Dokument zaczyna się w 1945 roku, ponieważ twierdzi, że niemieckiego rocka nie da się zrozumieć, zaczynając od rocka
Krautrock: The Rebirth of Germany Benjamina Whalleya otwiera obraz powojennego zniszczenia i idea Stunde Null, „godziny zero”, od której nowe niemieckie społeczeństwo musiało odbudować instytucje i tożsamość po nazizmie i wojnie. To ambitna rama dla około godzinnego dokumentu muzycznego.
Film argumentuje, że muzycy urodzeni w następstwie wojny odziedziczyli problem kulturowy znacznie większy niż znalezienie nowego brzmienia gitary. Amerykański i brytyjski rock dominowały w kulturze młodzieżowej, starsze niemieckie formy popularne niosły skojarzenia, od których wielu młodych ludzi chciało uciec, a niedawna historia polityczna kraju czyniła kwestie narodowej tożsamości szczególnie trudnymi. Między mniej więcej 1968 a 1977 rokiem grupy takie jak Can, Neu!, Faust, Kraftwerk i inne rozwijały muzykę, która często świadomie odrzucała bluesowe konwencje angloamerykańskie. Program BBC nazywa to nową niemiecką tożsamością muzyczną. To użyteczne twierdzenie, o ile traktuje się je jako argument, a nie uniwersalną motywację. Muzycy nie dzielili jednej polityki, jednej techniki ani jednej definicji niemieckości. Łączyło ich środowisko historyczne, w którym kopiowanie brytyjskiego i amerykańskiego rocka mogło wydawać się niewystarczające.
Słowo „Krautrock” jest jednocześnie historycznie użyteczne i historycznie obraźliwe
Brytyjskie dziennikarstwo muzyczne spopularyzowało termin „Krautrock”, wykorzystując słowo wywodzące się z pogardliwego określenia Niemców do zebrania pod jedną nazwą muzyki, której większość samych twórców w ten sposób wspólnie nie nazywała. Termin przetrwał, ponieważ krytycy, sklepy płytowe i późniejsi słuchacze uznali go za przydatny. Jego trwałość stworzyła gatunek po fakcie.
Can nie brzmią jak Kraftwerk. Faust nie brzmi jak Popol Vuh. Minimalizm rytmiczny Neu!, elektroniczna ekspansja Tangerine Dream i psychodeliczny rock Amon Düül II wyrastający ze środowiska komuny zajmują radykalnie odmienne terytoria muzyczne. Nazywanie wszystkiego Krautrockiem może jednocześnie rozświetlać okres historyczny i go spłaszczać. Dokument Whalleya uznaje zewnętrzne pochodzenie etykiety, a zarazem szuka pod nią szerszych wspólnych warunków.
RetroForge powinien robić to samo. Kategoria pozostaje użyteczna dla nawigacji i wyszukiwania, ponieważ pięćdziesiąt lat historii muzyki uczyniło ją rozpoznawalną. Artykuł nie powinien jednak nigdy sugerować, że muzycy z całych Niemiec zebrali się pod jednym manifestem brzmieniowym zwanym Krautrockiem.
Can pokazują, jak międzynarodowy skład może pomóc stworzyć specyficznie niemiecką tożsamość eksperymentalną
Can powstali w Kolonii wokół muzyków takich jak Irmin Schmidt, Holger Czukay, Jaki Liebezeit i Michael Karoli, a później współpracowali z wokalistami Malcolmem Mooneyem i Damo Suzukim. Już sama historia zespołu komplikuje proste narracje narodowe. Mooney był Amerykaninem. Suzuki był Japończykiem. Grupa wchłaniała eksperymentalne idee związane ze Stockhausenem, jazz, rytm, montaż studyjny, psychodeliczny rock i improwizację. Mimo to rezultat stał się centralny dla opowieści o powojennej muzyce niemieckiej. To ważne, ponieważ tożsamość kulturowa nie wymaga izolacji. Oryginalność Can wyłania się częściowo z połączenia muzyków o różnych doświadczeniach w metodzie pracy odrzucającej konwencjonalną hierarchię rockowego zespołu.
