The Chocolate Watchband war eine Garage-Rock-Gruppe aus der South Bay mit einer ungewöhnlich schwer zu entwirrenden Plattengeschichte. Die bekannteste Besetzung von 1966/67 — David Aguilar, Mark Loomis, Sean Tolby, Bill Flores und Gary Andrijasevich — begründete ihren Ruf mit kantigen Liveauftritten, britischen Rhythm-and-Blues-Covers sowie Aguilars Mundharmonika und konfrontativer Leadstimme.
Die drei Tower-Alben lassen sich nicht als geradlinige Dokumente dieser Gruppe verstehen. Produzent Ed Cobb und Toningenieur Richie Podolor setzten neben Watchband-Aufnahmen externe Musiker, Instrumentalstücke und Studiosänger Don Bennett ein; auf dem dritten Album ist eine neu formierte Besetzung mit Danny Phay statt Aguilar zu hören. Diese Unterscheidung ist der Schlüssel zum korrekten Verständnis des Katalogs.
The Chocolate Watchband um 1966.Foto: Unknown author / Wikimedia Commons · Lizenziert als Gemeinfrei. Für diese Seite in WebP umgewandelt.
Gründung & Geschichte
Die Gitarristen Mark Loomis und Ned Torney gründeten 1965 am Foothill College in Los Altos Hills die erste Chocolate Watchband. Diese kurzlebige Gruppe veröffentlichte keine kommerziellen Aufnahmen. Loomis stellte 1966 mit Aguilar, Tolby, Flores und Andrijasevich die bekanntere Besetzung zusammen. Sie wurde zu einer regionalen Attraktion, unterschrieb bei einem mit Green Grass Productions verbundenen Management und begann in Los Angeles mit Cobb aufzunehmen.
Die Gruppe trat 1967 in den Filmen Riot on Sunset Strip und The Love-Ins auf, doch ihre personelle Kontinuität überstand das Jahr nicht. Loomis ging, Aguilar kehrte zu seinem Studium zurück, und eine Übergangsbesetzung erfüllte bestehende Auftrittsverpflichtungen. Eine neu formierte Watchband mit dem ursprünglichen Sänger Danny Phay nahm One Step Beyond auf und bestand bis 1970 weiter. Das Interesse an den Aufnahmen der 1960er Jahre brachte Aguilar, Flores und Andrijasevich 1999 wieder zusammen; später folgten Get Away, ein Livealbum und die Studioveröffentlichung This Is My Voice von 2019.
Klang & Stil
Die Band der Aguilar-Ära setzte auf abgehackte Rhythmusgitarre, übersteuerte Leadgitarre, wuchtige Bass-und-Schlagzeug-Muster, Maracas und Mundharmonika. Aguilars Phrasierung konnte an Mick Jagger erinnern, doch Aufnahmen wie „I'm Not Like Everybody Else“, „I Ain't No Miracle Worker“ und „It's All Over Now, Baby Blue“ leben vom straffen, aggressiven Zugriff der gesamten Gruppe und nicht nur von stimmlicher Nachahmung.
Das vom Produzenten konstruierte Material verwendet eine andere Palette: Sitar, Flöte, Saxofon, Studioeffekte und ausgedehnte Instrumentalpassagen. Auf The Inner Mystique ist dieser Gegensatz wörtlich zu nehmen — die ursprüngliche erste Seite entstand ohne die Watchband, während die zweite auf Aufnahmen der Aguilar-Besetzung zurückgreift. One Step Beyond wechselt erneut die Richtung und ersetzt das frühere Garage-Fauchen durch Danny Phays Stimme und einen lockereren Folk-Rock-Ansatz.
Essenzielle Alben
1967
No Way Out
Tower · Original 1967 release
No Way Out ist ein Album mit mehreren Urheberschaften. Die eigene Rhythmusgruppe und die Gitarren der Watchband treiben „Come On“, „Gone and Passes By“, „Are You Gonna Be There (At the Love-In)“ und den Titelsong an; Cobb ersetzte Aguilars Arbeitsgesang jedoch bei mehreren Aufnahmen durch Don Bennett, darunter „Let's Talk About Girls“. Von Podolor geleitete Studiomusiker lieferten die Instrumentalstücke „Dark Side of the Mushroom“ und „Expo 2000“. Der Zusammenprall direkter Garage-Aufnahmen mit konstruierter Psychedelia ist daher kein ästhetischer Zufall, sondern Folge der Entstehung der Platte.
