Die erste große Hendrix-Biografie entstand, als die Erinnerung noch frisch genug für Widerspruch war
Jimi Hendrix starb am 18. September 1970 in London. Die Produktion der gemeinhin als A Film About Jimi Hendrix bekannten Dokumentation begann im März 1972. Joe Boyd, John Head und Gary Weis entwarfen also eine abendfüllende Biografie, bevor Hendrix’ Leben zu jener geschliffenen Legende erstarrt war, die spätere Generationen erbten.
Dieser Zeitpunkt ist der größte Vorzug des Films. Die Interviewten nehmen nicht an einer Rückschau zum fünfzigsten Jubiläum teil, in der jede Anekdote bereits Bücher, Dokumentationen, Boxsets und Tributkultur durchlaufen hat. Hendrix’ Vater Al, frühere Bandkollegen, Freunde, Tontechniker und zeitgenössische Musiker sprechen zu einer Zeit, in der der Verlust noch jung und die historische Rangordnung der Ereignisse instabil ist. Eric Clapton, Pete Townshend, Mick Jagger, Little Richard, Mitch Mitchell, Billy Cox, Eddie Kramer, Linda Keith, Buddy Miles und andere steuern Erinnerungen bei, die oft ebenso viel über ihre eigene Beziehung zu Hendrix verraten wie über den beschriebenen Menschen.
Das AFI verzeichnet eine ungewöhnliche Creditstruktur. Der Vorspann nennt keinen herkömmlichen Regisseur, sondern erklärt, der Film sei von Boyd als Produzent, Head durch Recherche und Weis durch die Bilder „assembled“ worden. Boyd beschrieb das Verfahren später als demokratisches Dreiersystem. Die Formulierung passt, denn der Film entsteht aus konkurrierenden Beweisarten statt aus einem maßgeblichen Erzähler. Interviews stehen neben Hendrix’ eigenen Worten, während vollständige oder umfangreiche Auftrittspassagen die Versuche anderer unterbrechen, ihn zu definieren. Das Porträt entstand nah genug an seinem Tod, dass Gewissheit schwierig bleibt.
Schon der Titel hat zwei Geschichten
Das AFI nennt als eingeblendeten Originaltitel schlicht Jimi Hendrix; auch viele zeitgenössische Rezensionen verwendeten diesen Namen. A Film About Jimi Hendrix erschien damals als Alternativtitel und wurde besonders durch spätere Heimvideoverpackungen vertraut, darunter die offizielle Deluxe Edition von Experience Hendrix.
Diese kleine Namensfrage zeigt, wie Archivfilme nach ihrer Veröffentlichung neue Identitäten annehmen. Ein Titel auf einer DVD-Hülle kann schließlich bekannter werden als der Name im ursprünglichen Film.
RetroForge sollte daher beide Namen mit demselben Werk verbinden, statt zwei Filme daraus zu machen. Die öffentliche Seite kann A Film About Jimi Hendrix verwenden, weil viele heutige Zuschauer danach suchen, während die Metadaten Jimi Hendrix als ursprünglichen Leinwandtitel bewahren.
Auch die Laufzeit hat eine unordentliche Geschichte. Das AFI nennt 102 Minuten, während die offizielle Hendrix-Website für die Deluxe Edition von 2005 den ursprünglichen 103-minütigen Kinofilm angibt. Andere verbreitete Datenbanken führen etwa 98 Minuten. Solche kleinen Differenzen können aus Transfergeschwindigkeit, Kopiengeschichte oder Katalogisierung entstehen, statt auf grundlegend andere Schnittfassungen zu weisen. Eine universell exakte Zahl muss nicht erfunden werden, wenn maßgebliche Quellen selbst abweichen. Auf Werkebene sind etwa 102–103 Minuten am sichersten; für eine konkrete Ausgabe gilt deren genaue Laufzeit.
Hendrix’ Auftrittsmaterial darf die Biografie unterbrechen, statt sie nur zu illustrieren
Laut AFI stammt das Auftrittsmaterial aus wichtigen Quellen wie Monterey, Beat Club, Woodstock, Fillmore East, Berkeley und der Isle of Wight. Die offizielle Hendrix-Ausgabe von 2005 hebt zusätzlich Material vom Atlanta Pop Festival im Archiv und Bonusprogramm hervor.
