Die Dokumentation beginnt 1945, weil sie deutschen Rock nicht mit Rock beginnen lassen will
Benjamin Whalleys Krautrock: The Rebirth of Germany eröffnet mit der Zerstörung nach dem Krieg und der Vorstellung einer Stunde Null, von der aus eine neue deutsche Gesellschaft Institutionen und Identität nach Nationalsozialismus und Krieg neu aufbauen musste. Das ist ein ehrgeiziger Rahmen für eine ungefähr einstündige Musikdokumentation.
Der Film argumentiert, dass die im Nachkrieg geborenen Musiker vor einem größeren kulturellen Problem standen als der Suche nach einem neuen Gitarrenklang. Amerikanischer und britischer Rock beherrschten die Jugendkultur, ältere deutsche Unterhaltungsformen trugen Verbindungen, denen viele junge Menschen entkommen wollten, und die jüngste politische Geschichte machte nationale Identität besonders schwierig. Zwischen ungefähr 1968 und 1977 entwickelten Can, Neu!, Faust, Kraftwerk und andere Musik, die bluesgeprägte angloamerikanische Konventionen häufig bewusst zurückwies. Das BBC-Programm nennt dies eine neue deutsche musikalische Identität. Diese Behauptung ist nützlich, wenn sie als Argument und nicht als einheitliches Motiv gilt. Die Musiker teilten weder Politik, Technik noch eine Definition von Deutschsein. Sie teilten eine historische Umgebung, in der das Kopieren britischen und amerikanischen Rocks unzureichend wirken konnte.
Das Wort „Krautrock“ ist historisch nützlich und historisch beleidigend zugleich
Die britische Musikpresse verbreitete den Begriff „Krautrock“. Er verwendete ein von einer abwertenden Bezeichnung für Deutsche abgeleitetes Wort, um sehr unterschiedliche Musik zu gruppieren, die ihre Urheber selbst nicht kollektiv benannt hatten. Der Begriff überlebte, weil Kritiker, Plattenläden und spätere Hörer ihn praktisch fanden. Sein Fortbestehen schuf nachträglich ein Genre.
Can klingen nicht wie Kraftwerk. Faust klingen nicht wie Popol Vuh. Der rhythmische Minimalismus von Neu!, die elektronische Weite von Tangerine Dream und der aus einer psychedelischen Kommune hervorgegangene Rock von Amon Düül II liegen in radikal verschiedenen musikalischen Gebieten. All das Krautrock zu nennen, kann eine historische Epoche erhellen und zugleich abflachen. Whalleys Dokumentation erkennt das äußere Etikett an und sucht darunter nach breiteren gemeinsamen Bedingungen.
RetroForge sollte dasselbe tun. Für Navigation und Suche bleibt die Kategorie nützlich, weil fünfzig Jahre Musikgeschichte sie erkennbar gemacht haben. Der Artikel darf niemals suggerieren, Musiker in ganz Deutschland hätten sich unter einem gemeinsamen Klangmanifest namens Krautrock versammelt.
Can zeigen, wie internationale Mitglieder eine spezifisch deutsche experimentelle Identität miterschaffen können
Can entstanden in Köln um Musiker wie Irmin Schmidt, Holger Czukay, Jaki Liebezeit und Michael Karoli und arbeiteten später mit den Sängern Malcolm Mooney und Damo Suzuki. Schon die Bandgeschichte macht einfache nationale Erzählungen kompliziert. Mooney war Amerikaner, Suzuki Japaner. Die Gruppe nahm experimentelle Ideen aus Stockhausens Umfeld, Jazz, Rhythmus, Studiomontage, Psychedelic Rock und Improvisation auf. Das Ergebnis wurde trotzdem zentral für Diskussionen über deutsche Nachkriegsmusik. Kulturelle Identität verlangt keine Isolation. Cans Originalität entsteht teilweise daraus, dass Musiker verschiedene Hintergründe in eine Arbeitsweise einbringen, die herkömmliche Rockhierarchie verweigert.