Perkusja Liebezeita może stawać się niezwykle repetytywna bez utraty organiczności. Czukay traktuje taśmę i montaż studyjny jako narzędzia kompozycyjne. Klawisze Schmidta łączą eksperymentalną kompozycję ze wzmocnioną muzyką zespołową. Zespół nie brzmi „niemiecko” dlatego, że jakiś tradycyjny element folkowy ogłasza narodowość. Brzmi jak grupa muzyków działających w Niemczech, którzy decydują, że nie muszą brzmieć jak istniejący rock angloamerykański.
Idea motorik staje się wpływowa częściowo dlatego, że powtórzenie może być odczuwane jako ruch, a nie brak wyobraźni
Neu! i perkusista Klaus Dinger zostali silnie skojarzeni z napędzającym rytmem później nazwanym „motorik”. Gitara Michaela Rothera i perkusja Dingera tworzą muzykę, której puls do przodu może być jednocześnie repetytywny i otwarty. Dokument wiąże ten dźwięk z nowoczesną niemiecką infrastrukturą i kulturowym obrazem autostrady, choć relacji tej nie należy brać zbyt dosłownie. Powtórzenie staje się sposobem na odrzucenie bluesowego shuffle, swingu i konwencjonalnego rockowego backbeatu bez rezygnacji z napędu. Idea później rozchodzi się bardzo szeroko. Punk, post-punk, elektroniczna muzyka taneczna, indie rock i grupy eksperymentalne odkrywają, że stały puls może dawać innym instrumentom większą swobodę właśnie dlatego, że rytm odmawia dramatycznego komentowania. Wpływowy nie jest jeden konkretny beat. Chodzi o gotowość uznania powtórzenia za wartość estetyczną. Film ułatwia usłyszenie tej zmiany, ponieważ może szybko przechodzić między historią Dingera/Rothera a późniejszymi artystami opisującymi wpływ.
Kraftwerk wychodzą z ramy Krautrocku w stronę tożsamości tak kontrolowanej, że z czasem wyglądają, jakby całkiem opuścili tę kategorię
Wczesny Kraftwerk istniał w tym samym düsseldorfskim środowisku eksperymentalnym, które tworzyło relacje między Ralfem Hütterem, Florianem Schneiderem, Klausem Dingerem i Michaelem Rotherem. Późniejszy zespół staje się czymś znacznie bardziej samodzielnym. Elektroniczne instrumenty, kontrolowana identyfikacja wizualna, europejski modernizm i fascynacja technologią tworzą estetykę na tyle wyraźną, że Kraftwerk z czasem przypominają mniej jeden z zespołów Krautrockowych, a bardziej nową kategorię samą w sobie. Materiał dotyczący Autobahn jest szczególnie użyteczny, ponieważ płyta przekłada ruch, maszyny i melodię na muzykę na tyle przystępną, by wyjść daleko poza niemiecki underground. Ten komercyjny sukces tworzy kolejny historyczny paradoks. Grupa staje się globalnie wpływowa, ponieważ brzmi bardziej świadomie europejsko, zamiast naśladować dominujący angloamerykański model rocka. Późniejszy synth-pop, hip-hop, techno i elektroniczna kultura taneczna znajdą w Kraftwerk różne rzeczy. Sześćdziesięciominutowy dokument nie może prześledzić wszystkich tych odgałęzień. Może pokazać moment, w którym jeden powojenny niemiecki eksperyment staje się międzynarodową infrastrukturą muzyczną.
Tangerine Dream pokazują, że porzucenie rockowej piosenki może prowadzić do zupełnie innej idei występu
Wczesny rozwój Tangerine Dream prowadzi od rocka psychodelicznego ku długim formom muzyki elektronicznej zbudowanym na syntezatorach, sekwencerach, fakturze i stopniowej zmianie. Edgar Froese i zmieniający się współpracownicy, w tym Klaus Schulze we wczesnej fazie, pomogli ustanowić język później kojarzony z Berlin School. Brak konwencjonalnej perkusji czy wokalu w znacznej części późniejszego materiału tworzy użyteczny kontrast wobec Can i Neu!. To kolejny powód, dla którego „Krautrock” nie działa jako proste określenie brzmienia. Grupa może należeć do tego samego historycznego pokolenia, jednocześnie porzucając niemal wszystkie cechy kojarzone z rockowym występem. Film osadza eksperyment elektroniczny w szerszym argumencie o niemieckiej tożsamości, dzięki czemu syntezatory pojawiają się jako wybór kulturowy, a nie tylko nowe urządzenia. Elektroniczny dźwięk dawał wolność od odziedziczonego języka gitarowego. Maszyny mogły pomóc muzykom wyobrazić sobie przyszłość niezależną od kopiowania importowanej przeszłości.