Entscheidend ist die Dauer. Die Produktionsgeschichte des AFI erklärt, dass die Lieder vollständig gespielt werden, statt auf wenige Sekunden unter Interviewton reduziert zu werden. So wird der Film nicht zur konventionellen Biografie, in der Auftritte bloß visuelle Tapete sind.
Ein vollständiges „Like a Rolling Stone“ oder eine längere Hendrix-Improvisation kann ein Argument liefern, das kein Interviewpartner angemessen zusammenfassen könnte. Die Kamera zeigt Anschlag, Bühnenbewegung, Feedbackgebrauch und das Verhältnis zur Rhythmusgruppe, ohne dass jemand erklären muss, Hendrix sei innovativ gewesen.
Das ist besonders wichtig, weil sein Ruf so schnell an spektakuläre Bilder gebunden wurde. Die brennende Gitarre in Monterey, das Spiel mit den Zähnen und „The Star-Spangled Banner“ in Woodstock lassen sich leicht auf Ikonografie verkürzen. Längere Auftrittspassagen stellen die musikalischen Strukturen um diese Bilder wieder her. Das Gitarrenfeuer bedeutet etwas anderes, wenn man Hendrix vorher spielen gesehen hat.
Monterey, Woodstock und die Isle of Wight zeigen drei Hendrix-Versionen statt einer dauerhaften Ikone
Das Auftrittsarchiv umfasst fast Hendrix’ gesamte Zeit internationalen Ruhms. Monterey im Juni 1967 zeigt einen Musiker, der sich nach seinem Durchbruch in Großbritannien einem großen amerikanischen Rockpublikum dramatisch vorstellt. Woodstock im August 1969 gehört zu einer anderen Besetzung und radikal anderen kulturellen Umgebung. Die Isle of Wight im August 1970 zeigt ihn kurz vor seinem Tod mit neuerem Material in einer Festivalwelt von inzwischen gewaltigem Ausmaß.
Eine spätere Karrieredokumentation kann daraus Stationen auf einem vorgezeichneten Weg zu Größe und Tod machen. Der Film von 1973 hat weniger historischen Abstand und bewahrt deshalb mehr Reibung zwischen den Ereignissen.
Unterschiede in Band, Repertoire und Auftrittsbedingungen zählen. Die Jimi Hendrix Experience mit Noel Redding und Mitch Mitchell ist nicht identisch mit späteren Formationen um Billy Cox oder Buddy Miles. Auch Hendrix’ Verhältnis zum Ruhm verändert sich im Archiv rasant.
Die Struktur lässt Zuschauer diese Veränderungen bemerken, ohne sie in starre Kapitel zu zwingen. Für RetroForge ist dies besonders wertvoll, weil andere Screening-Room-Seiten bereits die ursprünglichen Festivalfilme behandeln. Monterey kann zu Monterey Pop zurückführen, Isle-of-Wight-Material zu Murray Lerners Festivalarchiv. Die Biografie wird zum Knotenpunkt zwischen Quellfilmen, nicht zu ihrem Ersatz.
Das Dick-Cavett-Material gibt Hendrix eine leisere Stimme als seine Bühnenmythologie
Die AFI-Zusammenfassung betont Hendrix’ Auftritt in der Dick Cavett Show nach Woodstock. Das Material ist wichtig, weil die leise sprechende Person im Gespräch unbequem neben dem extravaganten öffentlichen Bild aus verstärkter Gitarre, leuchtender Kleidung und Bühnenzerstörung steht.
Dieser Gegensatz wurde oft genutzt, um den „echten“ Hendrix als schüchtern und die Bühnenfigur als Erfindung darzustellen. Nützlicher ist der Film, wenn beides nicht gegeneinander ausgespielt wird. Ein Musiker kann im Interview zurückhaltend und auf der Bühne körperlich gebieterisch sein, ohne dass eines das andere als falsch entlarvt. Cavett lässt Hendrix außerdem über die Reaktionen auf seine Woodstock-Fassung von „The Star-Spangled Banner“ sprechen. Sie wurde zu einem der politisch meistgedeuteten Instrumentalstücke des Rock, doch Hendrix’ eigene Aussagen widersetzen sich manchen großen Erklärungen.