Liebezeits Schlagzeug kann außerordentlich repetitiv werden, ohne mechanisch zu klingen. Czukay behandelt Tonband und Studiomontage als Kompositionswerkzeuge. Schmidts Keyboards verbinden experimentelle Komposition mit verstärkter Ensemblemusik. Die Band klingt nicht deshalb deutsch, weil ein traditionelles Folkelement Nationalität verkündet. Sie klingt wie Musiker in Deutschland, die beschlossen haben, nicht wie vorhandener angloamerikanischer Rock klingen zu müssen.
Die Motorik-Idee wird auch deshalb einflussreich, weil Wiederholung wie Bewegung statt Fantasielosigkeit wirken darf
Neu! und Schlagzeuger Klaus Dinger wurden eng mit jenem treibenden Rhythmus verbunden, der später „motorik“ hieß. Michael Rothers Gitarre und Dingers Schlagzeug erzeugen einen Vorwärtsimpuls, der zugleich repetitiv und offen wirkt. Die Dokumentation verbindet diesen Klang mit moderner deutscher Infrastruktur und dem kulturellen Bild der Autobahn, doch das Verhältnis darf nicht zu wörtlich genommen werden. Wiederholung wird zum Weg, Bluesshuffle, Swing und herkömmlichen Rockbackbeat abzulehnen, ohne den Antrieb aufzugeben. Die Idee reist später weit. Punk, Post-Punk, elektronische Tanzmusik, Indie Rock und experimentelle Gruppen entdecken, dass ein fester Puls anderen Instrumenten gerade deshalb Freiheit geben kann, weil der Rhythmus dramatische Kommentare verweigert. Einflussreich ist nicht ein bestimmter Beat, sondern die Bereitschaft, Wiederholung zum ästhetischen Wert zu machen. Der Film macht den Wandel hörbar, indem er rasch zwischen der Geschichte Dinger/Rother und späteren Künstlern wechselt, die seine Wirkung beschreiben.
Kraftwerk bewegen sich vom Krautrock-Rahmen zu einer so kontrollierten Identität, dass sie die Kategorie schließlich zu verlassen scheinen
Die frühen Kraftwerk gehörten zur selben experimentellen Düsseldorfer Umgebung, in der Beziehungen zwischen Ralf Hütter, Florian Schneider, Klaus Dinger und Michael Rother entstanden. Die spätere Band wurde geschlossener. Elektronische Instrumente, kontrolliertes Erscheinungsbild, europäische Moderne und Technikfaszination schufen eine so eigenständige Ästhetik, dass Kraftwerk schließlich weniger wie eine Krautrock-Band als wie eine neue Kategorie wirkten. Besonders nützlich ist das Autobahn-Material: Die Platte übersetzt Bewegung, Maschinen und Melodie in Musik, die weit über den deutschen Underground hinaus zugänglich war. Dieser kommerzielle Erfolg erzeugt ein weiteres Paradox. Die Gruppe wird weltweit einflussreich, indem sie ausdrücklich europäischer wird, statt das dominante angloamerikanische Rockmodell nachzuahmen. Später fanden Synthpop, Hip-Hop, Techno und elektronische Tanzkultur jeweils anderes in Kraftwerk. Eine sechzigminütige Dokumentation kann nicht allen Zweigen folgen. Sie zeigt den Punkt, an dem ein deutsches Nachkriegsexperiment zur internationalen musikalischen Infrastruktur wird.
Tangerine Dream zeigen, dass die Aufgabe des Rocksongs zu einer völlig anderen Vorstellung von Aufführung führen kann
Tangerine Dreams frühe Entwicklung führt vom Psychedelic Rock zu elektronischer Langformmusik aus Synthesizern, Sequenzern, Textur und allmählicher Veränderung. Edgar Froese und wechselnde Mitwirkende, darunter in einer frühen Phase Klaus Schulze, begründeten eine später mit der Berliner Schule verbundene Sprache. Der Verzicht auf herkömmliches Schlagzeug oder Gesang in viel späterem Material kontrastiert nützlich mit Can und Neu!. Auch deshalb taugt „Krautrock“ nicht als einfacher Klangbegriff. Eine Gruppe kann zur selben historischen Generation gehören und fast jedes Merkmal der Rockaufführung aufgeben. Der Film stellt elektronische Experimente in sein größeres Argument über deutsche Identität und lässt Synthesizer als kulturelle Entscheidung statt bloß als neue Geräte erscheinen. Elektronischer Klang bot Freiheit von ererbtem Gitarrenvokabular. Maschinen konnten helfen, eine Zukunft zu entwerfen, die nicht auf der Kopie einer importierten Vergangenheit beruhte.