Faust pokazują niewygodne współistnienie antykomercyjnego gestu i wsparcia przemysłu fonograficznego
Historia Faust zawiera jedną z wielkich sprzeczności rocka eksperymentalnego. Grupa otrzymała zasoby do tworzenia niezwykłej muzyki od branży mającej nadzieję odkryć komercyjnie znaczący niemiecki zespół, a następnie wykorzystała te zasoby do pracy potrafiącej być radykalnie wrogą wobec zwykłego formatu komercyjnego. Ich nagrania wykorzystują manipulację taśmą, kolaż, hałas, gwałtowne cięcia i struktury podważające oczekiwania wobec rockowego albumu. Ta relacja komplikuje pogląd, że sceny eksperymentalne rozwijają się całkowicie poza korporacjami. Pieniądze dużej wytwórni mogą stworzyć warunki do eksperymentu wtedy, gdy kierownictwo jest na tyle niepewne, by zaryzykować. Ten sam system może wycofać wsparcie, gdy rezultaty przestają zachowywać się komercyjnie. Późniejszy status kultowy Faust pokazuje, jak krótkoterminowe rozczarowanie biznesowe może przeistoczyć się w długoterminowy wpływ. Dokumentowi o kulturowym odrodzeniu służy ten przemysłowy szczegół. Nowa muzyka wymaga nie tylko pomysłów, lecz także miejsca, taśmy, studiów i kogoś gotowego płacić, dopóki eksperyment nie okaże się trudny do sprzedaży.
Amon Düül II łączą komunową kontrkulturę ze sceną muzyczną, której polityka nigdy nie była jednolita
Historia Amon Düül wyrasta z monachijskiego środowiska komuny związanego z radykalną kontrkulturą. Rozłam prowadzi ostatecznie do powstania Amon Düül II jako grupy bardziej skupionej muzycznie. To pochodzenie czyni zespół szczególnie użytecznym przy omawianiu kultury politycznej RFN końca lat 60. Zagrożeniem byłoby potraktowanie każdego muzyka z historii Krautrocku jako uczestnika jednego rewolucyjnego projektu politycznego. Tak nie było. Różne zespoły miały odmienne relacje z komuną, polityką studencką, szkołami artystycznymi, technologią i ambicją komercyjną. Amon Düül II mogą więc reprezentować jeden silny związek między polityką alternatywną i muzyką eksperymentalną bez stawania się wzorcem dla całego ruchu. Renate Knaup i inni uczestnicy sprawiają również, że sceniczna tożsamość zespołu różni się od mocno męskiego, instrumentalnego obrazu często przypisywanego niemieckiemu rockowi eksperymentalnemu. Scena była szersza, niż sugerują najbardziej znane fotografie.
Popol Vuh komplikują tezę dokumentu o nowoczesności, kierując się ku muzyce akustycznej i duchowej
Popol Vuh Floriana Frickego początkowo wykorzystywali syntezator Mooga w pionierski sposób, a następnie coraz bardziej przechodzili ku instrumentom akustycznym, fortepianowi, głosom i duchowym fakturom. Ta trajektoria burzy prostą historię, według której niemiecka muzyka eksperymentalna staje się stopniowo coraz bardziej elektroniczna, aż dochodzi do Kraftwerk i techno. Innowacja nie zawsze oznacza więcej maszyn. Późniejsza twórczość Popol Vuh, zwłaszcza współpraca z reżyserem Wernerem Herzogiem, tworzy muzykę, której nowoczesność leży w atmosferze i kompozycji, a nie demonstracji technologii. Historia grupy poszerza więc definicję patrzenia naprzód. Muzyk może wcześnie używać syntezatora, później go porzucić i nadal pozostać eksperymentalny. Największym wkładem dokumentu jest umiejętność umieszczenia tych sprzeczności w jednym okresie bez udawania, że zmierzają w tym samym kierunku.