Schlüsseltitel: Come On · Gone and Passes By · Are You Gonna Be There (At the Love-In) · No Way Out
The Inner Mystique macht die Teilung bereits in der Reihenfolge sichtbar. Die ursprüngliche erste Seite — die Instrumentalstücke „Voyage of the Trieste“ und „Inner Mystique“, dazwischen „In the Past“ mit Don Bennett — enthält keine Watchband-Darbietung. Die zweite Seite greift auf die Aguilar-Besetzung zurück: „I'm Not Like Everybody Else“ und „I Ain't No Miracle Worker“ zeigen ihre Livekraft, während Bennetts Ersatzgesang auf „Medication“ und „Let's Go, Let's Go, Let's Go“ das Bild erneut verkompliziert.
Schlüsseltitel: I'm Not Like Everybody Else · It's All Over Now, Baby Blue · I Ain't No Miracle Worker · In the Past
One Step Beyond dokumentiert eine neu formierte Watchband und nicht die Aguilar-Besetzung. Danny Phay singt, Sean Tolby und Mark Loomis spielen Gitarre, Bill Flores und Gary Andrijasevich bilden die Rhythmusgruppe; die meisten der sieben Titel der ursprünglichen LP wurden in diesem Kreis geschrieben. „I Don't Need No Doctor“ ist die einzige Fremdkomposition, Moby-Grape-Gitarrist Jerry Miller wirkt bei „Devil's Motorcycle“ mit. Das Album ist entspannter und stärker am Folk Rock orientiert als seine Vorgänger, doch seine Besetzung ist weniger irreführend als die studiogebaute Seite von The Inner Mystique.
Schlüsseltitel: Uncle Morris · Devil's Motorcycle · I Don't Need No Doctor · Flowers
Die erste Uptown-Single verbindet Cobbs „Sweet Young Thing“ mit der Bearbeitung von Dylans „It's All Over Now, Baby Blue“ durch die Gruppe. Letztere ist in mehreren Abmischungen erhalten und bleibt eines der deutlichsten Beispiele dafür, wie die Aguilar-Besetzung einen vertrauten Song durch gespannte Rhythmusgitarre, Mundharmonika und Gesangsphrasierung neu formen konnte.
Für den Film Riot on Sunset Strip nahm die Band Aguilars „Don't Need Your Lovin'“ und „Sitting There Standing“ auf und trat auch im Bild auf. Diese kompakten Darbietungen ergänzen die Tower-Alben, weil ihre Urheberschaft weniger zweideutig ist. Spätere Zusammenstellungen, besonders die Ace/Big-Beat-Sammlung Melts in Your Brain… Not on Your Wrist!, helfen dabei, Originalgesang, alternative Versionen und Studiokonstruktionen auseinanderzuhalten.
Die Plattengeschichte der Watchband legt zwei unterschiedliche Arten des Musikmachens in den 1960er Jahren offen. Regionale Clubs und Filmauftritte bewahren die Identität einer arbeitenden Garage-Band aus der South Bay; die Tower-Alben zeigen, wie Produzenten und Labels diese Identität mit Ersatzgesang, externen Musikern und erst nach dem Zerfall einer Besetzung zusammengestelltem Material umformen konnten.
Diese Geschichte macht die Platten nicht entbehrlich, sondern eine sorgfältige Zuordnung unverzichtbar. Die stärksten Aufnahmen der Aguilar-Besetzung behalten ihre körperliche Wucht, während die Studiostücke einen anderen Zweig kommerzieller Psychedelia dokumentieren. Beides zu hören — und zu wissen, was was ist — verwandelt einen verwirrenden Katalog in eine aufschlussreiche Fallstudie über Urheberschaft, Image und Kontrolle.
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