną z postindustrialną brytyjską muzyką elektroniczną. Jest to historycznie użyteczne, ponieważ synth-pop często pamięta się przez modę lat 80., jasne teledyski i wypolerowane hity. Dokument zaczyna w ponurzejszym miejscu. Bloki mieszkalne, przemysłowe krajobrazy, science fiction i społeczny niepokój Wielkiej Brytanii końca lat 70. pomagają wyjaśnić, dlaczego elektroniczne brzmienie mogło wydawać się emocjonalnie właściwe, a nie tylko nowe. Syntezator może uczynić miasto słyszalnym bez dosłownego odtwarzania hałasu fabryki.
Ta artystyczna relacja pokazuje także, jak sceny rozwijają się między mediami. Muzycy czytają powieści, oglądają filmy, chłoną projektowanie graficzne, a następnie budują utwory, których język zawdzięcza wyobrażonym światom równie dużo jak innym płytom. Elektroniczny pop był wizualny i literacki, zanim MTV uczyniło tożsamość wizualną obowiązkiem komercyjnym.
Daniel Miller pokazuje, że DIY nie wymaga gitary
Zasada punkowego „zrób to sam” jest często łączona z tanimi gitarami, małymi wytwórniami i odrzuceniem technicznego poleru. Praca Daniela Millera jako The Normal oraz stworzenie Mute Records pokazują inną drogę.
Sprzęt elektroniczny może służyć kulturze DIY wtedy, gdy muzycy używają przystępnych cenowo maszyn do ominięcia konwencjonalnej struktury zespołu. Nie trzeba najpierw znaleźć perkusisty, basisty i gitarzysty, by nagrać płytę. Zmienia to zarówno dźwięk, jak i ekonomię. Mute później stanie się centralne dla Depeche Mode i szerszego katalogu elektronicznego, lecz jego początki są ważne, ponieważ niezależna infrastruktura i technologia elektroniczna rozwijają się razem. Historia sceny w dokumencie łączy się więc bezpośrednio z pytaniami o niezależne wytwórnie poruszanymi w innych częściach RetroForge. Nowa muzyka potrzebuje nowej dystrybucji, gdy ustalone firmy początkowo nie rozumieją rynku. Sypialnia lub małe studio mogą stać się środowiskiem produkcyjnym. Mała wytwórnia może być mostem między eksperymentem i publicznością.
Cabaret Voltaire zachowują przemysłowy hałas, taśmę i konfrontację w opowieści, zanim synth-pop stanie się modny
Sheffieldska historia Cabaret Voltaire nie pozwala Synth Britannia zamienić się w opowieść zaczynającą się od chwytliwych klawiszowych hooków. Chris Watson, Richard H. Kirk i Stephen Mallinder używali taśmy, elektroniki, przetworzonych głosów i rytmicznego eksperymentu w twórczości związanej z kulturą industrialną i post-punkową. Muzyka może być szorstka i politycznie naładowana w sposób, którego późniejszy synth-pop głównego nurtu często nie zachowuje.
Ma to znaczenie, ponieważ historie gatunków często rekonstruują początki wstecz od późniejszych sukcesów. Gdy elektroniczny pop produkuje Depeche Mode i Pet Shop Boys, wcześniejsze eksperymenty można przedstawiać jako prymitywne wersje utworów, które później stały się przystępne. Cabaret Voltaire nie ponosili porażki w próbie zostania popem. Badali inne zastosowanie elektroniki. Późniejsza scena komercyjna dziedziczy technologię, nie dziedzicząc każdego celu estetycznego. Mocna historia dokumentalna zachowuje oba poziomy.
Sheffield staje się jednym z wielkich miast muzyki elektronicznej, ponieważ kilka odpowiedzi rozwija się blisko siebie
The Human League, Cabaret Voltaire i później Heaven 17 wiążą dokument z Sheffield, miastem, którego środowisko przemysłowe stało się niemal zbyt symbolicznie idealne dla historii muzyki elektronicznej. Wizualne skojarzenie fabryk i syntezatorów może stać się banałem, jeśli potraktuje się je deterministycznie. Ludzie nie tworzą muzyki elektronicznej po prostu dlatego, że w pobliżu stoją huty. Znaczenie ma lokalna sieć klubów, kultura szkół artystycznych, tanie przestrzenie, muzycy i wspólna świadomość, że nowa technologia oferuje alternatywę dla konwencjonalnych zespołów rockowych.