Faust lassen antikommerziellen Gestus und Unterstützung der Plattenindustrie unbeholfen nebeneinanderbestehen
Die Geschichte von Faust enthält einen der großen Widersprüche des Experimental Rock. Eine Industrie, die eine kommerziell bedeutende deutsche Band finden wollte, gab der Gruppe Mittel für ungewöhnliche Musik. Faust verwendeten sie für Werke, die gewöhnlichen kommerziellen Formaten radikal feindlich gegenüberstehen konnten. Tonbandmanipulation, Collage, Lärm, abrupte Schnitte und Strukturen fordern Erwartungen an Rockalben heraus. Das macht die Vorstellung komplizierter, experimentelle Szenen entwickelten sich vollständig außerhalb von Konzernen. Major-Label-Geld kann Bedingungen für Experimente schaffen, wenn Entscheidungsträger unsicher genug für Risiken sind. Dasselbe System zieht Unterstützung zurück, wenn Ergebnisse nicht kommerziell funktionieren. Fausts späterer Kultstatus zeigt, wie kurzfristige geschäftliche Enttäuschung zu langfristigem Einfluss werden kann. Eine Dokumentation über kulturelle Wiedergeburt profitiert von diesem industriellen Detail. Neue Musik braucht nicht nur Ideen, sondern Orte, Tonband, Studios und jemanden, der bezahlt, bis sich das Experiment als schwer verkäuflich erweist.
Amon Düül II verbinden kommunale Gegenkultur mit einer Musikszene, deren Politik nie einheitlich war
Die Amon-Düül-Geschichte wächst aus einer Münchner Kommune der radikalen Gegenkultur. Eine Spaltung bringt schließlich Amon Düül II als musikalisch konzentriertere Gruppe hervor. Dieser Ursprung macht die Band besonders nützlich für Diskussionen über die politische Kultur Westdeutschlands Ende der 1960er. Gefährlich wäre es, jeden Musiker der Krautrock-Geschichte zum Teil eines gemeinsamen revolutionären Projekts zu erklären. Das waren sie nicht. Die Bands hatten verschiedene Beziehungen zu Kommunen, Studentenpolitik, Kunsthochschulen, Technologie und kommerziellem Ehrgeiz. Amon Düül II können daher eine starke Verbindung zwischen alternativer Politik und experimenteller Musik vertreten, ohne Vorlage der ganzen Bewegung zu werden. Renate Knaup und weitere Beteiligte unterscheiden die Bühnenidentität außerdem vom stark männlichen Instrumentalbild, das häufig am deutschen Experimental Rock haftet. Die Szene war breiter, als die berühmtesten Fotografien vermuten lassen.
Popol Vuh machen die Modernitätsthese komplizierter, indem sie zu akustischer und spiritueller Musik übergehen
Florian Frickes Popol Vuh verwendeten den Moog-Synthesizer zunächst wegweisend und bewegten sich dann stärker zu akustischen Instrumenten, Klavier, Stimmen und spirituellen Texturen. Dieser Weg stört die einfache Geschichte, deutsche experimentelle Musik werde immer elektronischer, bis Kraftwerk und Techno erscheinen. Innovation bedeutet nicht immer mehr Maschinen. Popol Vuhs spätere Arbeit, besonders in Zusammenarbeit mit Werner Herzog, schafft Musik, deren Modernität in Atmosphäre und Komposition statt technischer Vorführung liegt. Die Geschichte erweitert damit die Definition des Zukunftsweisenden. Ein Musiker kann früh einen Synthesizer verwenden, ihn später aufgeben und experimentell bleiben. Die stärkste Leistung der Dokumentation besteht darin, solche Widersprüche in eine Epoche einzufügen, ohne vorzugeben, sie zeigten in dieselbe Richtung.