Nieobecność Conny'ego Planka jako centralnego bohatera krótkiego filmu przypomina, ile jedna godzina musi pominąć
Producent i inżynier Conny Plank pracował z licznymi niemieckimi i międzynarodowymi artystami i stał się jedną z kluczowych technicznych postaci łączących eksperymentalny rock z późniejszą produkcją elektroniczną i new wave. Każda godzinowa historia Krautrocku będzie miała problem z poświęceniem pracy studyjnej tyle samo miejsca co słynnym zespołom. Właśnie dlatego późniejsze filmy takie jak Conny Plank: The Potential of Noise stają się niezbędnymi uzupełnieniami. Dokument BBC dostarcza mapę kulturową. Filmy specjalistyczne mogą wejść do studia i pokazać, jak mikrofony, taśma, miks i decyzje inżynieryjne pomagały tworzyć dźwięki później opisywane jako gatunki. RetroForge powinien wykorzystać tę różnicę poprzez linkowanie krzyżowe, zamiast krytykować sześćdziesięciominutowy program za to, że nie trwa sześciu godzin.
Berliński okres Bowiego pojawia się jako dowód wpływu, ale Niemcy nie powinny stawać się ważne dopiero wtedy, gdy przybywa brytyjska gwiazda
Praca Davida Bowiego pod koniec lat 70., wraz z Brianem Eno i Tonym Viscontim, wyraźnie czerpała z niemieckiej muzyki elektronicznej i eksperymentalnej. Neu!, Kraftwerk i powiązani artyści stali się punktami odniesienia w szerszym europejskim środowisku wokół Low i "Heroes". Dokument wykorzystuje Bowiego jako dowód, że niemiecka scena wpłynęła na ważnych artystów międzynarodowych. To zrozumiała metoda telewizyjnego opowiadania, ponieważ widzowie, którzy nie znają Cluster, mogą znać Bowiego. Hierarchia wymaga jednak ostrożności.
Krautrock nie staje się ważny dlatego, że Bowie go zatwierdził. Zainteresowanie Bowiego pokazuje, że niemieccy muzycy stworzyli już idee warte zapożyczenia. Kierunek znaczenia powinien pozostać jasny. Sławny późniejszy admirator jest dowodem obiegu. Nie jest źródłem historycznej wartości.
Powojenna rama jest na tyle silna, że film czasem ryzykuje uczynienie każdej decyzji muzycznej decyzją polityczną
Centralny argument dokumentu o powojennej tożsamości nadaje muzyce historyczną powagę, której często brakuje w profilach gatunkowych. Może też tłumaczyć zbyt wiele. Muzycy wybierają dźwięki z wielu powodów: ciekawość, osobowość, sprzęt, przypadek, lokalna scena, narkotyki, humor, pieniądze i zwykła preferencja mają znaczenie obok historii narodowej. Nie każdy powtarzalny rytm jest bezpośrednią odpowiedzią na faszyzm. Nie każdy syntezator jest próbą wynalezienia demokratycznych Niemiec. Najmocniejsze odczytanie wykorzystuje powojenną ramę jako wspólną presję, a nie tajny kod ukryty w każdej kompozycji. Kontekst historyczny kształtuje możliwości. Nie dyktuje każdej nuty.
Sześćdziesiąt minut działa, ponieważ dokument stawia tezę zamiast udawać pełną mapę sceny
Program został wyemitowany na BBC Four 23 października 2009 roku i trwa około 58-60 minut w zależności od konwencji katalogowej. To zdecydowanie za mało na kompletną historię niemieckiej muzyki eksperymentalnej między 1968 a 1977 rokiem. Whalley osiąga sukces, wybierając jasną tezę: radykalne pokolenie szukało muzycznych tożsamości poza odziedziczonym angloamerykańskim rockiem oraz poza kulturowym ciężarem niedawnej niemieckiej przeszłości. Film może następnie wybrać Can, Neu!, Faust, Kraftwerk, Tangerine Dream i innych jako różne odpowiedzi na tę samą szeroką presję historyczną. Późniejsza trylogia Romantic Warriors IV pokazuje, ile terytorium pozostaje. Jedna godzina BBC otwiera drzwi. Ponad sześć godzin specjalistycznego dokumentu może przez nie przejść.
Informacja o oglądaniu i kolekcjonowaniu
Używaj około 58-60-minutowego dokumentu BBC Four jako dzieła kanonicznego, po raz pierwszy wyemitowanego 23 października 2009 roku. Film jest selektywnym argumentem historycznym, a nie kompletnym katalogiem niemieckiej muzyki eksperymentalnej, a termin Krautrock powinien pozostawać osadzony historycznie, zamiast być przedstawiany jako jednolity, samookreślony gatunek.