Ewolucja Human League jest szczególnie wymowna. Wczesna grupa z Martynem Ware'em i Ianem Craigiem Marshem tworzy bardziej ascetyczne elektroniczne brzmienie, zanim zmiany personalne doprowadzą do komercyjnie eksplodującego składu kojarzonego z Dare. Ware i Marsh następnie zakładają Heaven 17, pokazując, że rozpad zespołu może wygenerować dwie ważne gałęzie zamiast jednego zwycięzcy i jednego przegranego. Historia mówiona filmu ogromnie zyskuje na tym, że sami uczestnicy opisują ten podział.
Występ Gary'ego Numana w *Top of the Pops* czyni underground widocznym dla milionów w ciągu kilku minut
Streszczenie BBC wskazuje występ Gary'ego Numana z Tubeway Army w Top of the Pops w 1979 roku z utworem „Are 'Friends' Electric?” jako moment przejścia do szerszej publiczności. Znaczenie leży częściowo w skali telewizji.
Muzyka elektroniczna istniała przed tą emisją, a Human League, Cabaret Voltaire i inni już działali. Top of the Pops umieszcza wyraźnie elektroniczny, emocjonalnie zdystansowany występ w jednej z najbardziej głównonurtowych brytyjskich instytucji popowych. Nagle przyszłość nie dzieje się w specjalistycznym klubie. Znajduje się w rodzinnych salonach.
Występ Numana pokazuje również, jak mocno obraz i dźwięk wzajemnie się wzmacniają. Makijaż, światło, kontrolowany ruch i syntezatory tworzą tożsamość, którą widzowie mogą rozpoznać natychmiast. Nie chodzi tylko o to, że muzyka staje się popularna. Język wizualny staje się czytelny. BBC jest szczególnie dobrze ustawione do opowiedzenia tej historii, ponieważ własne archiwum instytucji pomogło stworzyć to wydarzenie.
John Foxx i Ultravox pokazują, że transformacja elektroniczna może wydarzyć się wewnątrz istniejącego zespołu rockowego
Ultravox nie zaczynali jako całkowicie elektroniczny projekt. Przejście zespołu przez okres Johna Foxxa, a później epokę Midge'a Ure'a pokazuje, jak syntezatory mogły stopniowo wchodzić do struktury rockowej. Solowa twórczość Foxxa idzie potem jeszcze dalej w stronę minimalistycznej elektronicznej tożsamości. Ta droga różni się od Daniela Millera zaczynającego od maszyn czy eksperymentalnej kultury taśmowej Cabaret Voltaire. Ta sama technologia wspiera kilka ścieżek. Ultravox osiągają później ogromny sukces komercyjny z „Vienna”, gdzie syntezatory, konwencjonalna perkusja, bas, wokal i wizualne wyrafinowanie współistnieją bez potrzeby wyboru między „rockiem” i „elektroniką”. Szeroka lista uczestników dokumentu pomaga zapobiec definiowaniu synth-popu przez jeden instrument. Muzyka elektroniczna staje się zbiorem decyzji produkcyjnych zdolnych wejść do różnych architektur zespołu.
Rozłam Human League zamienia jedną eksperymentalną grupę w dwie historie głównego nurtu
Przemiana składu Human League jest jedną z centralnych historii filmu, ponieważ kondensuje ruch od eksperymentalnej elektroniki do sukcesu popowego. Martyn Ware i Ian Craig Marsh odchodzą i zakładają Heaven 17, podczas gdy Philip Oakey kontynuuje działalność w przebudowanym Human League z Joanne Catherall i Susan Ann Sulley. Nowa grupa ostatecznie tworzy Dare, album, którego międzynarodowy sukces pomaga wprowadzić synth-pop całkowicie do głównego nurtu. Rozłam jest użyteczny, ponieważ historie zmian gatunkowych często wyobrażają sobie jeden zespół stopniowo stający się bardziej komercyjny. Tutaj artystyczny spór tworzy osobne organizacje. Jedna gałąź rozwija własny kierunek electronic-funk-pop; druga wypracowuje nową równowagę wizualną i wokalną zdolną osiągnąć ogromny sukces list przebojów. Żadnej historii nie trzeba traktować jako zdrady. Scena staje się bogatsza właśnie dlatego, że pierwotna konfiguracja nie potrafi pozostać stabilna.