Darin liegt eine wichtige Archivlektion. Berühmte Werke sammeln schneller Deutungen an, als Künstler sie kontrollieren können. Hendrix’ zeitgenössische Stimme im Film verhindert, dass spätere Kommentatoren die Bedeutung vollständig besitzen. Der Film schneidet und wählt seine Aussagen, lässt ihn aber wenigstens in der eigenen Biografie anwesend.
Die Interviewten zeigen, wie Hendrix bereits berühmte Musiker aus dem Gleichgewicht brachte
Pete Townshend und Eric Clapton sind besonders wertvolle Zeugen, denn Hendrix kam in Großbritannien nicht unter Amateuren an, die nur darauf warteten, beeindruckt zu werden. Er betrat eine Szene mit prominenten Gitarristen und Bands von starker Eigenart. Das AFI fasst Townshends Vergleich zwischen der zerstörerischen Bühnenshow von The Who und Hendrix’ Theatralik zusammen; Clapton spricht bewundernd und mit einem Anflug konkurrierender Unruhe über Hendrix’ Können.
Diese Erinnerungen sind historisch wichtig, weil spätere Kanonisierung Bewunderung unvermeidlich erscheinen lässt. 1966 und 1967 war Hendrix noch nicht der allgemein anerkannte „Gitarrengott“, sondern ein neuer Konkurrent in einer kleinen Berufswelt, der etablierte Musiker zwang, ihre Annahmen über das Instrument zu prüfen.
Little Richards Erinnerungen reichen weiter zurück, in Hendrix’ Zeit als Begleitmusiker statt Headliner. Diese Phase korrigiert den Mythos des sofortigen Erscheinens. Sein Stil entwickelte sich durch jahrelange professionelle Arbeit, bevor London seine Sichtbarkeit verwandelte.
Die Interviewstruktur lässt diese Phasen ohne dramatische Nachstellung nebeneinander bestehen. Erinnerungen anderer liefern die fehlenden Bilder; erhaltenes Auftrittsmaterial zeigt, was aus jener Lehrzeit hervorging.
Noel Reddings Abwesenheit zählt, denn auch Gesprächsverweigerungen formen eine Dokumentation
Die AFI-Produktionsgeschichte vermerkt, dass Noel Redding ein Interview ablehnte. Chas Chandler war nicht verfügbar, während Manager Michael Jeffery seine Teilnahme wiederholt verschob. Diese Lücken gehören in die historische Akte, weil der fertige Film sonst umfassender erscheinen kann, als er ist.
Redding war Bassist der Experience in jener Phase, die Hendrix’ internationalen Ruf begründete. Chandler brachte ihn entscheidend nach Großbritannien und etablierte dort seine frühe Karriere. Jefferys Management wurde für spätere Geschäftskontroversen zentral. Eine Dokumentation kann zwanzig Interviews enthalten und trotzdem wesentliche Stimmen vermissen.
Das ist kein einzigartiger Mangel dieses Films. Jede Künstlerdokumentation wird durch Zugang, Zustimmung, Tod, Verträge und die Bereitschaft geprägt, alte Beziehungen wieder zu öffnen. Hier macht die erhaltene Produktionsakte des AFI diese Grenzen ungewöhnlich sichtbar. Eine ernsthafte Screening-Room-Seite sollte das Interviewnetz als Beleg behandeln, nicht als vollständige Jury mit einem Urteil über Hendrix.
Der Film entstand, bevor Hendrix’ posthume Veröffentlichungen selbst zum historischen Problem wurden
1973 hatte Hendrix’ Katalog bereits ein enorm kompliziertes Nachleben begonnen, doch Jahrzehnte späterer Neuauflagen, rekonstruierter Alben, Nachlassverwaltungen, Lizenzstreitigkeiten und Archivprojekte lagen noch voraus. Daher verhält sich der Film anders zu seinem Vermächtnis als moderne Hendrix-Dokumentationen. Die Filmemacher versuchen eine Biografie zu begründen, bevor das Archiv für neue Generationen endlos neu geordnet wurde.