Conny Planks fehlende Hauptrolle in einem kurzen Film erinnert daran, wie viel eine Stunde auslassen muss
Produzent und Toningenieur Conny Plank arbeitete mit zahlreichen deutschen und internationalen Künstlern und wurde zu einer entscheidenden technischen Verbindung zwischen Experimental Rock und späterer elektronischer beziehungsweise New-Wave-Produktion. Jede einstündige Krautrock-Geschichte wird Studiarbeit nur schwer gleichberechtigt neben berühmten Bands behandeln können. Hier werden spätere Filme wie Conny Plank: The Potential of Noise zu unverzichtbaren Ergänzungen. Die BBC-Dokumentation liefert eine kulturelle Karte. Spezialfilme können das Studio betreten und zeigen, wie Mikrofone, Tonband, Mischung und technische Entscheidungen jene Klänge erschufen, die später Genres heißen. RetroForge sollte diesen Unterschied durch Verlinkung nutzen, statt ein sechzigminütiges Programm dafür zu kritisieren, keine sechs Stunden lang zu sein.
Bowies Berliner Zeit belegt Einfluss, doch Deutschland darf nicht erst durch die Ankunft eines britischen Stars wichtig werden
David Bowies Arbeit Ende der 1970er mit Brian Eno und Tony Visconti bezog sich sichtbar auf deutsche elektronische und experimentelle Musik. Neu!, Kraftwerk und verwandte Künstler wurden Bezugspunkte im weiteren europäischen Umfeld von Low und „Heroes“. Der Film verwendet Bowie als Beleg für den Einfluss der deutschen Szene auf internationale Stars. Das ist verständliches Fernsehen, weil Zuschauer, die Cluster nicht kennen, Bowie kennen können. Die Hierarchie verlangt Vorsicht.
Krautrock wird nicht bedeutend, weil Bowie ihn bestätigt. Bowies Interesse zeigt, dass deutsche Musiker bereits Ideen geschaffen hatten, die sich zu übernehmen lohnten. Die Richtung der Bedeutung muss klar bleiben. Ein berühmter späterer Bewunderer belegt Zirkulation, nicht den Ursprung historischen Werts.
Der Nachkriegsrahmen ist so mächtig, dass der Film bisweilen jede musikalische Entscheidung politisch zu machen droht
Das zentrale Argument über Nachkriegsidentität gibt der Musik eine historische Ernsthaftigkeit, die Genreporträts oft fehlt. Es kann zugleich zu viel erklären. Musiker wählen Klänge aus vielen Gründen: Neugier, Persönlichkeit, Geräte, Zufall, lokale Szenen, Drogen, Humor, Geld und einfache Vorlieben zählen neben Nationalgeschichte. Nicht jeder repetitive Rhythmus ist eine direkte Antwort auf Faschismus. Nicht jeder Synthesizer versucht, ein demokratisches Deutschland zu erfinden. Die stärkste Lesart versteht den Nachkriegsrahmen als gemeinsamen Druck statt als Geheimcode in jeder Komposition. Historischer Zusammenhang prägt Möglichkeiten. Er diktiert nicht jede Note.
Sechzig Minuten funktionieren, weil der Film eine These entwickelt, statt eine vollständige Szenekarte vorzutäuschen
Das Programm lief erstmals am 23. Oktober 2009 auf BBC Four und dauert je nach Katalogkonvention ungefähr 58 bis 60 Minuten. Das ist viel zu kurz für eine umfassende Geschichte deutscher experimenteller Musik zwischen 1968 und 1977. Whalley gelingt der Film durch eine klare These: Eine radikale Generation suchte musikalische Identitäten jenseits des ererbten angloamerikanischen Rocks und der kulturellen Last der jüngsten deutschen Vergangenheit. Can, Neu!, Faust, Kraftwerk, Tangerine Dream und andere können dann als verschiedene Antworten auf denselben breiten historischen Druck erscheinen. Die spätere Trilogie Romantic Warriors IV zeigt, wie viel Gebiet übrig bleibt. Eine BBC-Stunde öffnet die Tür. Mehr als sechs Stunden Spezialdokumentation können hindurchgehen.
Hinweis zum Ansehen und Sammeln
Die ungefähr 58 bis 60 Minuten lange BBC-Four-Dokumentation, erstmals ausgestrahlt am 23. Oktober 2009, ist das maßgebliche Werk. Der Film ist ein selektives historisches Argument und kein vollständiger Katalog deutscher experimenteller Musik. Der Begriff Krautrock muss historisch eingeordnet bleiben und darf nicht als einheitliches, selbst erklärtes Genre erscheinen.