Depeche Mode udowadniają, że ograniczenie techniczne może stać się trwałą kulturą pisania piosenek
Depeche Mode wychodzą z Basildon z relatywnie prostymi wczesnymi aranżacjami elektronicznymi i składem obejmującym Vince'a Clarke'a, Martina Gore'a, Andy'ego Fletchera i Dave'a Gahana. Pierwszy sukces mógł pozostać krótkotrwałym momentem synth-popowym. Clarke odchodzi. Grupa się nie rozpada. Gore przejmuje główną rolę kompozytorską, a Depeche Mode stopniowo rozwijają ciemniejszą i bardziej złożoną brzmieniowo tożsamość w latach 80. Historyczny łuk dokumentu może więc pokazać dojrzewanie elektronicznego popu bez porzucania przystępności. Ma to znaczenie, ponieważ stereotyp wczesnego synth-popu często zakłada jednorazowe nowinki zbudowane wokół nowych maszyn. Depeche Mode pokazują coś przeciwnego. Gdy nowość syntezatorów znika, karierę nadal muszą unieść piosenki, produkcja i tożsamość. Technologia otwiera drzwi. Nie gwarantuje długowieczności.
Vince Clarke staje się jednym z najlepszych przykładów elektronicznego popu jako rzemiosła, a nie futurystycznej ideologii
Po Depeche Mode Clarke zakłada Yazoo z Alison Moyet, a później Erasure z Andym Bellem. Jego kariera pokazuje wersję muzyki elektronicznej mniej zainteresowaną dystopijną nowoczesnością niż ekonomią pisania piosenek. Syntezatory dostarczają aranżacji, rytmu i faktury wokół melodii zaprojektowanych tak, by działały jako pop. To ważne w dokumencie, którego wczesne rozdziały podkreślają alienację, wysoką zabudowę i eksperymentalną kulturę obrzeży. Technologia nie pozostaje emocjonalnie przywiązana do tych początków. Maszyna zdolna wytwarzać zimną abstrakcję może równie dobrze wspierać ciepło, romantyzm i bezpośrednie hooki. Muzyka elektroniczna staje się na tyle zwyczajna, że może zawierać wiele gatunków emocjonalnych. Ta normalizacja jest jednym z rzeczywistych tematów filmu.
Soft Cell pokazują, jak minimalne aranżacje elektroniczne mogą stać się emocjonalnie przesadne
Soft Cell Marca Almonda i Dave'a Balla tworzą kolejny użyteczny paradoks. Instrumentacja może być relatywnie oszczędna. Wokalna ekspresja Almonda nie jest emocjonalnie powściągliwa w najmniejszym stopniu. Zestawienie to podważa założenie, że muzyka syntezatorowa z natury tworzy zdystansowany lub robotyczny afekt. Elektronika może zapewnić surowe tło, na którym dramatyczny wokalista staje się jeszcze intensywniejszy. Sukces duetu z „Tainted Love” pokazuje także, jak elektroniczny pop reinterpretował istniejący repertuar soulowy zamiast całkowicie odcinać się od starszych tradycji muzycznych. To kolejne przypomnienie, że rzekomy futuryzm sceny jest częściowo zbudowany z przeszłości. Nowe maszyny nie kasują starych piosenek. Tworzą dla nich nowe aranżacje.
New Order zamieniają rozpad Joy Division w most między post-punkiem i kulturą taneczną
Po śmierci Iana Curtisa pozostali członkowie Joy Division tworzą New Order i stopniowo integrują syntezatory, sekwencery i automaty perkusyjne z brzmieniem wciąż powiązanym z post-punkiem. Na początku lat 80. relacja grupy z klubami i elektronicznym rytmem staje się centralna dla rozwoju brytyjskiej muzyki zorientowanej na taniec. Streszczenie BBC wykorzystuje New Order jako część punktu końcowego dokumentu, w którym synth-pop zaczyna otwierać się w stronę muzyki tanecznej. Historycznie to ważne, ponieważ elektroniczny pop nie tylko staje się bardziej komercyjnie wypolerowany. Zmienia przestrzeń społeczną. Muzyka projektowana do słuchania oraz zespoły koncertowe coraz mocniej wchodzą w relację z systemami klubowymi, DJ-ami i wydłużonymi formami rytmicznymi. Droga syntezatora od eksperymentalnego marginesu do sceny popowej biegnie dalej ku parkietowi.