Das befreit ihn nicht von posthumer Interpretation. Jeder nach Hendrix’ Tod vollendete Film entscheidet bereits, was repräsentativ ist. Soundtrackalbum, Interviewauswahl und Auftrittsquellen schaffen eine bestimmte Karrierefassung.
Der Unterschied ist die historische Nähe. Fünfzig Jahre Gitarrenmagazine, Signaturprodukte, Jubiläumsausgaben und Debatten über unveröffentlichtes Material haben Hendrix noch nicht verwandelt. Der Film liegt nah genug an der ursprünglichen Karriere, um beinahe wie ein erweiterter Nachruf in Filmform zu wirken — mit genug Laufzeit für das Argument, dass kein Nachruf das Spiel erklären kann.
Die Deluxe Edition von 2005 macht verworfene Interviews zu einer zweiten Dokumentarebene
Die offizielle Deluxe Edition von Experience Hendrix aus dem Jahr 2005 bewahrt den ursprünglichen Kinofilm und ergänzt mehr als 75 Minuten Zusatzmaterial. Der größte Teil, From the Ukulele to the Strat, läuft etwa 63 Minuten und verwendet 1972 aufgezeichnete Interviews, die nicht in die ursprüngliche Schnittfassung gelangten.
Dieses Bonusprogramm ist historisch wertvoll, weil es die Menge der beim Schnitt ausgeschlossenen Belege offenlegt. Mitch Mitchell, Billy Cox, Buddy Miles, Eddie Kramer, Linda Keith, Al Hendrix und andere erscheinen in Material, das eine andere Fassung desselben Lebens hätte tragen können. Weitere Extras umfassen Aufnahmen vom Atlanta Pop Festival und einen Eddie-Kramer-Beitrag aus den Electric Lady Studios zur Mischung von „Dolly Dagger“.
Für Sammler ist die Deluxe Edition damit mehr als eine technisch verbesserte Disc. Der neu gemasterte 5.1-Ton ist nützlich, doch die verworfenen Interviews sind der tiefere Grund, sie zu suchen.
Das Zusatzmaterial macht den Dokumentarprozess sichtbar. Der Film von 1973 bleibt ein geschlossenes Werk; die Extras zeigen das Archiv, das die Filmemacher für diese Geschlossenheit wegschneiden mussten.
Eine posthume Dokumentation funktioniert am besten, wenn die Person sich weigert, nur Tragödie zu werden
Hendrix’ Tod mit siebenundzwanzig bestimmt naturgemäß die Schlussbewegung. Laut AFI endet die Dokumentation mit schriftlichen Angaben zu den medizinischen Feststellungen über seinen Tod. Angesichts der zeitlichen Nähe ist diese Betonung verständlich.
Dass der Film keine reine Tragödienerzählung wird, verdankt er der vielen vollständig erhaltenen Musik. Hendrix tut weiterhin etwas, statt nur erinnert zu werden.
Das ist wichtig, weil jung gestorbene Künstler besonders leicht von ihrer Biografie verdrängt werden. Ihr Leben ist kurz genug für einen sauberen Bogen, und jeder Erfolg kann als weiterer Schritt auf ein Ende zu erscheinen, das der Zuschauer bereits kennt.
A Film About Jimi Hendrix ist am stärksten, wenn ein Auftritt diesen Bogen unterbricht. Die Biografie hält an, die Gitarre beginnt, und die Zukunft verliert vorübergehend ihre Bedeutung. Der Film wurde nach Hendrix’ Tod zusammengestellt, doch ein Großteil seiner besten Belege entstand, als niemand vor der Kamera ahnte, dass je ein Denkmal nötig sein würde.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Bevorzuge die Deluxe Edition von 2005 als Archivpaket: Sie enthält den ursprünglichen, etwa 102–103 Minuten langen Film mit neu gemastertem Ton und mehr als 75 Minuten Zusatzmaterial. Bewahre Jimi Hendrix als ursprünglichen Leinwandtitel und A Film About Jimi Hendrix als weit verbreiteten Alternativ- und Heimvideotitel.