Pet Shop Boys stanowią odpowiedni późny punkt, ponieważ scena stała się już na tyle wyrafinowana, by ironizować na temat samego popu
Neil Tennant i Chris Lowe pojawiają się po najwcześniejszych pionierach syntezatora i dziedziczą krajobraz, w którym elektroniczny pop nie musi się już usprawiedliwiać. Ich twórczość może więc świadomie komentować celebryctwo, konsumpcję, kulturę klubową i konstrukcję popu. To ważna zmiana historyczna. Human League musieli kiedyś udowodnić, że grupa zbudowana wokół syntezatorów może wejść na listy przebojów. Pet Shop Boys mogą przyjąć technologię jako oczywistość i skupić się na tym, co pop oznacza społecznie. Instrument przestaje być tematem. Staje się gramatyką. To jeden z powodów, dla których Synth Britannia naturalnie kończy się mniej więcej w pierwszej połowie lat 80. Gdy elektronika staje się zwyczajnym językiem głównego nurtu, historia rozszerza się zbyt daleko dla jednego dokumentu gatunkowego.
Archiwum BBC jest jednocześnie dowodem i jedną z instytucji, które pomogły stworzyć zapamiętywaną historię
Program towarzyszący, Synth Britannia at the BBC, został wyemitowany w okresie premiery głównego dokumentu i bezpośrednio korzystał z archiwów występów BBC. Relacja jest niezwykle wymowna.
Top of the Pops, The Old Grey Whistle Test i inne programy nie były neutralnymi kamerami obserwującymi niezależną scenę. Telewizyjne występy zmieniały kariery, pokazując zespoły publiczności daleko wykraczającej poza kluby i prasę specjalistyczną. BBC wykorzystuje dziś własne archiwum do opowiedzenia historii przemian, które samo pomogło przyspieszyć. Czyni to dokument częściowo instytucjonalną autobiografią. Archiwum nadawcy jest najbardziej wartościowe wtedy, gdy widzowie pamiętają, że samo nadawanie było działaniem historycznym.
Czas trwania ma mylące wpisy wtórne, ale współczesne dowody z emisji wspierają około dziewięćdziesięciu minut
Niektóre współczesne bazy telewizyjne katalogują Synth Britannia jako program sześćdziesięciominutowy. Zapisy emisji z października 2009 roku oraz zachowane opisy pełnego programu umieszczają dokument na poziomie około dziewięćdziesięciu minut, a nowoczesne katalogi streamingowe często podają około 88 minut. Zamieszanie może częściowo wynikać z osobnego programu archiwalnego Synth Britannia at the BBC, który sam trwał około godziny, oraz z późniejszego dziedziczenia danych między bazami. RetroForge powinien więc używać około 88-90 minut dla głównego dokumentu i zachowywać towarzyszącą kompilację archiwalną oddzielnie. To dokładnie pokazuje, dlaczego metadane oparte na źródłach mają znaczenie. Dwa programy o niemal identycznych tytułach wyemitowano obok siebie. Piętnaście lat później bazy zaczynają łączyć ich cienie.
Największym osiągnięciem filmu jest pokazanie, że elektroniczny pop nie był czystym zerwaniem z punkiem, lecz jedną z możliwych przyszłości punku
Popularna opowieść często przeciwstawia punkowe gitary syntezatorom lat 80., traktując elektroniczny pop jako wypolerowaną kulturę komercyjną, która zastąpiła surowy bunt. Synth Britannia przedstawia bardziej przekonujący argument. Etyka DIY, niezależne wytwórnie, tani sprzęt, odrzucenie wirtuozerskiej konwencji rockowej i post-punkowy eksperyment tworzą środowisko, w którym grupy syntezatorowe mogą rozkwitać. Maszyna nie jest przeciwieństwem punku. Dla części muzyków jest narzędziem, które czyni punkowe pozwolenie „załóż własny zespół” jeszcze bardziej radykalnym. W ogóle nie potrzebujesz zespołu. Ta idea trwale zmienia pop.
Informacja o oglądaniu i kolekcjonowaniu
Używaj około 88-90 minut jako czasu trwania głównego dokumentu, po raz pierwszy wyemitowanego na BBC Four 16 października 2009 roku. Oddzielną *około godzinną kompilację archiwalną Synth Britannia at the BBC*** zachowaj jako program towarzyszący, a nie alternatywny montaż.